Educação e início de carreiraEditar
O’Keeffe estudou e classificou-se no topo da sua classe na School of the Art Institute of Chicago de 1905 a 1906, estudando com John Vanderpoel. Devido à febre tifóide, teve de tirar um ano de férias dos seus estudos. Em 1907, frequentou a Art Students League em Nova Iorque, onde estudou com William Merritt Chase, Kenyon Cox e F. Luis Mora. Em 1908, ganhou o prémio de natureza morta William Merritt Chase, da Liga, pela sua pintura a óleo Coelho Morto com Pote de Cobre. O seu prémio foi uma bolsa de estudo para frequentar a escola de Verão ao ar livre da Liga, em Lake George, Nova Iorque. Enquanto estava na cidade, O’Keeffe visitou galerias, tais como a 291, co-propriedade do seu futuro marido, o fotógrafo Alfred Stieglitz. A galeria promoveu o trabalho de artistas de vanguarda dos Estados Unidos e Europa e fotógrafos.
Em 1908, O’Keeffe descobriu que não seria capaz de financiar os seus estudos. O seu pai tinha ido à falência e a sua mãe estava gravemente doente com tuberculose. Ela também não estava interessada em criar uma carreira como pintora baseada na tradição mimética que tinha formado a base da sua formação artística. Aceitou um emprego em Chicago como artista comercial e trabalhou lá até 1910, quando regressou à Virgínia para recuperar de um caso de sarampo e mais tarde mudou-se com a sua família para Charlottesville. Não pintou durante quatro anos, e disse que o cheiro a terebintina a fazia adoecer. Ela começou a ensinar arte em 1911. Uma das suas posições foi a sua antiga escola, Instituto Episcopal Chatham na Virgínia.
Ela teve uma aula de arte de Verão em 1912 na Universidade da Virgínia de Alon Bement, que era membro do corpo docente do Columbia University Teachers College. Sob Bement, ela tomou conhecimento de ideias inovadoras de Arthur Wesley Dow, um colega do seu instrutor. A abordagem da Dow foi influenciada pelos princípios da arte japonesa no que diz respeito ao design e composição. Começou a experimentar composições abstractas e a desenvolver um estilo pessoal que se desviou do realismo. De 1912 a 1914, ensinou arte nas escolas públicas de Amarillo, no Texas Panhandle, e foi assistente de ensino na Bement durante os Verões. Teve aulas na Universidade da Virgínia durante mais dois verões. Também teve uma aula na Primavera de 1914 no Teachers College of Columbia University com a Dow, que a influenciou ainda mais no seu pensamento sobre o processo de fazer arte. Os seus estudos na Universidade da Virgínia, baseados nos princípios da Dow, foram fundamentais para o desenvolvimento de O’Keeffe como artista. Através da sua exploração e crescimento como artista, ela ajudou a estabelecer o movimento modernista americano.
Ela ensinou no Columbia College, Columbia, Carolina do Sul em finais de 1915, onde completou uma série de abstracções de carvão altamente inovadoras, com base nas suas sensações pessoais. No início de 1916, O’Keeffe esteve em Nova Iorque no Teachers College, Universidade de Columbia. O’Keeffe enviou os desenhos a carvão a uma amiga e antiga colega de turma do Teachers College, Anita Pollitzer, que os levou a Alfred Stieglitz na sua galeria 291 no início de 1916. Stieglitz considerou-os como “as coisas mais puras, finas e sinceras que tinham entrado no 291 em muito tempo”, e disse que gostaria de os mostrar. Em Abril desse ano, Stieglitz exibiu dez dos seus desenhos em 291.
Depois de mais trabalhos de curso na Columbia no início de 1916 e ensino de Verão para a Bement, foi a presidente do departamento de arte no início do Outono de 1916 no West Texas State Normal College, em Canyon. Começou uma série de pinturas de aguarela baseadas na paisagem e vistas expansivas durante as suas caminhadas, incluindo pinturas vibrantes que fez de Palo Duro Canyon. O’Keeffe, que gostava do nascer e pôr-do-sol, desenvolveu um gosto por cores intensas e nocturnas. Com base numa prática que começou na Carolina do Sul, O’Keeffe pintou para expressar as suas sensações e sentimentos mais privados. Em vez de esboçar um desenho antes de pintar, ela criou livremente desenhos. O’Keeffe continuou a experimentar até que acreditou ter verdadeiramente capturado os seus sentimentos na aguarela, Light Coming on the Plains No. I (1917). Ela “captou uma paisagem monumental nesta configuração simples, fundindo pigmentos azuis e verdes em graduações tonais quase indistintas que simulam o efeito pulsante da luz no horizonte do Texas Panhandle”, segundo a autora Sharyn Rohlfsen Udall. Após o início da sua relação com Alfred Stieglitz, as suas pinturas de aguarela terminaram rapidamente. Stieglitz encorajou-a fortemente a desistir porque o uso da aguarela estava associado a artistas amadoras.
New YorkEdit
Stieglitz, vinte e quatro anos mais velha que O’Keeffe, forneceu apoio financeiro e arranjou-lhe uma residência e um local para pintar em Nova Iorque em 1918. Desenvolveram uma estreita relação pessoal enquanto ele promovia o seu trabalho. Conheceu os muitos primeiros modernistas americanos que faziam parte do círculo de artistas de Stieglitz, incluindo os pintores Charles Demuth, Arthur Dove, Marsden Hartley, John Marin, e os fotógrafos Paul Strand e Edward Steichen. A fotografia de Strand, bem como a de Stieglitz e dos seus muitos amigos fotógrafos, inspirou o trabalho de O’Keeffe. Também por volta desta época, O’Keeffe adoeceu durante a pandemia da gripe de 1918.
O’Keeffe começou a criar imagens simplificadas de coisas naturais, tais como folhas, flores e rochas. Inspirada no Precisionismo, A Maçã Verde, concluída em 1922, retrata a sua noção de vida simples e significativa. O’Keeffe disse nesse ano, “é apenas por selecção, por eliminação, e por ênfase que chegamos ao verdadeiro significado das coisas”. Blue and Green Music expressa os sentimentos de O’Keeffe sobre a música através da arte visual, usando cores ousadas e subtis.
O’Keeffe, mais famosa pela sua representação de flores, fez cerca de 200 pinturas de flores, que em meados dos anos 20 eram representações de flores em grande escala, como se fossem vistas através de uma lente de aumento, tais como Papoilas Orientais e várias pinturas de Caná Vermelho. Ela pintou a sua primeira pintura de flores em grande escala, Petúnia, nº 2, em 1924, que foi exposta pela primeira vez em 1925. Fazer representações ampliadas de objectos criou uma sensação de espanto e intensidade emocional. A 20 de Novembro de 2014, Jimson Weed/White Flower No 1 (1932), de O’Keeffe, foi vendido por 44.405.000 dólares em 2014 em leilão à herdeira do Walmart Alice Walton, mais de três vezes o recorde mundial anterior de leilões para qualquer artista feminina.
Art historiadora Linda Nochlin interpretou Black Iris III (1926) como uma metáfora morfológica para os genitais femininos, mas O’Keeffe rejeitou essa interpretação, afirmando que eram apenas quadros de flores.
Depois de se ter mudado para um apartamento do 30º andar no Shelton Hotel em 1925, que, em 2019, foi acrescentado à lista do Projecto de Locais Históricos LGBT de Nova Iorque, O’Keeffe iniciou uma série de pinturas dos arranha-céus e da linha do horizonte da cidade. Uma das suas obras mais notáveis, que demonstra a sua habilidade em retratar os edifícios no estilo Precisionista, é o Radiator Building-Night, Nova Iorque. Outros exemplos, New York Street with Moon (1925), The Shelton with Sunspots, N.Y. (1926), e City Night (1926). Ela fez uma paisagem urbana, East River a partir da Trigésima História do Hotel Shelton em 1928, uma pintura da sua vista do East River e fábricas emissoras de fumo em Queens. No ano seguinte, fez as suas últimas pinturas finais em Nova Iorque e arranha-céus e viajou para o Novo México, que se tornou uma fonte de inspiração para o seu trabalho.
Em 1924, Stieglitz organizou uma exposição simultânea das obras de arte de O’Keeffe e das suas fotografias nas Galerias Anderson e organizou outras grandes exposições. O Museu de Brooklyn realizou uma retrospectiva da sua obra em 1927. Em 1928, anunciou à imprensa que seis dos seus quadros de lírios de calla venderam a um comprador anónimo em França por 25.000 dólares, mas não há provas de que esta transacção tenha ocorrido da forma como Stieglitz relatou. No entanto, devido à imprensa, os quadros de O’Keeffe foram vendidos a um preço mais elevado a partir desse momento. No final dos anos vinte, ela já era conhecida pelo seu trabalho como artista americana, particularmente pelas pinturas dos arranha-céus da cidade de Nova Iorque e pelas pinturas em grande plano de flores.
TaosEdit
O’Keeffe viajou para o Novo México em 1929 com a sua amiga Rebecca Strand e ficou em Taos com Mabel Dodge Luhan, que forneceu estúdios às mulheres. Do seu quarto, ela tinha uma vista clara sobre as montanhas de Taos, bem como sobre a morada (casa de encontros) dos Hermanos de la Fraternidad Piadosa de Nuestro Padre Jesús Nazareno, também conhecidos como os Penintentes. O’Keeffe fez muitas viagens de grupo, explorando as montanhas escarpadas e os desertos da região nesse Verão e mais tarde visitou o Rancho D. H. Lawrence, onde concluiu a sua agora famosa pintura a óleo, The Lawrence Tree, actualmente propriedade do Wadsworth Athenaeum em Hartford, Connecticut. O’Keeffe visitou e pintou a Igreja histórica vizinha da Missão de San Francisco de Asis em Ranchos de Taos. Fez várias pinturas da igreja, tal como muitos artistas, e a sua pintura de um fragmento dela silhada contra o céu capturou-a de uma perspectiva única.
New Mexico and New YorkEdit
O’Keeffe passou então parte de quase todos os anos a trabalhar no Novo México. Ela recolheu rochas e ossos do chão do deserto e fabricou-os, bem como as formas arquitectónicas e paisagísticas distintas dos sujeitos da área no seu trabalho. Conhecida como uma solitária, O’Keeffe explorou a terra que amava frequentemente no seu Ford Modelo A, que comprou e aprendeu a conduzir em 1929. Falou frequentemente do seu gosto pelo Rancho Fantasma e Norte do Novo México, como em 1943, quando explicou: “Um lugar tão belo, intocável e solitário, uma parte tão bela daquilo a que chamo o ‘Faraway’. É um lugar que já tinha pintado antes … mesmo agora tenho de o fazer novamente”
O’Keeffe não trabalhou desde finais de 1932 até cerca de meados dos anos 30, uma vez que sofreu várias avarias nervosas e foi internada num hospital psiquiátrico. Estas crises nervosas foram o resultado da aprendizagem de O’Keeffe sobre o caso do seu marido. Ela era uma artista popular, recebendo várias comissões enquanto as suas obras eram expostas em Nova Iorque e noutros locais. Em 1936, ela completou o que viria a ser um dos seus quadros mais conhecidos, Summer Days. Representa uma cena do deserto com um crânio de veado com flores selvagens vibrantes. Parecido com a Cabeça de Carneiro com Hollyhock, retrata o crânio flutuando acima do horizonte.
Em 1938, a agência de publicidade N. W. Ayer & Filho abordou O’Keeffe sobre a criação de dois quadros para a Hawaiian Pineapple Company (agora Dole Food Company) para utilização em publicidade. Outros artistas que produziram pinturas do Havai para publicidade da Hawaiian Pineapple Company incluem Lloyd Sexton, Jr., Millard Sheets, Yasuo Kuniyoshi, Isamu Noguchi, e Miguel Covarrubias. A oferta surgiu num momento crítico da vida de O’Keeffe: ela tinha 51 anos, e a sua carreira parecia estar a empatar (os críticos chamavam-lhe limitado o Novo México, e marcavam as suas imagens do deserto como “uma espécie de produção em massa”). Chegou a Honolulu a 8 de Fevereiro de 1939, a bordo da SS Lurline e passou nove semanas em Oahu, Maui, Kauai, e na ilha do Havai. De longe, o período mais produtivo e vívido foi em Maui, onde lhe foi dada total liberdade para explorar e pintar. Ela pintou flores, paisagens, e anzóis tradicionais do Havai. De volta a Nova Iorque, O’Keeffe completou uma série de 20 pinturas sensuais e verdes. No entanto, ela não pintou o ananás solicitado até a Hawaiian Pineapple Company enviar uma planta para o seu estúdio de Nova Iorque.
Durante os anos 40, O’Keeffe teve duas retrospectivas de uma mulher, a primeira no Instituto de Arte de Chicago (1943). A segunda foi em 1946, quando foi a primeira mulher artista a ter uma retrospectiva no Museu de Arte Moderna (MoMA) em Manhattan. Whitney Museum of American Art começou um esforço para criar o primeiro catálogo do seu trabalho em meados dos anos 40.
Nos anos 40, O’Keeffe fez uma extensa série de pinturas do que é chamado “Black Place”, cerca de 240 km a oeste da sua casa no Rancho Fantasma. O’Keeffe disse que o “Black Place” se assemelhava a “uma milha de elefantes com colinas cinzentas e areia branca aos seus pés”. Ela fez pinturas do “Lugar Branco”, uma formação rochosa branca localizada perto da sua casa de Abiquiú.
AbiquiúEdit
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Sky Above the Clouds IV, 1965, oil on canvas, The Art Institute of Chicago.
Waterfall – End of Road – ‘Iao Valley, 1939, oil on canvas, Honolulu Museum of Art.
Em 1946, ela começou a fazer as formas arquitectónicas da sua casa Abiquiú – parede do pátio e assuntos de porta no seu trabalho. Outra pintura distinta foi Escada para a Lua, 1958. O’Keeffe produziu uma série de arte de paisagem de nuvens, como Sky above the Clouds em meados da década de 1960, que foram inspiradas pelas suas vistas das janelas dos aviões.
O Museu de Arte de Worcester realizou uma retrospectiva da sua obra em 1960 e dez anos mais tarde, o Museu Whitney de Arte Americana montou a Exposição Retrospectiva de Georgia O’Keeffe.
Em 1972, O’Keeffe perdeu grande parte da sua visão devido à degeneração macular, deixando-a apenas com visão periférica. Parou de pintar a óleo sem assistência em 1972. Na década de 1970, fez uma série de obras em aguarela. A sua autobiografia, Georgia O’Keeffe, publicada em 1976, foi um best seller.
Judy Chicago deu a O’Keeffe um lugar de destaque no seu The Dinner Party (1979) em reconhecimento do que muitos artistas feministas proeminentes consideravam uma introdução inovadora de imagens sensuais e feministas nas suas obras de arte. Embora as feministas celebrassem O’Keeffe como a originária da “iconografia feminina”, O’Keeffe recusou-se a aderir ao movimento de arte feminista ou a cooperar com quaisquer projectos de todas as mulheres. Não gostava de ser chamada “artista mulher” e queria ser considerada uma “artista”
p>A artista continuou a trabalhar com lápis e carvão até 1984.
Prémios e honrasEdit
Em 1938, O’Keeffe recebeu um grau honorário de “Doutora em Belas Artes” do The College of William & Mary. Mais tarde, O’Keeffe foi eleito para a Academia Americana de Artes e Letras e, em 1966, foi eleito Fellow da Academia Americana de Artes e Ciências. Entre os seus prémios e distinções, O’Keeffe recebeu o Prémio M. Carey Thomas no Bryn Mawr College em 1971 e dois anos mais tarde recebeu um grau honorário da Universidade de Harvard.
Em 1977, o Presidente Gerald Ford entregou a O’Keeffe a Medalha Presidencial da Liberdade, a mais alta distinção atribuída aos civis americanos. Em 1985, foi-lhe atribuída a Medalha Nacional das Artes pelo Presidente Ronald Reagan. Em 1993, foi empossada no Hall da Fama Nacional das Mulheres.
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