Pré-produçãoEditar
Após o sucesso de For a Few Dollars More, os executivos da United Artists abordaram o argumentista do filme, Luciano Vincenzoni, para assinar um contrato para os direitos do filme e para o filme seguinte. O produtor Alberto Grimaldi, Sergio Leone, e ele não tinha planos, mas com a sua bênção, Vincenzoni apresentou uma ideia sobre “um filme sobre três velhacos que procuram algum tesouro na altura da Guerra Civil Americana”. O estúdio concordou, mas queria saber o custo deste próximo filme. Ao mesmo tempo, Grimaldi estava a tentar intermediar o seu próprio acordo, mas a ideia de Vincenzoni era mais lucrativa. Os dois homens fizeram um acordo com a UA por um orçamento de um milhão de dólares, com o estúdio a avançar 500.000 dólares adiantados e 50% das receitas de bilheteira fora de Itália. O orçamento total acabou por ser de $1,2 milhões.
Leone construído sobre o conceito original do argumentista para “mostrar o absurdo da guerra … a Guerra Civil, que as personagens encontram”. No meu quadro de referência, é inútil, estúpido: não envolve uma ‘boa causa'”. Um ávido fã da história, Leone disse: “Eu tinha lido algures que 120.000 pessoas morreram em campos do Sul, como Andersonville. Não ignorava o facto de que havia campos no Norte. Ouvimos sempre falar do comportamento vergonhoso dos perdedores, nunca dos vencedores”. O Campo de Batterville onde Blondie e Tuco estão presos foi baseado em gravuras de aço de Andersonville. Muitas fotografias do filme foram influenciadas por fotografias de arquivo tiradas por Mathew Brady e Alexander Gardner. Como o filme teve lugar durante a Guerra Civil, serviu de prequela para os outros dois filmes da trilogia, que teve lugar após a guerra.
Enquanto Leone desenvolveu a ideia de Vincenzoni num guião, o argumentista recomendou à equipa de escrita de comédia de Agenore Incrucci e Furio Scarpelli que trabalhasse nele com Leone e Sergio Donati. De acordo com Leone, “Eu não podia usar uma única coisa que eles tivessem escrito”. Foi o engano mais grosseiro da minha vida”. Donati concordou, dizendo: “Não havia quase nada deles no guião final. Eles só escreveram a primeira parte. Apenas uma linha”. Vincenzoni afirma ter escrito o guião em 11 dias, mas logo abandonou o projecto depois da sua relação com Leone ter ficado sem palavras. As três personagens principais contêm todas elementos autobiográficos de Leone. Numa entrevista ele disse, “não tem espírito, é um profissional no sentido mais banal do termo”. Como um robô. Este não é o caso dos outros dois. No lado metódico e cuidadoso do meu personagem, eu estaria mais próximo do Biondo (Lourinho), mas a minha mais profunda simpatia vai sempre para o lado do Tuco … Ele pode tocar com toda essa ternura e toda essa humanidade ferida”. O realizador Alex Cox sugere que o ouro enterrado no cemitério caçado pelos protagonistas pode ter sido inspirado por rumores em torno dos terroristas anticomunistas Gladio, que esconderam muitas das suas 138 caches de armas em cemitérios.
Eastwood recebeu um salário baseado numa percentagem, ao contrário dos dois primeiros filmes, dos quais recebeu uma taxa directa. Quando Lee Van Cleef foi novamente elenco para outro filme sobre os Dólares, brincou, “a única razão porque me trouxeram de volta foi porque se esqueceram de me matar em For a Few Dollars More”.
O título de trabalho do filme era I due magnifici straccioni (Os Dois Magníficos Vagabundos). Foi alterado pouco antes do início das filmagens quando Vincenzoni pensou em Il buono, il brutto, il cattivo (O Bom, o Feio, o Mau), que Leone adorava. Nos Estados Unidos, os Artistas Unidos consideraram utilizar a tradução original italiana, Rio dos Dólares, ou O Homem Sem Nome, mas decidiram “O Bom, o Mau e o Feio”.
ProductionEdit
Filmagem começou novamente no estúdio Cinecittà em Roma em meados de…Maio de 1966, incluindo a cena de abertura entre Eastwood e Wallach quando Blondie captura Tuco pela primeira vez e o envia para a prisão. A produção passou então para a região do planalto espanhol perto de Burgos, no norte, que duplicou para o sudoeste dos Estados Unidos, e filmou novamente as cenas ocidentais em Almería, no sul de Espanha. Desta vez, a produção exigiu cenários mais elaborados, incluindo uma cidade sob fogo de canhão, um extenso campo de prisioneiros, e um campo de batalha da Guerra Civil americana; e para o clímax, várias centenas de soldados espanhóis foram empregados para construir um cemitério com vários milhares de lápides que se assemelhavam a um antigo circo romano. Para a cena em que a ponte foi explodida, teve de ser filmada duas vezes, como na primeira tomada, as três câmaras foram destruídas pela explosão. Eastwood lembra-se: “Eles iriam importar-se se estivesse a fazer uma história sobre espanhóis e sobre Espanha. Depois, eles iriam escrutiná-lo de forma muito dura, mas o facto de estar a fazer um Western que supostamente deveria ser colocado no Sudoeste da América ou no México, não lhes podia importar menos qual é a sua história ou assunto”. O melhor cineasta italiano Tonino Delli Colli foi trazido para filmar o filme e foi levado por Leone a prestar mais atenção à luz do que nos dois filmes anteriores; Ennio Morricone compôs a partitura mais uma vez. Leone foi fundamental ao pedir a Morricone para compor uma faixa para a cena final mexicana no cemitério, pedindo-lhe que compusesse o que parecia “os cadáveres estavam a rir de dentro dos seus túmulos”, e pediu a Delli Colli para criar um efeito de rodopio hipnótico intercalado com grandes planos dramáticos, para dar ao público a impressão de um ballet visual. As filmagens terminaram em Julho de 1966.
Eastwood não ficou inicialmente satisfeita com o guião, e estava preocupada com a possibilidade de ser surpreendida por Wallach. “No primeiro filme, eu estava sozinho”, disse a Leone. “No segundo, éramos dois. Aqui somos três. Se continuar assim, no próximo estarei a estrelar com a cavalaria americana”. Como Eastwood teve dificuldade em aceitar o papel (inflacionando os seus ganhos até 250.000 dólares, outra Ferrari e 10% dos lucros nos Estados Unidos quando acabou por ser lançado lá), deparou-se novamente com disputas publicistas entre Ruth Marsh, que o incitou a aceitar o terceiro filme da trilogia, e a William Morris Agency e Irving Leonard, que estavam descontentes com a influência de Marsh sobre o actor. Eastwood baniu Marsh de ter qualquer outra influência na sua carreira, e foi forçado a despedi-la como seu gerente de negócios através de uma carta enviada por Frank Wells. Durante algum tempo depois, a publicidade de Eastwood foi tratada por Jerry Pam de Gutman e Pam. Durante as filmagens, Eastwood socializava regularmente com o actor Franco Nero, que estava a filmar Texas, Adios na altura.
Wallach e Eastwood voavam juntos para Madrid, e entre as cenas de filmagem, Eastwood relaxava e praticava o seu swing de golfe. Wallach foi quase envenenado durante as filmagens quando bebeu acidentalmente de uma garrafa de ácido que um técnico de cinema tinha colocado ao lado da sua garrafa de refrigerante. Wallach mencionou isto na sua autobiografia e queixou-se que embora Leone fosse um realizador brilhante, era muito permissivo quanto a garantir a segurança dos seus actores durante as cenas perigosas. Por exemplo, numa cena, em que ele seria enforcado depois de uma pistola ter sido disparada, o cavalo por baixo dele deveria fugir. Enquanto a corda à volta do pescoço de Wallach era cortada, o cavalo assustava-se um pouco demasiado bem. Galopou durante cerca de uma milha com Wallach ainda montado e as suas mãos atadas atrás das costas. A terceira vez que a vida de Wallach foi ameaçada foi durante a cena em que Mario Brega e ele – que estão acorrentados juntos – saltaram de um comboio em movimento. A parte do salto correu como planeado, mas a vida de Wallach ficou em perigo quando o seu personagem tentou cortar a corrente que o ligava ao capanga (agora morto). Tuco coloca o corpo na via férrea, à espera que o comboio role sobre a corrente e a corte. Wallach, e presumivelmente toda a tripulação do filme, não se aperceberam dos pesados degraus de ferro que saltavam um pé de cada vagão de caixa. Se Wallach se tivesse levantado da sua posição propensa na altura errada, um dos degraus de corte poderia tê-lo decapitado.
A ponte do filme foi reconstruída duas vezes por sapadores do exército espanhol depois de ter sido equipada para demolição explosiva na câmara. A primeira vez, um operador de câmara italiano sinalizou que estava pronto para filmar, o que foi mal interpretado por um capitão do exército como a palavra espanhola de som semelhante que significa “início”. Ninguém foi ferido no erro de tempo errado. O exército reconstruiu a ponte enquanto outros disparos eram filmados. Como a ponte não era um adereço, mas uma estrutura bastante pesada e robusta, foram necessários explosivos poderosos para a destruir. Leone disse que esta cena foi, em parte, inspirada pelo filme mudo de Buster Keaton, The General.
Como foi utilizado um elenco internacional, actores actuaram nas suas línguas nativas. Eastwood, Van Cleef e Wallach falavam inglês, e foram dublados em italiano para o lançamento de estreia em Roma. Para a versão americana, foram utilizadas as vozes de actores principais, mas os membros do elenco de apoio foram dublados para o inglês. O resultado é notável na má sincronização das vozes com os movimentos labiais no ecrã; nenhum dos diálogos está completamente sincronizado porque Leone raramente filmava as suas cenas com som sincronizado. Várias razões têm sido citadas para tal: Leone gostava frequentemente de tocar a música de Morricone sobre uma cena e possivelmente de gritar coisas aos actores para os pôr de bom humor. Leone preocupava-se mais com o visual do que com o diálogo (o seu inglês era limitado, na melhor das hipóteses). Dadas as limitações técnicas do tempo, a gravação do som de forma limpa teria sido difícil na maioria dos tiros extremamente largos que Leone usava frequentemente. Além disso, uma prática padrão nos filmes italianos nesta altura era filmar silenciosamente e após a sessão. Qualquer que fosse a verdadeira razão, todo o diálogo no filme era gravado em pós-produção.
No final das filmagens, Eastwood tinha finalmente tido o suficiente dos traços perfeccionistas de Leone na realização. Leone, muitas vezes com força, insistiu em filmar cenas de muitos ângulos diferentes, prestando atenção ao mais ínfimo dos detalhes, o que muitas vezes esgotou os actores. Leone, que era obeso, era também uma fonte de diversão para os seus excessos, e Eastwood encontrou uma forma de lidar com o stress de ser dirigido por ele, fazendo piadas sobre ele e apelidando-o de “Yosemite Sam” pelo seu mau temperamento. Após a conclusão do filme, Eastwood nunca mais trabalhou com Leone, recusando mais tarde o papel de Harmonica em Once Upon a Time in the West (1968), para o qual Leone tinha voado pessoalmente para Los Angeles para lhe dar o guião. O papel acabou por ir para Charles Bronson. Anos mais tarde, Leone vingou-se de Eastwood durante as filmagens de Once Upon a Time in America, quando descreveu as capacidades de Eastwood como sendo um actor como um bloco de mármore ou cera e inferior às capacidades de representação de Robert De Niro, dizendo: “Eastwood move-se como um sonâmbulo entre explosões e granizo de balas, e ele é sempre o mesmo bloco de mármore. Bobby em primeiro lugar é um actor, Clint em primeiro lugar é uma estrela. Bobby sofre, Clint boceja”. Eastwood deu mais tarde a um amigo o poncho que usou nos três filmes, onde foi pendurado num restaurante mexicano em Carmel, Califórnia.
CinematografiaEdit
Na sua representação da violência, Leone usou o seu estilo de filmagens de longa duração e de grande plano, o que ele fez misturando imagens faciais extremas e filmagens de longa duração. Ao fazer isso, Leone conseguiu encenar sequências épicas pontuadas por olhos extremos e tiros no rosto, ou mãos que lentamente alcançavam uma arma de coldre. Isto aumenta a tensão e o suspense, permitindo aos espectadores saborear as actuações e reacções dos personagens, criando uma sensação de excitação, bem como dando a Leone a liberdade de filmar belas paisagens. Leone também incorporou música para aumentar a tensão e a pressão antes e durante os muitos tiroteios do filme.
Ao filmar os tiroteios centrais, Leone remove em grande parte o diálogo para se concentrar mais nas acções dos personagens, o que foi importante durante o impasse mexicano icónico do filme. Este estilo também pode ser visto num dos protagonistas do filme, Blondie (O Homem sem Nome), que é descrito pelos críticos como mais definido pelos seus actos do que pelas suas palavras. As três personagens podem ser vistas como anti-heróis, matando para seu ganho pessoal. Leone também empregou truques estilísticos de tiro ao alvo, tais como Lourenço a tirar o chapéu da cabeça de uma pessoa e a cortar o laço de um carrasco com um tiro bem posicionado, em muitos dos seus tiroteios icónicos.
MusicEdit
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A partitura é composta pelo frequente colaborador de Leone Ennio Morricone. O Bom, o Mau e o Feio quebraram convenções anteriores sobre como os dois tinham colaborado anteriormente. Em vez de pontuarem o filme na fase de pós-produção, decidiram trabalhar os temas em conjunto antes de começarem as filmagens, isto foi para que a música ajudasse a inspirar o filme em vez de o filme inspirar a música. Leone até tocou a música no cenário e coordenou os movimentos da câmara para combinar com a música. As vozes distintas de Edda Dell’Orso podem ser ouvidas permeando toda a composição “O êxtase de Ouro”. O som distinto do guitarrista Bruno Battisti D’Amorio pode ser ouvido nas composições “The Sundown” e “Padre Ramirez”. Os trompetista Michele Lacerenza e Francesco Catania podem ser ouvidos no ‘The Trio’. A única canção com letra é ‘The Story of a Soldier’; a letra foi escrita por Tommie Connor. As composições originais distintas de Morricone, contendo tiros, assobios (de John O’Neill), e yodeling permeiam o filme. O tema principal, parecido com o uivo de um coiote (que se mistura com um uivo de coiote real no primeiro tiro após os créditos de abertura), é uma melodia de dois passos que é um motivo frequente, e é utilizada para os três personagens principais. Foi utilizado um instrumento diferente para cada uma: flauta para Blondie, ocarina para Angel Eyes, e vozes humanas para Tuco. A partitura complementa o cenário da Guerra Civil Americana do filme, contendo a balada de luto, “A História de um Soldado”, que é cantada por prisioneiros enquanto Tuco é torturado por Olhos de Anjo. O clímax do filme, um impasse mexicano a três, começa com a melodia de “The Ecstasy of Gold” e é seguido por “The Trio” (que contém uma alusão musical ao trabalho anterior de Morricone em For a Few Dollars More).
“The Ecstasy of Gold” é o título de uma canção usada dentro de The Good, The Bad and the Ugly. Composta por Morricone, é uma das suas obras mais estabelecidas dentro da partitura do filme. A canção tem sido utilizada há muito tempo na cultura popular. A canção apresenta os vocais de Edda Dell’Orso, uma vocalista feminina italiana. Ao lado dos vocais, a canção apresenta instrumentos musicais como o piano, a bateria e os clarinetes. A canção é tocada no filme quando a personagem Tuco está extasiada em busca de ouro, daí o nome da canção, “The Ecstasy of Gold”. Dentro da cultura popular, a canção tem sido utilizada por artistas como os Metallica, que a utilizaram para abrir os seus espectáculos ao vivo e até cobriram a canção. Outras bandas, tais como os Ramones, têm apresentado a canção nos seus álbuns e espectáculos ao vivo. A canção também foi sampleada dentro do género Hip Hop, sobretudo por rappers tais como Immortal Technique e Jay-Z. O Ecstasy of Gold também tem sido utilizado cerimoniosamente pelo Los Angeles Football Club para abrir jogos em casa.
O tema principal, também intitulado “The Good, the Bad and the Ugly”, foi um sucesso em 1968, com o álbum de banda sonora nas paradas durante mais de um ano, atingindo o Nº 4 na tabela de álbuns pop Billboard e o Nº 10 na tabela de álbuns negros. O tema principal foi também um sucesso para Hugo Montenegro, cuja interpretação foi um single pop Billboard nº 2 em 1968.
Na cultura popular, o grupo americano New wave Wall of Voodoo interpretou um medley dos temas do filme de Ennio Morricone, incluindo o tema para este filme. A única gravação conhecida do mesmo é uma performance ao vivo no Index Masters. A banda de punk rock Ramones tocou esta canção como abertura do seu álbum ao vivo Loco Live, bem como em concertos até à sua dissolução em 1996. A banda britânica de heavy metal Motörhead tocou o tema principal como música de abertura na digressão “No sleep ‘til Hammersmith” de 1981. A banda americana de heavy metal Metallica tem executado “The Ecstasy of Gold” como música prelúdio nos seus concertos desde 1985 (excepto 1996-1998), e em 2007 gravou uma versão do instrumental para uma compilação de tributo ao Morricone. XM Satellite Radio’s The Opie & Anthony Show também abre todos os programas com “The Ecstasy of Gold”. A banda americana de punk rock The Vandals’ song “Urban Struggle” começa com o tema principal. A banda britânica de electrónica Bomb the Bass usou o tema principal como um dos vários samples do seu single de 1988 “Beat Dis”, e usou secções de diálogo do Tuco penduradas em “Throughout The Entire World”, a faixa de abertura do seu álbum de 1991 “Unknown Territory”. Este diálogo, juntamente com alguns dos diálogos de “Fistful of Dollars”, foi também experimentado por Big Audio Dynamite no seu single de 1986 “Medicine Show”. O tema principal foi também experimentado/criado pela banda britânica New Order para a versão do álbum do seu single de 1993 “Ruined in a Day”. Uma canção da banda Gorillaz chama-se “Clint Eastwood”, e contém referências ao actor, juntamente com uma amostra repetida do tema da canção; o grito icónico apresentado em The Good, the Bad and the Ugly’s score é ouvido no início do vídeo musical.
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