Ir a los espectáculos en vivo puede ser increíble, pero es raro que una versión en vivo de una canción sea mejor que lo que un artista en particular haya grabado en una cinta. (La producción lleva semanas, cuesta fortunas y requiere productores por una razón). Sin embargo, cuando ocurre, cuando una canción en directo supera su versión original, puede ser algo mágico. A continuación, algunos de nuestros favoritos, desde clásicos ampliamente reconocidos hasta otros más especializados.
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1. Johnny Cash, «Folsom Prison Blues», de At Folsom Prison, de 1968
1. Johnny Cash, «Folsom Prison Blues», del disco At Folsom Prison de 1968
Aunque Johnny Cash grabó por primera vez «Folsom Prison Blues» (sobre la penitenciaría californiana que da título al tema) en 1955, no entró realmente en la cárcel hasta enero de 1968. Fue entonces cuando, como parte de su programa de divulgación en la cárcel, grabó no uno, sino dos espectáculos en directo: uno a las 9:40 de la mañana y otro a las 12:40 de la noche, por si acaso el primero no estaba a la altura. El álbum en directo resultante, At Folsom Prison, fue el vigésimo séptimo lanzamiento oficial de Cash y, aún hoy, es uno de sus mejores. Temas como «Jackson» y «25 Minutes To Go» son excelentes, pero el primer tema, «Folsom Prison Blues», es el más destacado del álbum. Acompañado por un montón de gritos de la cárcel y la estoica introducción de Cash «Hello, I’m Johnny Cash», el tema en directo es pura catarsis. Cash da todo lo que tiene en esta canción, un buen homenaje a su público, y los presos le devuelven esa energía, ya que han inspirado tanto la canción como las anteriores actuaciones de Cash en la cárcel. Es un poco inquietante escuchar vítores después de la línea sobre cómo Cash «disparó a un hombre en Reno sólo para verlo morir», pero si alguien podría entender el frío desafecto del sentimiento, es ese público.
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2. Elvis Presley, «Trouble», de Elvis 1968
2. Elvis Presley, «Trouble». Elvis Presley, «Trouble», de Elvis de 1968
El catálogo de canciones de Elvis es vasto, y por cada sencillo icónico como «Blue Suede Shoes», hay una docena de esfuerzos de estudio mayormente olvidados como «Trouble», una melodía de Lieber y Stoller de King Creole de 1958, que, tanto musical como líricamente, rinde homenaje a Bo Diddley y Muddy Waters. Pero la canción se inmortalizó una década más tarde cuando Elvis la utilizó para abrir Elvis, más conocido como el Comeback Special del 68. Comienza el especial gruñendo la letra inicial, «If you’re looking for trouble / You came to the right place» (Si estás buscando problemas, has venido al lugar correcto), con una versión cruda de la canción que se remonta a sus primeras grabaciones electrizantes. Era una audaz declaración de intenciones y un mensaje para sus fans: puede que los Beatles le hayan apartado del centro del escenario, pero al Rey aún le queda vida.
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3. Kiss, «Rock And Roll All Nite», del disco Alive!
3. Kiss, «Rock And Roll All Nite», del disco Alive! de 1975.
Aunque Kiss no es, musicalmente hablando, una muy buena banda, sus miembros son intérpretes por excelencia. Kiss aprovecha el espectáculo al máximo, entusiasmando al público como pocas bandas pueden hacerlo. Se puede sentir esa energía en la versión en vivo de «Rock And Roll All Nite». El tema se abre con un frenético estallido de vítores que no cesan a lo largo de la canción, y la banda se alimenta de esa energía. Es casi imposible no cantar con esta canción en el coche, ya que oyes a miles de fans cantando a pleno pulmón cada vez que la banda llega al estribillo.
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4. Ween, «Poop Ship Destroyer», de Paintin’ The Town Brown de 1999
4. Ween, «Poop Ship Destroyer,» de Paintin’ The Town Brown de 1999
Paintin’ The Town Brown fue el primer álbum oficial en vivo de Ween, aunque los fans ya tenían una ocupación ocupada en piratear los shows de Ween en cintas durante años. La colección capturó lo bueno, lo malo y lo feo, abarcando ocho años de la década formativa y más productiva de la banda. «Poop Ship Destroyer» apareció como último tema en Pure Guava, de 1992, el tercer álbum de la banda y su debut en un sello importante, Elektra. Poop Ship» de Guava es un final de poco más de dos minutos, un tanto olvidable, que pone fin al álbum de la banda. En Paintin’ The Town Brown, grabada en un concierto en Columbia, Missouri, en 1995, la canción se convierte en 26 minutos de pesado, fangoso y cargado de retroalimentación. Otras versiones épicas en directo de «Poop Ship» ayudaron a establecer la canción como el himno no oficial de la banda.
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5. Talking Heads, «Life During Wartime», de Stop Making Sense, de 1984
5. Talking Heads, «Life During Wartime», de Stop Making Sense de 1984
En diciembre de 1983, Talking Heads todavía estaban en lo alto del éxito de su quinto LP de estudio, Speaking In Tongues, que contenía el éxito del Top 10 «Burning Down The House». Para conmemorar la gira detrás del disco, el cuarteto recurrió al director Jonathan Demme, que acabó filmando a la banda durante una velada de tres noches en el Pantages Theater de Hollywood. Las imágenes, que finalmente se publicaron en la película y el álbum Stop Making Sense, produjeron varias versiones icónicas de canciones de Talking Heads, incluyendo una versión más funky y chillona de «Girlfriend Is Better» y una versión desnuda de «Psycho Killer». Sin embargo, quizá la canción más duradera de Stop Making Sense sea una versión amplificada de «Life During Wartime». Gracias a los músicos auxiliares que actúan con la banda -especialmente el mago de las teclas de Parliament-Funkadelic, Bernie Worrell, y el antiguo miembro de P-Funk, Lynn Mabry, en la voz-, la canción tiene un ritmo más rápido y unos surcos más ajustados, que aumentan la histeria de la canción. La interpretación vocal de David Byrne también es adecuadamente desquiciada; cuando canta la última ronda del estribillo, suena como un hombre desesperado que se aferra a la cordura ante el desastre. Es casi imposible escuchar «Life During Wartime» hoy en día y no imaginar los movimientos de trote en el lugar desatados en la película durante la canción, un testimonio no sólo de la condición física de Byrne, sino también del ritmo vivaz e implacable de la melodía.
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6. Paul McCartney, «Maybe I’m Amazed», de Wings Over America de 1976
6. Paul McCartney, «Maybe I’m Amazed», de Wings Over America de 1976
La canción que el propio McCartney cita como quizá la mejor de su carrera fue escrita y grabada durante los últimos días de The Beatles, y se incluyó en su autotitulado álbum de debut en solitario, una colección de modestas grabaciones caseras que los críticos de 1970 desestimaron en gran medida. Cuando McCartney lanzó una versión en directo de «Maybe I’m Amazed» como único single del triple LP en directo de 1976, Wings Over America, ya tenía una serie de éxitos posteriores a los Beatles, y la canción ya se consideraba un clásico atemporal. Maybe I’m Amazed» de Wings Over America tiene el mismo arreglo básico que la versión de McCartney -el mismo piano suelto, el mismo ardiente solo de guitarra, la misma batería intermitente- pero la interpretación vocal es aún más apasionada. Lo que empieza como una balada se convierte casi en un himno cuando llega a la mitad. Ese aumento constante de los suspiros a los gritos sigue siendo el modelo de cómo debe sonar la canción.
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7. U2, «Sunday Bloody Sunday», de Under A Blood Red Sky de 1983
7. U2, «Sunday Bloody Sunday», de Under A Blood Red Sky, de 1983
Una de las críticas a la MTV a principios de los 80 era que el canal convertía en estrellas de la noche a la mañana a jóvenes músicos que se limitaban a salir guapos en las cámaras, tuvieran o no talento interpretativo. Sin embargo, U2 se abrió paso en Estados Unidos con un vídeo que les mostraba en el escenario del impresionante anfiteatro Red Rocks de Colorado, despertando a un público empapado por la lluvia con una potente interpretación en directo de «Sunday Bloody Sunday», una canción sobre la violencia en Irlanda del Norte. Se trata de un clip fascinante, y más o menos al mismo tiempo que entraba en la rotación de la MTV en 1983, U2 lanzó el EP en directo Under A Blood Red Sky, que incluía otra canción igualmente enérgica, «Sunday Bloody Sunday», de la misma gira. Las emisoras de discos de rock empezaron a hacer girar la versión del EP, con la cautivadora introducción de Bono: «Se ha hablado mucho de la siguiente canción. Tal vez… tal vez demasiado. Esta canción no es una canción rebelde. Esta canción es Sunday… Bloody Sunday». Cuando Bono terminó de hablar y el batería Larry Mullen Jr. comenzó su ratonera de apertura, muchos oyentes de la radio estaban tan dispuestos a unirse al ejército de U2 como los que habían visto a Bono desfilar con una bandera en el vídeo.
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8. Lynyrd Skynyrd, «Free Bird», de One More From The Road de 1976
8. Lynyrd Skynyrd, «Free Bird», de One More From The Road de 1976
De vez en cuando los jóvenes asistentes a los conciertos preguntarán a algún veterano por qué la gente grita «¡Freeeeee Biiiiird!» entre canción y canción. Entonces escucharán la leyenda del doble álbum en vivo de Lynyrd Skynyrd de 1976, One More From The Road, y su versión de 13 minutos y medio de «Free Bird». El tema en directo comienza con Ronnie Van Zant preguntando al público del Fox Theatre de Atlanta: «¿Qué canción queréis escuchar?». Los fans gritan el título en masa, y entonces la banda -un año antes de que tres de sus miembros murieran en un accidente de avión- rugen a través de un «Free Bird» que amplía tanto la melancolía del blues como la oleada triunfal de la versión de estudio. Lynyrd Skynyrd tiene demasiadas canciones populares como para llamar a una de ellas su «firma», pero gracias a que la radio de rock clásico toca el «Free Bird» en vivo a perpetuidad, se ha convertido en la canción que el público pide por su nombre, a cualquiera en un escenario.
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9. They Might Be Giants, «Why Does The Sun Shine?» de Severe Tire Damage de 1998
9. They Might Be Giants, «Why Does The Sun Shine?» de 1998 Severe Tire Damage
They Might Be Giants han sido durante mucho tiempo «sólo» un acto de novedad para sus críticos, y uno de los mayores apoyos para ese argumento fue el EP de 1993 «Why Does The Sun Shine?». Consiste en un 75 por ciento de versiones, incluida una versión cursi del tema educativo que da título al disco, y es completamente inesencial. Pero el mejor argumento en contra de TMBG como pura novedad es lo que la banda hizo con la canción después, cambiando el tintineante, suave y adorable «Why Does The Sun Shine?» en una pieza central de su espectáculo en vivo. Recogida oficialmente en el álbum en directo de 1998 Severe Tire Damage, la canción es una prueba de la fuerza, la flexibilidad y los espectáculos en directo ridículamente divertidos de la banda.
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10. ¡The Beatles, «Twist And Shout», del disco Live! At The Star-Club In Hamburg, Germany
10. ¡The Beatles, «Twist And Shout», del disco Live! At The Star-Club In Hamburg, Germany
La versión de «Twist And Shout» en el primer álbum de estudio de The Beatles, Please Please Me, está bien. Es buena, de verdad. Pero no es el «Twist And Shout» que marcó una época y que ayudó a los Beatles a arrasar en América a principios de los 60. En el estudio, es una buena canción de rock ‘n’ roll. Pero en directo, es un camión desbocado que se precipita cuesta abajo, destruyendo todo a su paso, ya que la voz de John Lennon comienza con fuerza y, de alguna manera, sigue aumentando la intensidad a partir de ahí. Tal vez Lennon arruinó su voz en el proceso, pero eso sólo contribuye a la mitología de los Beatles como una maldita banda de rock y no sólo una pregunta en un examen de historia. La versión en vivo de la canción es un desastre a punto de ocurrir, un muro de palabras y guitarra y batería y armonía y simplemente un ruido asombroso.
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11. Fleetwood Mac, «Landslide», de The Dance, de 1997
11. Fleetwood Mac, «Landslide», de The Dance de 1997
Stevie Nicks escribió «Landslide» justo antes de que ella y su entonces pareja Lindsey Buckingham se unieran a Fleetwood Mac, la banda que los haría famosos. La canción apareció en el lanzamiento homónimo de la banda en 1975, con la dulce y esperanzadora entrega de Nicks de líneas como «El tiempo te hace más audaz / Los niños envejecen / Yo también estoy envejeciendo». Más de 20 años después, «Landslide» resurgió, ya que la banda publicó una versión en directo en The Dance, de 1997. El paso de unas décadas cambia completamente el significado de la canción. Ahora la perspectiva de Nicks es la de una mujer mayor que mira hacia atrás en su vida, lo que resulta aún más conmovedor por el hecho de que está acompañada a la guitarra acústica por su amor perdido, Buckingham. En el vídeo, Buckingham apenas contiene las lágrimas mientras ambos se reencuentran en el escenario. «Landslide» ha sido versionada por Smashing Pumpkins, Dixie Chicks e incluso por el reparto de Glee. Pero nada puede igualar la versión en vivo de Fleetwood Mac: Ella dice que la canción es para su padre, pero es imposible ignorar la montaña de emociones entre Nicks y Buckingham mientras revisan su pasado romántico en el escenario.
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12. Cheap Trick, «I Want You To Want Me», de At Budokan de 1979
12. Cheap Trick, «I Want You To Want Me», de At Budokan de 1979
La genialidad de At Budokan de Cheap Trick, el álbum en vivo de 1979 que puso a la banda en el mapa oficial del rock, prácticamente arruinó la versión no en vivo de cada una de sus canciones. Esta desigualdad se hace patente en «I Want You To Want Me». Hay una razón por la que la original apenas tiene difusión: Es demasiado tenue y metálica, y la letra simplista de Rick Nielsen se traduce como una canción cantada. Sin embargo, si pones la misma canción delante del público del Budokan, verás cómo cobra vida. Cuando Bun E. Carlos arranca con un riff de batería, toda la dulzura que atrapó a la canción en el estudio se desecha al instante. ¡Un grupo de adolescentes gritando responde al «Didn’t I didn’t I see you crying» de Zander con «¡Crying! Crying! Llorando!» Nielsen, evidentemente disfrutando, se lanza no a uno sino a dos divertidos solos. Justo cuando se alcanzan esas cotas, la banda deja de lado todo lo que no sea la voz y a Carlos, dejando que esos gritos vuelvan a tomar fuerza. Hay un montón de grandes canciones en In Color («Downed», «Southern Girls»), pero no hace falta escuchar esa versión de «I Want You To Want Me» cuando existe la del directo.
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13. Nick Cave And The Bad Seeds, «From Her To Eternity», del disco Live Seeds de 1993
13. Nick Cave And The Bad Seeds, «From Her To Eternity,» de Live Seeds de 1993
Aunque el lado más tierno de Nick Cave siempre está mejor servido en disco, todavía no hay estudio que pueda contener bestias como «From Her To Eternity». El lamento de frustración sexual de Cave sobre la chica de al lado suena igual de comedido en su álbum de 1984 del mismo nombre, hasta el punto de que las reediciones en CD incluyeron una versión en directo de 1987, añadiendo una interpretación que se siente un poco más primitiva donde la otra se limita a merodear. Pero la versión definitiva de los conciertos de los Bad Seeds se encuentra en el álbum Live Seeds de 1993, que capturó al grupo durante su época de Henry’s Dream, de pura agresión rockera. Desde el ominoso estruendo de la introducción de Cave «I wanna tell ya about a girrrrrl» hasta la forma en que gruñe como un loco rabioso a través del monólogo del acosador que ocupa el octavo central, Cave nunca ha sonado más desesperado, o peligroso. Mientras tanto, la banda le apoya con un estruendo sincopado de acordes que, por el tono de las cosas, bien podría haber sido tocado con un mazo. La única forma de superar esta versión sería que Cave la gritara desde debajo de las tablas del suelo.
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14. Nirvana, «About A Girl», del MTV Unplugged de 1993
14. Nirvana, «About A Girl», del MTV Unplugged de 1993
Aparte de un par de actuaciones de Pearl Jam y Queensrÿche, el estándar de oro del MTV Unplugged solía ser Eric Clapton, llorando suavemente su camino a través de «Tears In Heaven». Abrir esas puertas de enfoque suave a Nirvana -una banda cuyas apariciones en MTV estaban plagadas de guitarras rotas- resultó difícil de vender incluso para Kurt Cobain. Pero cualquier duda sobre si el grupo se traduciría se borró con los primeros acordes de «About A Girl», el primero de los muchos temas menos conocidos y versiones que Cobain decidió tocar esa noche, y el que más se benefició de su reelaboración acústica. Cobain había hablado durante mucho tiempo de que «About A Girl» era un «riesgo» cuando apareció por primera vez en Bleach, de 1989, y de que su jangle de R.E.M. se alejaba del rock machacón que lo rodeaba. Pero al ralentizarla y darle espacio para respirar, su interpretación en el Unplugged resultó ser una revelación -quizás para los padres que habían descartado a Nirvana como un montón de ruido, sólo para descubrir las dulces canciones al estilo de los Beatles que se escondían bajo el ruido. El posterior éxito de «About A Girl» como único single comercializado del especial le dio vida eterna en la radio, donde sigue siendo la única versión que se puede escuchar.
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15. Peter Frampton, «Show Me The Way», del disco Frampton Comes Alive de 1976
15. Peter Frampton, «Show Me The Way», de Frampton Comes Alive de 1976
Peter Frampton tenía sólo 26 años cuando dio el salto de guitarrista utilitario a lanzar el doble álbum Frampton Comes Alive, que sigue siendo el disco en directo más vendido de todos los tiempos. De los tres singles del álbum, «Show Me The Way» fue el más popular, llegando al número 6 de Billboard (superando a «Feel Like I Do» y «Baby, I Love Your Way»). Frampton declaró a The A.V. Club en 2001 que se dio cuenta de que su éxito se produjo al revés, y que el álbum en directo fue el que le llevó a la cúspide: «Casi nadie compraba mis discos de estudio, pero cuando los grababa en directo, se ponía por las nubes. Así que imagínate. Es porque disfruto mucho actuando en directo. Es una sensación maravillosa». La evidente alegría de Frampton sobre el escenario ayudó sin duda a transmitir Frampton Comes Alive, al igual que sus esfuerzos más vistosos, como la forma en que salta sobre el talk box de su guitarra (un artilugio conectado a través de una manguera bucal) cada vez que puede. Pero el secreto del atractivo masivo de Frampton era que era el rockero más romántico de los grandes escenarios. En «Show Me The Way», se encuentra en pleno modo de felicidad romántica – «Me pregunto si estoy soñando / Me siento tan desvergonzado / No puedo creer que esto me esté sucediendo»- frente a una multitud de miles de personas que gritan tan enamoradas como él.
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16. The National, «About Today», del EP Virginia de 2008
16. The National, «About Today», del EP Virginia de 2008
El EP Virginia de The National incluye varias versiones en directo de canciones que la banda interpretó en su gira Boxer, pero ninguna de las interpretaciones es tan emocionante como «About Today». El doble de larga que la versión grabada (originalmente del EP Cherry Tree de 2004), el enérgico y enigmático tema en directo deja obsoleto el original, más estable. El ritmo lento pero constante va in crescendo hasta el punto de que el público aplaude al ritmo de los instrumentos que chocan como un latido. Esta versión de «About Today» no sólo supera a su predecesora grabada, sino que también es un ejemplo perfecto de lo estelar que es The National en directo, muy lejos de la introspección muda que define su música grabada.
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17. Robyn Hitchcock, «1974», de Storefront Hitchcock de 1998
17. Robyn Hitchcock, «1974», de Storefront Hitchcock, de 1998
En 1998, el director Jonathan Demme decidió volver al género de las películas de conciertos, utilizando su destreza en el género -que había demostrado con Stop Making Sense de Talking Heads- para destacar a otro artista de culto que se había tambaleado en el precipicio del éxito mainstream: Robyn Hitchcock. Desgraciadamente, nunca hubo muchas posibilidades de que un cantante/compositor con la tendencia a la excentricidad lírica de Hitchcock empezara de repente a vender unidades de platino, pero Storefront Hitchcock proporcionó al menos a su protagonista la oportunidad de presentar al público unas cuantas canciones inéditas, sobre todo una oda al «país de las maravillas de los vaqueros funky» conocido como el año 1974. Una versión de estudio del tema apareció más tarde en A Star For Bram, una colección de tomas falsas del álbum de Hitchcock de 1999, Jewels For Sophia, pero no es comparable con la sorprendente conmoción que la cruda interpretación acústica aporta a las reflexiones de Hitchcock sobre «la última serie de Python» y «la última sesión de Syd Barrett».
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18. Morrissey, «Jack The Ripper», de un directo en París de 1992
18. Morrissey, «Jack The Ripper», de un directo en París de 1992
Pocos artistas musicales tienen bases de fans tan devotas como la de Morrissey. Pero cuando se trata de «Jack The Ripper», una oda al célebre asesino en serie del siglo XIX, incluso los seguidores más fieles del ex líder de los Smiths tienden a reconocer que la canción nunca llegó a cuajar en el estudio. No es que no lo haya intentado: La versión que aparece en la cara B del single «Certain People I Know» se grabó en octubre de 1992 con el productor Mick Ronson, pero Morrissey hizo un segundo intento fallido al mes siguiente en Nueva Orleans, con la producción de Allen Toussaint. Así que Morrissey ha optado por utilizar una versión en directo de «Jack The Ripper» de una actuación en diciembre de 1992 en París siempre que la canción ha aparecido en recopilaciones de rarezas. Aunque tiene un historial de preferir reescribir la historia cada vez que se presenta la oportunidad, esta es una vez en la que incluso los fans más acérrimos no se quejan.
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19. Bob Seger And The Silver Bullet Band, «Turn The Page», del disco ‘Live’ Bullet de 1976
19. Bob Seger And The Silver Bullet Band, «Turn The Page», de ‘Live’ Bullet de 1976
Tal y como se escuchó en Back In ’72 de Bob Seger, «Turn The Page» suena demasiado amanerada, demasiado ordenada para convertirse en el estándar del rock clásico para el cansancio de las giras. Pero gracias al doble LP ‘Live’ Bullet, la canción adquirió por fin la perspectiva adecuada para el cansancio. Tocando en el mismo lugar en el que nació parte de Kiss’ Alive (el Cobo Arena de Detroit), Seger y la Silver Bullet Band pusieron la suficiente extensión en «Turn The Page» como para sugerir un viaje interminable por la autopista, sus versos puntuados con humeantes rellenos instrumentales. Las contribuciones del saxofonista Alto Reed marcan la diferencia. En el estudio, la expresiva introducción de Reed se ve limitada y parece terminar antes de empezar. En ‘Live’ Bullet, sin embargo, tiene espacio para gemir, cada toma del riff distintivo de la canción es una película casera de comedores sórdidos, paisajes borrosos y otra luz de la calle que se pierde de vista.
20. Bob Marley, «No Woman, No Cry», del disco Live!
20. Bob Marley, «No Woman, No Cry», del disco Live! de 1975.
Mientras que la versión de «No Woman, No Cry» de Natty Dread de 1974 es casi cómicamente delgada y sintética, la toma en vivo de Bob Marley en 1975 es exuberante y personal. Probablemente por eso se ha convertido en la versión dominante de la canción, apareciendo tanto en el álbum Live! de 1975 como en la popularísima colección Legend. Acentuada con el parloteo del público, un órgano muy acertado, y algunas damas de apoyo cantando, la «No Woman» en vivo puede haberse convertido en un cliché stoner sobreactuado desde entonces, pero por una buena razón: es muy, muy buena. Escuchar con un par de oídos frescos puede hacer maravillas para esta vieja canción.
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