O Altar de Merode, de Robert Campin, é um tríptico da Anunciação cheio de significado simbólico, que se destinava a conduzir os fiéis à contemplação profunda dos mistérios de Cristo, que deixou o céu para se tornar um homem. Neste post, vamos explorar a história e o contexto da obra. Se desejar ler mais sobre a iconografia e significados escondidos na obra, pode consultar este post aqui.
Os Três Nomes do Artista de Merode Altarpiece
Robert Campin (c. 1375-1444), também era conhecido como o Mestre de Flemalle. Um dos primeiros grandes mestres da escola flamenga e do início da Holanda, as suas obras exemplificam as características da Renascença do Norte.
Robert Campin foi um pintor bem conhecido, e bem documentado, durante a sua vida. Apesar disso, foi apenas recentemente, que recebeu o reconhecimento dos Historiadores de Arte. Parte disto deveu-se ao facto de Campin ser rotineiramente referido como o Mestre de Flemalle. Antes da confirmação da identidade de Robert Campin, esta obra foi listada como pintada por “O Mestre do Altar de Merode”. Havia confusão sobre o Mestre de Flemalle, Mestre do Altar de Merode, e Robert Campin sendo a mesma pessoa.
É fácil tomar como certo que a etiqueta de uma obra é uma certeza. A realidade é que, muitas vezes, as atribuições são as melhores suposições, e à medida que mais informação é descoberta têm de ser feitas alterações. Neste caso, foram encontradas três pinturas semelhantes que eram da autoria de Campin. Estas descobertas permitiram que a obra Merode Altarpiece fosse acrescentada ao corpo da obra atribuída a Robert Campin.
Devido a esta confusão, no passado, muitas das suas obras foram atribuídas a outros artistas. Algumas ainda são contestadas. Campin não assinava rotineiramente as suas pinturas, e quando o fazia, era frequentemente na moldura. As molduras nem sempre sobrevivem, pelo que sem uma assinatura os peritos devem recorrer ao trabalho de detective e fazer um melhor palpite. À medida que mais informação vem à luz, novas avaliações são feitas.
The Mérode Altarpiece, também chamado The Annunciation Triptych, óleo sobre painel de madeira, de Robert Campin, c. 1425; no Cloisters, New York City.
The Merode Altarpiece
The Merode Altarpiece, pintado em 1425, é uma pequena obra portátil destinada a devoções pessoais. A obra é um tríptico, ou seja, tem três painéis que são articulados de forma a que as pinturas laterais possam ser dobradas. Quando a peça de Altar Merode é exposta desdobrada, a obra tem 2 pés de altura e 4 pés de largura. Este tamanho significava que a obra podia ser facilmente transportada e exposta numa casa.
O painel central foi pintado primeiro, provavelmente sem uma comissão. O artista escolhia um tema popular, pintava-o, e depois, uma vez adquirido, os painéis laterais eram adicionados. Os painéis laterais conteriam quaisquer detalhes que o novo proprietário desejasse que fossem adicionados. Neste caso, o doador queria pintar-se a si próprio na ala esquerda. Era comum que a pessoa que comprava uma obra se mandasse pintar a si própria. Os painéis laterais são articulados para que a peça possa ser dobrada.
A obra é actualmente mantida por The Cloisters, parte do Metropolitan Museum em Nova Iorque.
Votive Portraits
Neste retábulo, o doador e a sua esposa são pintados no painel esquerdo. Isto segue uma longa tradição de pintar a pessoa que paga por uma obra dentro do quadro, numa atitude de culto. Durante a Idade Média e a Renascença estes retratos, por vezes chamados retratos votivos, estavam frequentemente em painéis laterais como se as figuras estivessem presentes, vendo as histórias sagradas desdobrarem-se.
A palavra votivo significa consagrado ou realizado por devoção. Se uma pessoa comprasse um retábulo para um edifício público, o seu generoso presente garantiria que teria orações pelas suas almas perpetuamente. Por vezes os doadores eram grupos de pessoas, talvez uma guilda ou confraria.
Os doadores eram frequentemente pintados muito mais pequenos do que as figuras bíblicas, e ajoelhavam-se. Na maioria das vezes as figuras bíblicas parecem desconhecer a presença do doador ajoelhado, mas um santo patrono poderia estar com o doador, talvez com uma mão no ombro.
Em obras renascentistas posteriores os artistas começaram a trabalhar os doadores nas próprias pinturas, fazendo deles um rosto na multidão, um soldado, etc.
Pintura a óleo
Tinta de têmpera, usada durante a Renascença italiana, é opaca e rápida a secar. A têmpera era feita misturando pigmentos com água, depois gemas de ovo e, geralmente, um outro ingrediente aglutinante. Sem um elemento adicional de “cola”, a têmpera rachava e até se desfazia. Os artistas cobriam frequentemente um trabalho com um verniz para lhe dar algum do brilho e cor profunda que as tintas a óleo conseguiam, mas os vernizes escureciam com o tempo e não conseguiam criar as propriedades reflectoras da luz do óleo. Tempera era o meio utilizado em pinturas a fresco, ou pinturas em paredes de gesso típicas de igrejas e palácios italianos.
Por contraste, a peça de Altar Merode é uma pintura a óleo sobre um painel de madeira. Os painéis de madeira, embora não fosse inédito em Itália, eram muito mais comuns nas zonas do Norte da Europa. Os painéis eram mais adequados para o meio do petróleo e Campin e os seus contemporâneos empurraram os limites do que se podia conseguir com óleos.
A pintura a óleo estava a ser aperfeiçoada no Norte, onde as suas qualidades luminosas, e a capacidade de pintar com mais clareza e detalhe eram valorizadas. O pigmento é suspenso num óleo, tipicamente linhaça. Isto permite uma maior carga de pigmento e cores mais profundas. O óleo também permite uma grande variação de cores, o que significava que os artistas podiam pintar com maior precisão. O óleo é translúcido, a luz poderia passar através dele. Quando aplicado em camadas, os artistas poderiam criar uma grande quantidade de profundidade e sombra criando efeitos semelhantes a jóias de cores profundas. Podiam construir lentamente camadas, resolvendo um pouco do mistério por trás dessas finas camadas filmadas por vezes vistas. O óleo secava lentamente e isto permitia aos artistas mais liberdade para corrigir e mudar à medida que trabalhavam.
Estas camadas de tinta a óleo davam aos objectos uma profundidade e beleza que era surpreendente para um mundo habituado à aparência plana da tinta de têmpera.
Northern Light and Color
A pintura do Norte é especialmente notada pela sua utilização de luz e cor, o que foi em grande parte possível pela adopção de óleos. Sinto-me atraído pelo trabalho destes artistas do Norte porque prefiro as cores claras e intensas e a luz nítida. Uma vez familiarizados com vários pintores do Norte, eles são fáceis de identificar. Há uma sensação distinta que é difícil de definir com palavras.
Como examinamos mais de perto o trabalho de Campin, notamos as cores e o jogo de luz. É deslumbrante. Claro que, nas reproduções, perde-se o jogo da luz através dos óleos. Os detalhes requintados são difíceis de apreciar. No entanto, mesmo uma reprodução dá-nos uma pista da profundidade de cor alcançada. Quando visto pessoalmente, obras como esta, tira o fôlego. Espero que tenha a oportunidade de ver alguns em pessoa.
Características da Pintura do Norte Exibidas no Altar de Merode
Além da pintura propriamente dita, há algumas outras características da pintura do Norte a ter em mente. A Renascença do Norte desenvolveu-se de forma independente, de formas diferentes da Renascença em Itália. Em Itália, a combinação de religião, humanismo e classicismo foi fundamental. Isto significava detalhes arquitectónicos antigos e uma ênfase na perspectiva linear (discutida aqui) e aérea (discutida aqui), foram enfatizados. Na arte clássica, os artistas tentaram “enganar o olho” para enganar o espectador de que estavam a olhar para a coisa real. Também valorizaram figuras míticas e bíblicas, não eventos ou pessoas do quotidiano.
Na arte do Norte, faltam elementos clássicos. A religião e o humanismo são evidentes, mas sem os elementos clássicos. Os artistas do Norte abordaram os temas das suas pinturas de forma diferente. Havia um interesse e uma elevação da vida quotidiana, e não apenas os momentos heróicos da história ou do mito. Enquanto a pintura da nobreza era certamente feita, havia também pinturas de pessoas comuns a viverem os seus dias. Isto criou toda uma nova categoria de trabalho, a pintura do género.
Muita da inspiração para o Renascimento do Norte veio dos Manuscritos Iluminados. Como vimos anteriormente, estas obras espantosas tinham conseguido um grande realismo e uma atenção obsessiva aos detalhes. Os artistas do Norte não se limitaram a pintar detalhes, eles tornaram-nos intrincados, afiados e claros. Muitas vezes os detalhes estavam imbuídos de significados. Mais tarde na nossa discussão desta peça veremos que mesmo as pequenas esculturas na bancada tinham significado e acrescentavam à história a ser contada.
De facto, o Norte valorizava um certo elemento secreto para o significado dos detalhes. Alguns símbolos como o pão e o vinho para a Eucaristia eram universalmente compreendidos, mas outros exigiam reflexão e trabalho de detective para se trabalhar em conjunto. Este exercício intelectual destinava-se a alargar o valor contemplativo de uma obra. Havia sempre mais do que aquilo que se vê, mais para descobrir quanto mais tempo se considera um quadro.
Os significados ocultos dentro desta obra são tão extensos que dediquei outro post à sua discussão, que se pode encontrar aqui. Se quiser ver vídeos de história de arte que eu fiz, pode consultar o meu canal no youtube aqui.
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Fontes
E.H. Gombrich, The Story of Art. (Nova Iorque, Phaidon Press, 2016)
Hugh Honour e John Fleming, The Visual Arts: A History (Laurence King Pulishing Ltd.., Londres, Inglaterra 2018)
Professora Sharon Latchaw Hirsh, How to Look at and Understand Great Art, Lecture series, Great Courses
p>Professor William Koss, History of European Art Lecture series, Great Coursesp> Irmã Wendy Beckett, The Story of Painting (Londres, Dorsey Kindersley, 2000)p>Marilyn Stokstad, Art History. (New Jersey, Pearson Education, 2005)
Sitio web da Galeria Nacional de Arte www.nga.gov
Sitio web do Museu de Arte Metropolitan www.metmuseum.org
O Centro Getty www.getty.edu
https://www.metmuseum.org/toah/works-of-art/56.70/
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E graças ao Met e Wiki commons imagens de qualidade para a arte do domínio público é agora muito mais facilmente acessível.
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