PreproducciónEditar
Tras el éxito de Por unos dólares más, los ejecutivos de United Artists se acercaron al guionista de la película, Luciano Vincenzoni, para firmar un contrato por los derechos de la misma y de la siguiente. El productor Alberto Grimaldi, Sergio Leone y él no tenían ningún plan, pero con su bendición, Vincenzoni lanzó una idea sobre «una película sobre tres pícaros que buscan un tesoro en la época de la Guerra Civil americana». El estudio aceptó, pero quería saber el coste de esta próxima película. Al mismo tiempo, Grimaldi intentaba negociar su propio acuerdo, pero la idea de Vincenzoni era más lucrativa. Los dos hombres llegaron a un acuerdo con UA para un presupuesto de un millón de dólares, con el estudio adelantando 500.000 dólares por adelantado y el 50% de la recaudación en taquilla fuera de Italia. El presupuesto total fue finalmente de 1,2 millones de dólares.
Leone se basó en el concepto original del guionista para «mostrar lo absurdo de la guerra… la Guerra Civil, que los personajes encuentran. En mi marco de referencia, es inútil, estúpida: no implica una ‘buena causa'». Aficionado a la historia, Leone dijo: «Había leído en alguna parte que 120.000 personas murieron en campos del Sur como Andersonville. No ignoraba que había campos en el Norte. Siempre se oye hablar del comportamiento vergonzoso de los perdedores, nunca de los ganadores». El campo de Batterville donde están presos Blondie y Tuco se basó en grabados de acero de Andersonville. Muchas de las tomas de la película están influenciadas por fotografías de archivo tomadas por Mathew Brady y Alexander Gardner. Como la película tiene lugar durante la Guerra de Secesión, sirvió de precuela para las otras dos películas de la trilogía, que tienen lugar después de la guerra.
Mientras Leone desarrollaba la idea de Vincenzoni para convertirla en un guión, el guionista recomendó al equipo de guionistas de comedias Agenore Incrucci y Furio Scarpelli para que trabajaran en él con Leone y Sergio Donati. Según Leone, «no pude utilizar nada de lo que habían escrito. Fue la mayor decepción de mi vida». Donati estuvo de acuerdo y dijo: «No había casi nada de ellos en el guión final. Sólo escribieron la primera parte. Sólo una línea». Vincenzoni afirma que escribió el guión en 11 días, pero pronto abandonó el proyecto después de que su relación con Leone se agriara. Los tres personajes principales contienen elementos autobiográficos de Leone. En una entrevista dijo: «no tiene espíritu, es un profesional en el sentido más banal del término. Como un robot. No es el caso de los otros dos. En el lado metódico y cuidadoso de mi personaje, estaría más cerca de il Biondo (Rubio), pero mi simpatía más profunda va siempre hacia el lado de Tuco… Puede ser conmovedor con toda esa ternura y toda esa humanidad herida». El director de la película, Alex Cox, sugiere que el oro enterrado en cementerios que persiguen los protagonistas puede haberse inspirado en los rumores que rodean a los terroristas anticomunistas del Gladio, que escondían muchos de sus 138 alijos de armas en los cementerios.
Eastwood recibía un salario basado en un porcentaje, a diferencia de las dos primeras películas, de las que recibía una tarifa directa. Cuando Lee Van Cleef volvió a ser contratado para otra película de Dólares, bromeó: «la única razón por la que me trajeron de vuelta fue porque se olvidaron de matarme en Por unos dólares más».
El título provisional de la película era I due magnifici straccioni (Los dos magníficos vagabundos). Se cambió justo antes de comenzar el rodaje cuando Vincenzoni pensó en Il buono, il brutto, il cattivo (El bueno, el feo, el malo), que a Leone le encantaba. En Estados Unidos, United Artists consideró utilizar la traducción original al italiano, Río de dólares, o El hombre sin nombre, pero se decidió por El bueno, el malo y el feo.
ProducciónEdición
El rodaje comenzó en el estudio Cinecittà de Roma de nuevo a mediados demayo de 1966, incluyendo la escena inicial entre Eastwood y Wallach cuando Blondie captura a Tuco por primera vez y lo envía a la cárcel. A continuación, la producción se trasladó a la región de la meseta española, cerca de Burgos, en el norte, que se convirtió en el suroeste de Estados Unidos, y volvió a rodar las escenas del oeste en Almería, en el sur de España. Esta vez, la producción requirió decorados más elaborados, como una ciudad bajo el fuego de los cañones, un extenso campo de prisioneros y un campo de batalla de la Guerra Civil estadounidense; y para el clímax, se emplearon varios cientos de soldados españoles para construir un cementerio con varios miles de lápidas que se asemejaba a un antiguo circo romano. Para la escena en la que el puente salta por los aires, hubo que filmarla dos veces, ya que en la primera toma, las tres cámaras quedaron destruidas por la explosión. Eastwood recuerda: «Se preocupaban si hacías una historia sobre españoles y sobre España. Entonces te examinarían muy duramente, pero el hecho de que estés haciendo un western que se supone que se desarrolla en el suroeste de América o en México, les importa un bledo cuál sea tu historia o tu tema». El mejor director de fotografía italiano, Tonino Delli Colli, fue contratado para rodar la película y Leone le pidió que prestara más atención a la luz que en las dos películas anteriores; Ennio Morricone volvió a componer la partitura. Leone fue decisivo a la hora de pedir a Morricone que compusiera un tema para la escena final del enfrentamiento mexicano en el cementerio, pidiéndole que compusiera lo que parecía que «los cadáveres se reían desde el interior de sus tumbas», y pidió a Delli Colli que creara un efecto hipnótico de torbellino intercalado con dramáticos primeros planos extremos, para dar al público la impresión de un ballet visual. El rodaje concluyó en julio de 1966.
Eastwood no estaba inicialmente satisfecho con el guión, y le preocupaba que pudiera ser eclipsado por Wallach. «En la primera película, yo estaba solo», le dijo a Leone. «En la segunda, éramos dos. Aquí somos tres. Si la cosa sigue así, en la próxima protagonizaré la caballería americana». Mientras Eastwood se hacía el remolón al aceptar el papel (inflando sus ganancias hasta los 250.000 dólares, otro Ferrari y el 10% de los beneficios en Estados Unidos cuando se estrenara allí), volvía a encontrarse con las disputas de los publicistas entre Ruth Marsh, que le instaba a aceptar la tercera película de la trilogía, y la agencia William Morris e Irving Leonard, que no estaban contentos con la influencia de Marsh sobre el actor. Eastwood desterró a Marsh para que no tuviera más influencia en su carrera, y se vio obligado a despedirla como su gerente de negocios a través de una carta enviada por Frank Wells. Durante algún tiempo, la publicidad de Eastwood estuvo a cargo de Jerry Pam, de Gutman y Pam. A lo largo del rodaje, Eastwood se relacionaba regularmente con el actor Franco Nero, que por aquel entonces estaba rodando Texas, adiós.
Wallach y Eastwood volaban juntos a Madrid, y entre las escenas de rodaje, Eastwood se relajaba y practicaba su swing de golf. Wallach estuvo a punto de envenenarse durante el rodaje cuando bebió accidentalmente de una botella de ácido que un técnico de cine había puesto junto a su botella de refresco. Wallach lo mencionó en su autobiografía y se quejó de que, aunque Leone era un director brillante, era muy negligente a la hora de garantizar la seguridad de sus actores durante las escenas peligrosas. Por ejemplo, en una escena en la que iba a ser ahorcado después de que se disparara una pistola, se suponía que el caballo que estaba debajo de él debía salir disparado. Aunque la cuerda que rodeaba el cuello de Wallach estaba cortada, el caballo se asustó demasiado. Galopó durante una milla con Wallach todavía montado y con las manos atadas a la espalda. La tercera vez que la vida de Wallach se vio amenazada fue durante la escena en la que Mario Brega y él -que están encadenados- saltan de un tren en marcha. La parte del salto salió como estaba previsto, pero la vida de Wallach corrió peligro cuando su personaje intenta cortar la cadena que le ata al esbirro (ahora muerto). Tuco coloca el cuerpo en las vías del tren, esperando que el tren pase por encima de la cadena y la corte. Wallach, y presumiblemente todo el equipo de rodaje, no eran conscientes de los pesados escalones de hierro que sobresalían un pie de cada vagón. Si Wallach se hubiera levantado de su posición prona en el momento equivocado, uno de los peldaños que sobresalían podría haberle decapitado.
El puente de la película fue reconstruido dos veces por zapadores del ejército español después de haber sido preparado para la demolición con explosivos en cámara. La primera vez, un operador de cámara italiano señaló que estaba listo para disparar, lo que fue malinterpretado por un capitán del ejército como la palabra española de sonido similar que significa «empezar». Nadie resultó herido por este error. El ejército reconstruyó el puente mientras se filmaban otras tomas. Como el puente no era de atrezzo, sino una estructura bastante pesada y robusta, se necesitaron potentes explosivos para destruirlo. Leone dijo que esta escena se inspiró, en parte, en la película muda El general, de Buster Keaton.
Como se empleó un reparto internacional, los actores actuaron en sus idiomas nativos. Eastwood, Van Cleef y Wallach hablaban inglés, y fueron doblados al italiano para el estreno en Roma. Para la versión americana, se utilizaron las voces de los actores principales, pero los miembros del reparto fueron doblados al inglés. El resultado se nota en la mala sincronización de las voces con los movimientos de los labios en la pantalla; ninguno de los diálogos está completamente sincronizado porque Leone rara vez rodaba sus escenas con sonido sincronizado. Se han citado varias razones para ello: A Leone a menudo le gustaba poner música de Morricone sobre una escena y posiblemente gritar cosas a los actores para ponerlos en situación. Leone se preocupaba más por los efectos visuales que por los diálogos (su inglés era limitado, en el mejor de los casos). Dadas las limitaciones técnicas de la época, grabar el sonido de forma limpia habría sido difícil en la mayoría de las tomas extremadamente amplias que Leone utilizaba con frecuencia. Además, una práctica habitual en las películas italianas de la época era rodar en silencio y posdibujar. Sea cual sea la razón real, todos los diálogos de la película se grabaron en la postproducción.
Al final del rodaje, Eastwood ya estaba harto de los rasgos perfeccionistas del director Leone. Leone, a menudo a la fuerza, insistía en rodar las escenas desde muchos ángulos diferentes, prestando atención al más mínimo detalle, lo que a menudo agotaba a los actores. Leone, que era obeso, también era una fuente de diversión por sus excesos, y Eastwood encontró una forma de lidiar con el estrés de ser dirigido por él haciendo bromas sobre él y apodándolo «Yosemite Sam» por su mal carácter. Una vez terminada la película, Eastwood no volvió a trabajar con Leone, y más tarde rechazó el papel de Harmónica en Érase una vez en el Oeste (1968), para el que Leone había volado personalmente a Los Ángeles para entregarle el guión. El papel fue finalmente para Charles Bronson. Años más tarde, Leone se vengó de Eastwood durante el rodaje de Érase una vez en América cuando describió las habilidades actorales de Eastwood como un bloque de mármol o de cera e inferiores a las de Robert De Niro, diciendo: «Eastwood se mueve como un sonámbulo entre explosiones y ráfagas de balas, y siempre es lo mismo: un bloque de mármol. Bobby es ante todo un actor, Clint es ante todo una estrella. Bobby sufre, Clint bosteza». Más tarde, Eastwood regaló a un amigo el poncho que usó en las tres películas, donde fue colgado en un restaurante mexicano de Carmel, California.
CinematografíaEditar
En su representación de la violencia, Leone utilizó su característico estilo de filmación de planos largos y primeros planos, que realizó mezclando planos faciales extremos y planos largos de barrido. De este modo, Leone lograba escenificar secuencias épicas puntuadas por tomas extremas de los ojos y de la cara, o de las manos alcanzando lentamente un arma enfundada. Esto aumenta la tensión y el suspense, permitiendo al espectador saborear las interpretaciones y las reacciones de los personajes, creando una sensación de emoción, además de dar a Leone la libertad de filmar bellos paisajes. Leone también incorporó música para aumentar la tensión y la presión antes y durante los numerosos tiroteos de la película.
Al filmar los tiroteos cruciales, Leone elimina en gran medida los diálogos para centrarse más en las acciones de los personajes, lo que fue importante durante el icónico enfrentamiento mexicano de la película. Este estilo también se aprecia en uno de los protagonistas de la película, Blondie (El hombre sin nombre), que es descrito por los críticos como más definido por sus acciones que por sus palabras. Los tres personajes pueden ser vistos como antihéroes, que matan para su beneficio personal. Leone también empleó disparos estilísticos con truco, como el de Blondie disparando al sombrero de una persona y cortando el lazo de un verdugo con un disparo bien colocado, en muchos de sus icónicos tiroteos.
MusicEdit
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La partitura está compuesta por Ennio Morricone, frecuente colaborador de Leone. El bueno, el malo y el feo rompió las convenciones anteriores sobre la forma en que los dos habían colaborado previamente. En lugar de componer la película en la fase de postproducción, decidieron trabajar juntos en los temas antes de que comenzara el rodaje, para que la música ayudara a inspirar la película en lugar de que la película inspirara la música. Leone incluso puso la música en el plató y coordinó los movimientos de cámara para que coincidieran con la música. La voz de Edda Dell’Orso se puede escuchar en toda la composición «El éxtasis del oro». El inconfundible sonido del guitarrista Bruno Battisti D’Amorio se puede escuchar en las composiciones «The Sundown» y «Padre Ramirez». Los trompetistas Michele Lacerenza y Francesco Catania pueden escucharse en ‘The Trio’. La única canción con letra es «The Story of a Soldier», escrita por Tommie Connor. Las distintivas composiciones originales de Morricone, que contienen disparos, silbidos (de John O’Neill), y yodeling impregnan la película. El tema principal, que parece el aullido de un coyote (que se mezcla con un aullido real de coyote en la primera toma después de los créditos iniciales), es una melodía de dos tonos que es un motivo frecuente, y se utiliza para los tres personajes principales. Se utilizó un instrumento diferente para cada uno: flauta para Blondie, ocarina para Angel Eyes y voces humanas para Tuco. La partitura complementa la ambientación de la película en la Guerra Civil estadounidense, y contiene la lúgubre balada «The Story of a Soldier», que cantan los prisioneros mientras Tuco es torturado por Angel Eyes. El clímax de la película, un enfrentamiento a tres bandas en México, comienza con la melodía de «The Ecstasy of Gold» y le sigue «The Trio» (que contiene una alusión musical al trabajo anterior de Morricone en Por unos dólares más).
«The Ecstasy of Gold» es el título de una canción utilizada dentro de El bueno, el malo y el feo. Compuesta por Morricone, es una de sus obras más consolidadas dentro de la partitura de la película. La canción se ha utilizado durante mucho tiempo en la cultura popular. La canción cuenta con la voz de Edda Dell’Orso, una vocalista italiana. Además de la voz, la canción incluye instrumentos musicales como el piano, la batería y los clarinetes. La canción suena en la película cuando el personaje Tuco está buscando oro en éxtasis, de ahí el nombre de la canción, «El éxtasis del oro». Dentro de la cultura popular, la canción ha sido utilizada por artistas como Metallica, que ha utilizado la canción para abrir sus espectáculos en directo e incluso ha versionado la canción. Otros grupos, como los Ramones, han incluido la canción en sus álbumes y espectáculos en directo. La canción también ha sido sampleada dentro del género del Hip Hop, sobre todo por raperos como Immortal Technique y Jay-Z. The Ecstasy of Gold también ha sido utilizada ceremoniosamente por el Club de Fútbol de Los Ángeles para abrir los partidos en casa.
El tema principal, también titulado «The Good, the Bad and the Ugly», fue un éxito en 1968 con el álbum de la banda sonora en las listas de éxitos durante más de un año, alcanzando el número 4 en la lista de álbumes pop de Billboard y el número 10 en la lista de álbumes negros. El tema principal también fue un éxito para Hugo Montenegro, cuya interpretación fue un sencillo pop número 2 en el Billboard en 1968.
En la cultura popular, el grupo estadounidense de la nueva ola Wall of Voodoo interpretó un popurrí de temas de películas de Ennio Morricone, incluyendo el tema de esta película. La única grabación conocida es una interpretación en directo en The Index Masters. El grupo de punk rock Ramones tocó esta canción como apertura de su álbum en directo Loco Live, así como en conciertos hasta su disolución en 1996. La banda británica de heavy metal Motörhead tocó el tema principal como música de obertura en la gira de 1981 «No sleep ‘til Hammersmith». La banda estadounidense de heavy metal Metallica ha interpretado «The Ecstasy of Gold» como música de preludio en sus conciertos desde 1985 (excepto entre 1996 y 1998), y en 2007 grabó una versión del instrumental para un recopilatorio homenaje a Morricone. El programa de XM Satellite Radio The Opie & Anthony Show también abre cada programa con «The Ecstasy of Gold». La canción «Urban Struggle» de la banda estadounidense de punk rock The Vandals comienza con el tema principal. El grupo británico de electrónica Bomb the Bass utilizó el tema principal como una de las muestras de su single de 1988 «Beat Dis», y utilizó secciones del diálogo de Tuco’s hanging en «Throughout The Entire World», la canción que abre su álbum de 1991 Unknown Territory. Este diálogo, junto con parte del diálogo de la mula de Fistful of Dollars, también fue muestreado por Big Audio Dynamite en su sencillo de 1986 Medicine Show. El tema principal también fue sampleado/recreado por el grupo británico New Order para la versión del álbum de su single de 1993 «Ruined in a Day». Una canción del grupo Gorillaz se llama «Clint Eastwood», y contiene referencias al actor, junto con una muestra repetida del tema principal; el grito icónico que aparece en la partitura de El bueno, el malo y el feo se escucha al principio del vídeo musical.
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