Igor Stravinsky fue uno de los innovadores más importantes de la música; ningún otro compositor del siglo XX ha ejercido una influencia tan profunda ni ha dominado su arte como lo hizo Stravinsky durante sus siete décadas de carrera musical. Aparte de las consideraciones puramente técnicas, como el ritmo y la armonía, el sello más importante del estilo de Stravinsky es, de hecho, su rostro cambiante. Surgido del espíritu del nacionalismo ruso tardío y terminando su carrera con un lenguaje espinoso e individual impregnado de los principios de los 12 tonos, Stravinsky asumió una serie de disfraces estéticos a lo largo de su desarrollo, conservando siempre una identidad distintiva y esencial.
Aunque era hijo de uno de los principales bajos del Teatro Mariinsky y un talentoso pianista aficionado, Stravinsky no tuvo más formación musical que la de cualquier otro niño de la clase alta rusa. Ingresó en la Facultad de Derecho, pero también comenzó a estudiar composición y orquestación de forma privada con Nicolai Rimsky-Korsakov. En 1909, las obras orquestales Scherzo fantastique y Fireworks habían impresionado a Sergei Diaghilev lo suficiente como para que le pidiera a Stravinsky que orquestara, y posteriormente compusiera, ballets para su compañía. La tríada de primeros ballets de Stravinsky -El Pájaro de Fuego (1909-1910), Petrushka (1910-1911) y, sobre todo, La Consagración de la Primavera (1911-1913)- contribuyó más a consolidar su reputación que cualquiera de sus otras obras; de hecho, el motín que siguió al estreno de La Consagración es uno de los acontecimientos más notorios de la historia de la música.
Stravinsky y su familia pasaron los años de la guerra en Suiza, y regresaron a Francia en 1920. Sus ensayos con influencias del jazz de las décadas de 1910 y 1920 -en particular, Ragtime (1918) y La historia del soldado (1918)- dieron paso a uno de los giros estéticos más influyentes del compositor. La tensión neoclásica de obras tan diversas como el ballet Pulcinella (1919-1920), la Sinfonía de los Salmos (1930) y, décadas más tarde, la ópera The Rake’s Progress (1948-1951) tuvieron un amplio impacto e influyeron especialmente en la incipiente escuela de compositores estadounidenses que miraban a Stravinsky como su principal modelo. Había empezado a hacer giras como director de orquesta y pianista, generalmente interpretando sus propias obras. En la década de 1930, realizó una gira por América y escribió varias piezas cumpliendo con los encargos estadounidenses, incluido el Concierto en mi bemol, «Dumbarton Oaks».
Después de la muerte de su hija, su esposa y su madre en un período de menos de un año, Stravinsky emigró a América, estableciéndose en California con su segunda esposa en 1940. Sus obras entre 1940 y 1950 muestran una mezcla de estilos, pero todavía parecen centradas en las tradiciones rusas o francesas. La perspectiva cultural de Stravinsky cambió después de que Robert Craft se convirtiera en su asistente musical, encargándose de los ensayos de Stravinsky, viajando con él y, más tarde, siendo coautor de sus memorias. A Craft se le atribuye haber ayudado a Stravinsky a aceptar la composición en 12 tonos como una de las herramientas de su oficio. Sin embargo, es característico el uso novedoso que hizo de estos principios en su propia música, produciendo obras de gran originalidad: Movimientos (1958-1959) para piano y orquesta, Variaciones: Aldous Huxley in Memoriam (1963), y los Cánticos del Réquiem (1965-1966) son algunas de las más llamativas. Craft preparó a los músicos para la ejemplar serie de LPs de Columbia Records que Stravinsky dirigió durante la era del estéreo, abarcando prácticamente todas sus obras significativas. A pesar del deterioro de su salud en sus últimos años, Stravinsky siguió componiendo hasta poco antes de su muerte en abril de 1971.
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