El Retablo de Merode, de Robert Campin, es un tríptico de la Anunciación lleno de significado simbólico, que pretendía llevar a los fieles a la contemplación profunda de los misterios de Cristo, que dejó el cielo para hacerse hombre. En este post, exploraremos la historia y el contexto de la obra. Si quieres leer más sobre la iconografía y los significados ocultos en la pieza puedes consultar este post aquí.
Los tres nombres del artista del Retablo de Merode
Robert Campin (c. 1375-1444), fue también conocido como el Maestro de Flemalle. Uno de los primeros grandes maestros de la escuela flamenca y de los primeros Países Bajos, sus obras ejemplifican las características del Renacimiento del Norte.
Robert Campin fue un pintor muy conocido, y bien documentado, durante su vida. A pesar de ello, sólo recientemente ha recibido el reconocimiento de los historiadores del arte. Esto se debe, en parte, al hecho de que Campin era conocido habitualmente como el Maestro de Flemalle. Antes de que se confirmara la identidad de Robert Campin, esta obra figuraba como pintada por el «Maestro del Retablo de Merode». Hubo confusión sobre si el Maestro de Flemalle, el Maestro del Retablo de Merode y Robert Campin eran la misma persona.
Es fácil dar por sentado que la etiqueta de una obra es una certeza. La realidad es que, a menudo, las atribuciones son las mejores conjeturas y, a medida que se descubre más información, hay que hacer cambios. En este caso, se encontraron tres pinturas similares que eran de Campin. Esos descubrimientos permitieron añadir el Retablo de Merode al conjunto de obras atribuidas a Robert Campin.
Debido a esta confusión, en el pasado, muchas de sus obras se han atribuido a otros artistas. Algunas siguen siendo discutidas. Campin no firmaba habitualmente sus cuadros, y cuando lo hacía, lo hacía a menudo en el marco. Los marcos no siempre se conservan, por lo que, sin una firma, los expertos deben recurrir a la labor detectivesca y hacer una suposición. A medida que sale a la luz más información, se hacen nuevas evaluaciones.
El Retablo de Mérode, también llamado Tríptico de la Anunciación, óleo sobre tabla de madera, de Robert Campin, c. 1425; en los Claustros, Nueva York.
El Retablo de Merode
El Retablo de Merode, pintado en 1425, es una obra pequeña y portátil destinada a la devoción personal. La obra es un tríptico, es decir, tiene tres paneles abatibles para poder plegar las pinturas laterales. Cuando el Retablo de Merode se muestra desplegado, la obra mide 1 metro de alto y 1 metro de ancho. Este tamaño permitía transportar la obra con facilidad y exponerla en una casa.
El panel central se pintó primero, probablemente sin un encargo. El artista elegía un tema popular, lo pintaba y, una vez comprado, se añadían los paneles laterales. Los paneles laterales contendrían cualquier detalle que el nuevo propietario deseara añadir. En este caso, el donante quería pintarse a sí mismo en el ala izquierda. Era habitual que la persona que compraba una obra se pintara a sí misma. Los paneles laterales tienen bisagras para poder plegar la pieza.
La obra se encuentra actualmente en The Cloisters, parte del Metropolitan Museum de Nueva York.
Retratos votivos
En este retablo, el donante y su esposa están pintados en el panel izquierdo. Esto sigue una larga tradición de pintar a la persona que paga por una obra en el cuadro en actitud de adoración. Durante la Edad Media y el Renacimiento, estos retratos, a veces llamados votivos, solían estar en los paneles laterales, como si las figuras estuvieran presentes, observando el desarrollo de las historias sagradas.
La palabra votivo significa consagrado o realizado por devoción. Si una persona adquiría un retablo para un edificio público, su generosa donación le aseguraba oraciones por su alma a perpetuidad. A veces los donantes eran grupos de personas, tal vez un gremio o una cofradía.
Los donantes se pintaban a menudo mucho más pequeños que las figuras bíblicas, y estarían arrodillados. La mayoría de las veces, las figuras bíblicas no son conscientes de la presencia del donante arrodillado, pero un santo patrón puede estar con el donante, tal vez con una mano sobre su hombro.
En las obras posteriores del Renacimiento, los artistas comenzaron a trabajar con los donantes en las propias pinturas, convirtiéndolos en un rostro en la multitud, un soldado, etc.
Pintura al óleo
La pintura al temple, utilizada durante el Renacimiento italiano, es opaca y de secado rápido. La témpera se hacía mezclando pigmentos con agua, luego yemas de huevo y, generalmente, otro ingrediente aglutinante. Sin un elemento adicional de «pegamento», el temple se agrietaba e incluso se desprendía. Los artistas solían cubrir las obras con un barniz para darles algo del brillo y el color profundo que conseguían las pinturas al óleo, pero los barnices se oscurecían con el tiempo y no podían crear las propiedades de reflexión de la luz del óleo. El temple era el medio utilizado en las pinturas al fresco, o pinturas sobre paredes de yeso que eran típicas en las iglesias y palacios italianos.
Por el contrario, el Retablo de Merode es una pintura al óleo sobre un panel de madera. Los paneles de madera, aunque no son desconocidos en Italia, eran mucho más comunes en las zonas del norte de Europa. Los paneles se adaptaban mejor al medio del óleo y Campin y sus contemporáneos ampliaron los límites de lo que se podía conseguir con los óleos.
La pintura al óleo se estaba perfeccionando en el Norte, donde se valoraban sus cualidades luminosas y la capacidad de pintar con más claridad y detalle. El pigmento se suspende en un aceite, normalmente de linaza. Esto permite una mayor carga de pigmento y colores más profundos. El óleo también permite una mayor variación de los colores, lo que significaba que los artistas podían pintar con mayor precisión. El óleo es translúcido, la luz puede pasar a través de él. Cuando se aplicaba en capas, los artistas podían crear mucha profundidad y sombra, creando efectos similares a los de las joyas de colores profundos. Podían ir acumulando capas lentamente, lo que resolvía un poco el misterio que había detrás de esas finas capas de película que a veces se veían. El óleo se secaba lentamente y esto permitía a los artistas una mayor libertad para corregir y cambiar a medida que trabajaban.
Estas capas de pintura al óleo daban a los objetos una profundidad y una belleza que sorprendían a un mundo acostumbrado a la apariencia plana de la pintura al temple.
Luz y color del norte
La pintura del norte destaca especialmente por su uso de la luz y el color, que fue posible en gran medida gracias a la adopción del óleo. Me atrae la obra de estos artistas del Norte porque prefiero los colores claros e intensos y la luz nítida. Una vez que uno se familiariza con varios pintores del Norte, es fácil identificarlos. Hay una sensación distintiva que es difícil de definir con palabras.
Al examinar la obra de Campin más de cerca, fíjese en los colores y el juego de luces. Es precioso. Por supuesto, en las reproducciones, se pierde el juego de luces a través de los óleos. Los exquisitos detalles son difíciles de apreciar. Sin embargo, incluso una reproducción nos da una idea de la profundidad del color conseguida. Cuando se ven en persona, obras como ésta, quitan el aliento. Espero que tenga la oportunidad de ver alguna en persona.
Características de la pintura nórdica expuestas en el Retablo de Mérode
Más allá de la pintura en sí, hay otras características de la pintura nórdica a tener en cuenta. El Renacimiento del Norte se desarrolló de forma independiente, de manera diferente al Renacimiento en Italia. En Italia, la combinación de religión, humanismo y clasicismo era clave. Esto significaba que se enfatizaban los detalles arquitectónicos antiguos y un énfasis en la perspectiva lineal (discutida aquí) y la perspectiva aérea (discutida aquí). En el arte clásico, los artistas trataban de «engañar al ojo» para hacer creer al espectador que estaba viendo algo real. También valoraban las figuras míticas y bíblicas, y no los sucesos o personas cotidianas.
En el arte del Norte faltan elementos clásicos. La religión y el humanismo son evidentes, pero sin los elementos clásicos. Los artistas del Norte abordaban los temas de sus cuadros de forma diferente. Había un interés y una elevación de la vida cotidiana, no sólo de los momentos heroicos de la historia o del mito. Si bien es cierto que se pintaba a la nobleza, también se pintaba a la gente común en su día a día. Esto creó toda una nueva categoría de obras, la pintura de género.
Mucha de la inspiración del Renacimiento del Norte provino de los Manuscritos Iluminados. Como vimos anteriormente, estas increíbles obras habían alcanzado un gran realismo y una obsesiva atención al detalle. Los artistas del Norte no se limitaban a pintar detalles, sino que los hacían intrincados, nítidos y claros. A menudo los detalles estaban impregnados de significados. Más adelante, en nuestro análisis de esta pieza, veremos que incluso las pequeñas tallas del banco tenían un significado y se sumaban a la historia que se contaba.
De hecho, el norte valoraba un cierto elemento secreto en el significado de los detalles. Algunos símbolos, como el pan y el vino de la Eucaristía, se entendían universalmente, pero otros requerían reflexión y trabajo detectivesco para ser descifrados. Este ejercicio intelectual pretendía ampliar el valor contemplativo de la obra. Siempre hay más de lo que se ve, más cosas que descubrir cuanto más tiempo se considera un cuadro.
Los significados ocultos dentro de esta obra son tan extensos que he dedicado otro post a su discusión, puedes encontrarlo aquí. Si quieres ver vídeos de historia del arte que he hecho puedes consultar mi canal de youtube aquí.
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Fuentes
E.H. Gombrich, The Story of Art. (Nueva York, Phaidon Press, 2016)
Hugh Honour y John Fleming, The Visual Arts: Una historia (Laurence King Pulishing Ltd., Londres, Inglaterra 2018)
Profesora Sharon Latchaw Hirsh, How to Look at and Understand Great Art, Lecture series, Great Courses
Profesor William Koss, History of European Art Lecture series, Great Courses
Hermana Wendy Beckett, The Story of Painting (Londres, Dorsey Kindersley, 2000)
Marilyn Stokstad, Art History. (New Jersey, Pearson Education, 2005)
Sitio web de la Galería Nacional de Arte www.nga.gov
Sitio web del Museo Metropolitano de Arte www.metmuseum.org
El Centro Getty www.getty.edu
https://www.metmuseum.org/toah/works-of-art/56.70/
Y gracias al Met y a Wiki commons las imágenes de calidad para el arte de dominio público son ahora mucho más accesibles.
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