Educación y primeros años de carreraEditar
O’Keeffe estudió y fue la mejor de su clase en la School of the Art Institute of Chicago de 1905 a 1906, estudiando con John Vanderpoel. Debido a una fiebre tifoidea, tuvo que tomarse un año de descanso en su formación. En 1907 asistió a la Art Students League de Nueva York, donde estudió con William Merritt Chase, Kenyon Cox y F. Luis Mora. En 1908, ganó el premio William Merritt Chase a la naturaleza muerta de la Liga por su óleo Dead Rabbit with Copper Pot. Su premio consistió en una beca para asistir a la escuela de verano de la Liga en Lake George, Nueva York. Durante su estancia en la ciudad, O’Keeffe visitó galerías, como la 291, de la que era copropietario su futuro marido, el fotógrafo Alfred Stieglitz. La galería promovía la obra de artistas de vanguardia de Estados Unidos y Europa y de fotógrafos.
En 1908, O’Keeffe se enteró de que no podría financiar sus estudios. Su padre había quebrado y su madre estaba gravemente enferma de tuberculosis. Tampoco estaba interesada en crear una carrera como pintora basada en la tradición mimética que había constituido la base de su formación artística. Aceptó un empleo en Chicago como artista comercial y trabajó allí hasta 1910, cuando regresó a Virginia para recuperarse de un caso de sarampión y posteriormente se trasladó con su familia a Charlottesville. No pintó durante cuatro años, y dijo que el olor a trementina la ponía enferma. Comenzó a enseñar arte en 1911. Uno de sus puestos fue su antigua escuela, el Instituto Episcopal Chatham de Virginia.
En 1912 tomó una clase de arte de verano en la Universidad de Virginia con Alon Bement, que era miembro de la facultad del Teachers College de la Universidad de Columbia. Con Bement, conoció las ideas innovadoras de Arthur Wesley Dow, un colega de su instructor. El enfoque de Dow estaba influenciado por los principios del arte japonés en cuanto a diseño y composición. Comenzó a experimentar con composiciones abstractas y a desarrollar un estilo personal que se alejaba del realismo. De 1912 a 1914, enseñó arte en las escuelas públicas de Amarillo, en el Panhandle de Texas, y fue ayudante de Bement durante los veranos. Tomó clases en la Universidad de Virginia durante dos veranos más. En la primavera de 1914 asistió a una clase en el Teachers College de la Universidad de Columbia con Dow, quien influyó aún más en su forma de pensar sobre el proceso de creación de arte. Sus estudios en la Universidad de Virginia, basados en los principios de Dow, fueron fundamentales para el desarrollo de O’Keeffe como artista. A través de su exploración y crecimiento como artista, ayudó a establecer el movimiento del modernismo americano.
Dio clases en el Columbia College, Columbia, Carolina del Sur, a finales de 1915, donde completó una serie de abstracciones al carbón muy innovadoras, basadas en sus sensaciones personales. A principios de 1916, O’Keeffe se encontraba en Nueva York en el Teachers College de la Universidad de Columbia. O’Keeffe envió los dibujos a carboncillo a una amiga y antigua compañera del Teachers College, Anita Pollitzer, que los llevó a Alfred Stieglitz a su galería 291 a principios de 1916. A Stieglitz le parecieron «las cosas más puras, finas y sinceras que habían entrado en el 291 en mucho tiempo», y dijo que le gustaría mostrarlas. En abril de ese año, Stieglitz expuso diez de sus dibujos en el 291.
Después de realizar más cursos en Columbia a principios de 1916 y de dar clases de verano para Bement, fue directora del departamento de arte a partir del otoño de 1916 en el West Texas State Normal College, en Canyon. Comenzó a pintar una serie de acuarelas basadas en los paisajes y las amplias vistas de sus paseos, entre las que se encuentran las vibrantes pinturas que realizó del Cañón de Palo Duro. O’Keeffe, que disfrutaba de los amaneceres y las puestas de sol, desarrolló una afición por los colores intensos y nocturnos. Partiendo de una práctica que comenzó en Carolina del Sur, O’Keeffe pintaba para expresar sus sensaciones y sentimientos más privados. En lugar de esbozar un diseño antes de pintar, creaba diseños libremente. O’Keeffe continuó experimentando hasta que creyó que había captado realmente sus sentimientos en la acuarela Light Coming on the Plains No. I (1917). En ella «plasmó un paisaje monumental en esta sencilla configuración, fusionando pigmentos azules y verdes en graduaciones tonales casi indistintas que simulan el efecto pulsante de la luz en el horizonte del Panhandle de Texas», según la autora Sharyn Rohlfsen Udall. Tras el inicio de su relación con Alfred Stieglitz, sus pinturas en acuarela terminaron rápidamente. Stieglitz la animó mucho a dejarlo porque el uso de la acuarela se asociaba a las mujeres artistas aficionadas.
Nueva YorkEditar
Stieglitz, veinticuatro años mayor que O’Keeffe, le proporcionó apoyo financiero y le consiguió una residencia y un lugar para pintar en Nueva York en 1918. Desarrollaron una estrecha relación personal mientras él promovía su obra. Llegó a conocer a muchos de los primeros modernistas estadounidenses que formaban parte del círculo de artistas de Stieglitz, como los pintores Charles Demuth, Arthur Dove, Marsden Hartley y John Marin, y los fotógrafos Paul Strand y Edward Steichen. La fotografía de Strand, así como la de Stieglitz y sus numerosos amigos fotógrafos, inspiraron la obra de O’Keeffe. También por esta época, O’Keeffe enfermó durante la pandemia de gripe de 1918.
O’Keeffe comenzó a crear imágenes simplificadas de cosas naturales, como hojas, flores y rocas. Inspirada en el Precisionismo, La manzana verde, completada en 1922, representa su noción de la vida simple y con sentido. O’Keeffe dijo ese año que «sólo mediante la selección, la eliminación y el énfasis llegamos al verdadero significado de las cosas». Blue and Green Music expresa los sentimientos de O’Keeffe sobre la música a través del arte visual, utilizando colores atrevidos y sutiles.
O’Keeffe, más famosa por su representación de las flores, realizó unos 200 cuadros de flores,que a mediados de la década de 1920 eran representaciones a gran escala de flores, como si se vieran a través de una lente de aumento, como las Amapolas orientales y varios cuadros de Canna roja. En 1924 pintó su primer cuadro de flores a gran escala, Petunia, nº 2, que se expuso por primera vez en 1925. Las representaciones ampliadas de objetos creaban una sensación de asombro e intensidad emocional. El 20 de noviembre de 2014, la obra Jimson Weed/White Flower No 1 (1932) de O’Keeffe se vendió por 44.405.000 dólares en 2014 en una subasta a la heredera de Walmart Alice Walton, más del triple del anterior récord mundial de subastas para cualquier artista femenina.
La historiadora del arte Linda Nochlin interpretó Black Iris III (1926) como una metáfora morfológica de los genitales femeninos, pero O’Keeffe rechazó esa interpretación, afirmando que eran sólo cuadros de flores.
Después de haberse mudado a un apartamento en el piso 30 del Hotel Shelton en 1925, que, en 2019, fue añadido a la lista del Proyecto de Sitios Históricos LGBT de la ciudad de Nueva York, O’Keeffe comenzó una serie de pinturas de los rascacielos y el skyline de la ciudad. Una de sus obras más notables, que demuestra su habilidad para representar los edificios en estilo precisionista, es Radiator Building-Night, New York. Otros ejemplos son Calle de Nueva York con luna (1925), El Shelton con manchas de sol, N.Y. (1926) y Noche de ciudad (1926). En 1928 realizó un paisaje urbano, East River from the Thirtieth Story of the Shelton Hotel, una pintura de su vista del East River y de las fábricas que emiten humo en Queens. Al año siguiente realizó sus últimos cuadros del horizonte de la ciudad de Nueva York y de los rascacielos y viajó a Nuevo México, que se convirtió en una fuente de inspiración para su obra.
En 1924, Stieglitz organizó una exposición simultánea de las obras de arte de O’Keeffe y de sus fotografías en las Anderson Galleries y organizó otras exposiciones importantes. El Museo de Brooklyn organizó una retrospectiva de su obra en 1927. En 1928, anunció a la prensa que seis de sus cuadros de calas se habían vendido a un comprador anónimo en Francia por 25.000 dólares, pero no hay pruebas de que esta transacción se produjera tal y como informó Stieglitz. Sin embargo, debido a la prensa, los cuadros de O’Keeffe se vendieron a un precio más alto a partir de ese momento. A finales de la década de los veinte destacó por su trabajo como artista estadounidense, en particular por las pinturas de rascacielos de la ciudad de Nueva York y los primeros planos de flores.
TaosEdit
O’Keeffe viajó a Nuevo México en 1929 con su amiga Rebecca Strand y se alojó en Taos con Mabel Dodge Luhan, que les proporcionó estudios a las mujeres. Desde su habitación tenía una clara vista de las montañas de Taos, así como de la morada (casa de reuniones) de los Hermanos de la Fraternidad Piadosa de Nuestro Padre Jesús Nazareno, también conocidos como los Penintentes. O’Keeffe hizo muchos viajes en mochila, explorando las escarpadas montañas y los desiertos de la región ese verano y más tarde visitó el cercano rancho de D. H. Lawrence, donde completó su ahora famoso cuadro al óleo, El árbol de Lawrence, actualmente propiedad del Wadsworth Athenaeum de Hartford, Connecticut. O’Keeffe visitó y pintó la histórica iglesia de la Misión de San Francisco de Asís en Ranchos de Taos. Realizó varios cuadros de la iglesia, al igual que muchos artistas, y su pintura de un fragmento de la misma silueteado contra el cielo la captó desde una perspectiva única.
Nuevo México y Nueva YorkEditar
O’Keeffe pasó entonces parte de casi todos los años trabajando en Nuevo México. Recogió rocas y huesos del suelo del desierto y los convirtió, junto con las formas arquitectónicas y paisajísticas distintivas de la zona, en temas de su obra. Conocida por su carácter solitario, O’Keeffe exploraba la tierra que amaba a menudo en su Ford Modelo A, que compró y aprendió a conducir en 1929. A menudo hablaba de su afición por el Ghost Ranch y el norte de Nuevo México, como en 1943, cuando explicaba: «Un lugar tan bello, intacto y solitario, una parte tan bonita de lo que yo llamo el «Lejano». Es un lugar que ya he pintado antes… incluso ahora debo hacerlo de nuevo»
O’Keeffe no trabajó desde finales de 1932 hasta aproximadamente mediados de la década de 1930, ya que sufrió varias crisis nerviosas y fue ingresada en un hospital psiquiátrico. Estas crisis nerviosas fueron el resultado de que O’Keeffe se enterara de la aventura de su marido. Fue una artista popular, que recibió varios encargos mientras sus obras se exponían en Nueva York y otros lugares. En 1936 completó el que sería uno de sus cuadros más conocidos, Días de verano. Representa una escena desértica con un cráneo de ciervo con vibrantes flores silvestres. Parecido a Cabeza de carnero con malvarrosa, representaba la calavera flotando sobre el horizonte.
En 1938, la agencia de publicidad N. W. Ayer & Son se puso en contacto con O’Keeffe para que creara dos cuadros para la Hawaiian Pineapple Company (ahora Dole Food Company) para utilizarlos en la publicidad. Otros artistas que realizaron cuadros de Hawai para la publicidad de la Hawaiian Pineapple Company son Lloyd Sexton, Jr., Millard Sheets, Yasuo Kuniyoshi, Isamu Noguchi y Miguel Covarrubias. La oferta llegó en un momento crítico de la vida de O’Keeffe: tenía 51 años y su carrera parecía estar estancada (los críticos calificaban de limitada su atención a Nuevo México y calificaban sus imágenes del desierto como «una especie de producción en serie»). Llegó a Honolulu el 8 de febrero de 1939 a bordo del SS Lurline y pasó nueve semanas en Oahu, Maui, Kauai y la isla de Hawai. El periodo más productivo y vívido fue, con diferencia, el de Maui, donde tuvo total libertad para explorar y pintar. Pintó flores, paisajes y anzuelos tradicionales hawaianos. De vuelta a Nueva York, O’Keeffe completó una serie de 20 cuadros sensuales y verdes. Sin embargo, no pintó la solicitada piña hasta que la Hawaiian Pineapple Company le envió una planta a su estudio de Nueva York.
Durante la década de 1940, O’Keeffe tuvo dos retrospectivas en solitario, la primera en el Instituto de Arte de Chicago (1943). La segunda fue en 1946, cuando fue la primera mujer artista en tener una retrospectiva en el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Manhattan. El Museo Whitney de Arte Americano inició un esfuerzo para crear el primer catálogo de su obra a mediados de la década de 1940.
En la década de 1940, O’Keeffe realizó una extensa serie de pinturas de lo que se llama el «Lugar Negro», a unas 150 millas (240 km) al oeste de su casa del Rancho Fantasma. O’Keeffe dijo que el Lugar Negro se parecía a «una milla de elefantes con colinas grises y arena blanca a sus pies». Hizo pinturas del «Lugar Blanco», una formación rocosa blanca situada cerca de su casa de Abiquiú.
AbiquiúEditar
Cielo sobre las nubes IV, 1965, óleo sobre lienzo, The Art Institute of Chicago.
Cascada – Final del camino – Valle de ‘Iao, 1939, óleo sobre lienzo, Museo de Arte de Honolulu.
En 1946, comenzó a hacer de las formas arquitectónicas de su casa de Abiquiú -pared del patio y puerta- temas de su obra. Otro cuadro característico fue Escalera a la Luna, de 1958. O’Keeffe realizó una serie de paisajes nubosos, como Sky above the Clouds (Cielo sobre las nubes) a mediados de la década de 1960, inspirados en las vistas que tenía desde las ventanas de los aviones.
El Museo de Arte de Worcester organizó una retrospectiva de su obra en 1960 y, diez años después, el Museo Whitney de Arte Americano organizó la exposición retrospectiva de Georgia O’Keeffe.
En 1972, O’Keeffe perdió gran parte de su vista debido a una degeneración macular, lo que la dejó sólo con una visión periférica. En 1972 dejó de pintar al óleo sin ayuda. En la década de 1970, realizó una serie de obras en acuarela. Su autobiografía, Georgia O’Keeffe, publicada en 1976, fue un éxito de ventas.
Judy Chicago concedió a O’Keeffe un lugar destacado en su obra The Dinner Party (1979) en reconocimiento a lo que muchas destacadas artistas feministas consideraron una introducción innovadora de la imaginería sensual y feminista en sus obras de arte. Aunque las feministas celebraron a O’Keeffe como la creadora de la «iconografía femenina», O’Keeffe se negó a unirse al movimiento artístico feminista o a cooperar con cualquier proyecto exclusivamente femenino. No le gustaba que la llamaran «mujer artista» y quería que la consideraran «artista».
Continuó trabajando a lápiz y carboncillo hasta 1984.
Premios y honoresEditar
En 1938, O’Keeffe recibió el título honorífico de «Doctora en Bellas Artes» por el College of William & Mary. Posteriormente, O’Keeffe fue elegida miembro de la Academia Americana de las Artes y las Letras y, en 1966, fue elegida miembro de la Academia Americana de las Artes y las Ciencias. Entre sus premios y honores, O’Keeffe recibió el premio M. Carey Thomas en el Bryn Mawr College en 1971 y dos años más tarde recibió un título honorífico de la Universidad de Harvard.
En 1977, el presidente Gerald Ford concedió a O’Keeffe la Medalla Presidencial de la Libertad, el mayor honor que se concede a los civiles estadounidenses. En 1985, el presidente Ronald Reagan le concedió la Medalla Nacional de las Artes. En 1993, fue incluida en el Salón Nacional de la Fama de las Mujeres.
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