Leonard Cohen

L’un des auteurs-compositeurs-interprètes les plus fascinants et énigmatiques — si ce n’est le plus réussi — de la fin des années 60, Leonard Cohen a conservé un public tout au long de six décennies de création musicale, interrompues par diverses digressions dans l’exploration personnelle et créative, qui n’ont fait qu’ajouter à la mystique qui l’entoure. Après Bob Dylan (et peut-être Paul Simon), il a commandé l’attention des critiques et des jeunes musiciens plus fermement que toute autre figure musicale des années 60 qui a continué à travailler au 21e siècle, ce qui est un accomplissement d’autant plus remarquable pour quelqu’un qui n’a même pas aspiré à une carrière musicale avant d’avoir atteint la trentaine.

Cohen est né en 1934, un an avant Elvis Presley, et son parcours — personnel, social et intellectuel — ne pouvait pas être plus différent de celui des stars du rock ou du folk de n’importe quelle génération. Bien qu’il ait connu un peu de musique country et qu’il en ait joué dans sa jeunesse, il n’a commencé à se produire, même de façon semi-régulière, et encore moins à enregistrer, qu’après avoir déjà écrit plusieurs livres — et en tant que romancier et poète établi, ses réalisations littéraires dépassent de loin celles de Bob Dylan ou de la plupart des autres personnes que l’on se soucie de mentionner dans la musique.

Il est né Leonard Norman Cohen dans une famille juive de classe moyenne de Westmount, en banlieue de Montréal. Son père, un marchand de vêtements (qui détenait également un diplôme d’ingénieur), est décédé en 1943, alors que Cohen avait neuf ans. C’est sa mère qui encourage Cohen à écrire, surtout de la poésie, pendant son enfance. Cela correspond à l’environnement intellectuel progressiste dans lequel il est élevé, qui lui permet de s’intéresser librement à un large éventail de sujets. Sa relation à la musique est plus timide. Il a commencé à jouer de la guitare à l’âge de 13 ans, d’abord pour impressionner une fille, mais il était assez bon pour jouer des chansons country & western dans les cafés locaux, et il a ensuite formé un groupe appelé les Buckskin Boys. À 17 ans, il s’inscrit à l’Université McGill en tant que major en anglais. À cette époque, il écrit déjà des poèmes et fait partie de la petite communauté « bohème » de l’université. Cohen n’obtient que des notes moyennes, mais il est suffisamment bon écrivain pour remporter le prix McNaughton de création littéraire lorsqu’il obtient son diplôme en 1955. Un an plus tard, l’encre à peine sèche sur son diplôme, il publie son premier recueil de poésie, Let Us Compare Mythologies (1956), qui obtient d’excellentes critiques mais ne se vend pas particulièrement bien.

Il avait déjà dépassé l’âge auquel s’adressait le rock & roll. Bob Dylan, en revanche, était encore Robert Zimmerman, encore adolescent, et assez jeune pour devenir un inconditionnel de Buddy Holly lorsque ce dernier émergea. En 1961, Cohen publie son deuxième recueil de poèmes, The Spice Box of Earth, qui devient un succès international sur le plan critique et commercial, et établit Cohen comme une nouvelle figure littéraire majeure. Entre-temps, il tente de rejoindre l’entreprise familiale et passe quelque temps à l’université Columbia de New York, tout en écrivant sans cesse. Grâce aux modestes redevances provenant des ventes de son deuxième livre, aux subventions littéraires du gouvernement canadien et à l’héritage familial, il parvient à vivre confortablement et à voyager à travers le monde, profitant de tout ce qu’il a à offrir – y compris une certaine consommation de LSD lorsque celui-ci était encore légal – pour finalement s’installer pendant une longue période en Grèce, sur l’île d’Hydra dans la mer Égée. Il a continué à publier deux romans, The Favorite Game (1963) et Beautiful Losers (1966), ainsi que deux recueils de poésie, Flowers for Hitler (1964) et Parasites of Heaven (1966). The Favorite Game était un ouvrage très personnel sur ses débuts à Montréal, mais c’est Beautiful Losers qui a constitué une autre percée, obtenant le genre de critiques que les auteurs n’osent même pas espérer. (Cohen s’est retrouvé comparé à James Joyce dans les pages du Boston Globe, et au fil des ans, le livre a connu des ventes totalisant largement six chiffres).

C’est à peu près à cette époque qu’il se remet également à écrire de la musique, les chansons étant une extension naturelle de sa poésie. Son isolement relatif sur Hydra, associé à son style de vie très mobile lorsqu’il quitte l’île, sa nature iconoclaste naturelle et le fait qu’il ait évité d’être submergé (ou même touché trop sérieusement) par les courants qui traversent la musique populaire depuis les années 40, se combinent pour donner à Cohen une voix unique en tant que compositeur. Bien qu’il se soit installé à Nashville pour une courte période au milieu des années 60, il n’a pas écrit comme n’importe qui d’autre dans la Mecque de la musique country ou ailleurs. Cela aurait pu être un obstacle si Judy Collins n’était pas intervenue, une chanteuse folk qui venait d’accéder au premier rang de ce domaine. Collins avait une voix juste assez spéciale pour lui permettre de dépasser les rangs relativement émaciés des interprètes folk populaires restants après le passage de Dylan à la musique électrique ; elle se faisait encore entendre, et pas seulement par les puristes laissés dans le sillage de Dylan. Elle ajoute la chanson  » Suzanne  » de Cohen à son répertoire et la met sur son album In My Life, un disque suffisamment controversé dans les cercles folk (en raison de sa reprise de la chanson des Beatles qui donne son titre au LP) pour attirer de nombreux auditeurs et être largement diffusé. Le morceau « Suzanne » du LP a bénéficié d’une diffusion considérable à la radio, et Cohen était également représenté sur l’album par « Dress Rehearsal Rag ».

C’est Collins qui a persuadé Cohen de revenir à la scène pour la première fois depuis son adolescence. Il fait ses débuts au cours de l’été 1967 au Newport Folk Festival, suivi de deux concerts à guichets fermés à New York et d’une apparition en chantant ses chansons et en récitant ses poèmes dans l’émission de télévision Camera Three de la chaîne CBS, dans une émission intitulée « Mesdames et Messieurs, M. Leonard Cohen ». C’est à peu près à la même époque que l’acteur/chanteur Noel Harrison a fait entrer « Suzanne » dans les charts pop avec son propre enregistrement. L’un de ceux qui ont vu Cohen se produire à Newport est John Hammond, père, le producteur légendaire dont la carrière remonte aux années 30 et à des artistes comme Billie Holiday, Benny Goodman et Count Basie, et se prolonge jusqu’à Bob Dylan et, finalement, Bruce Springsteen. Hammond fait signer Cohen chez Columbia Records et il crée The Songs of Leonard Cohen, qui sort juste avant Noël 1967. Le producteur John Simon est parvenu à trouver une approche à la fois sobre et séduisante pour enregistrer la voix de Cohen, que l’on aurait pu décrire comme un quasi-monotone d’une sensibilité séduisante ; pourtant, cette voix convenait parfaitement au matériau à disposition, dont l’ensemble, écrit dans un langage très personnel, semblait imprégné d’images abattues et d’un esprit de découverte comme chemin vers une révélation troublante.

En dépit de sa production dépouillée et de son sujet mélancolique – ou, très probablement, à cause de cela – l’album a été un succès immédiat selon les normes du monde de la musique folk et de la communauté naissante des auteurs-compositeurs-interprètes. À une époque où des millions d’auditeurs étaient suspendus aux prochains albums de Bob Dylan et de Simon & Garfunkel — dont le dernier album s’était terminé par une interprétation en clé mineure de « Silent Night » sur fond de compte rendu radiophonique de la mort de Lenny Bruce — la musique de Cohen a rapidement trouvé un public restreint mais dévoué. Les étudiants de l’université l’achètent par milliers ; dès sa deuxième année de sortie, le disque se vend à plus de 100 000 exemplaires. The Songs of Leonard Cohen était aussi proche que Cohen ne l’a jamais été du succès auprès du public de masse.

Au milieu de cette soudaine activité musicale, il ne néglige guère ses autres écrits — en 1968, il sort un nouveau volume, Selected Poems : 1956-1968, qui comprend à la fois des œuvres anciennes et des œuvres nouvellement publiées, et lui vaut le Prix du Gouverneur général, la plus haute distinction littéraire du Canada, qu’il va ensuite décliner. À cette époque, il faisait en fait presque davantage partie de la scène rock, résidant pendant un temps au Chelsea Hotel de New York, où ses voisins comprenaient Janis Joplin et d’autres sommités du spectacle, dont certains ont influencé très directement ses chansons.

Son album suivant, Songs from a Room (1969), est caractérisé par un esprit de mélancolie encore plus grand — même la relativement fougueuse « A Bunch of Lonesome Heroes » est imprégnée de cette sensibilité dépressive, et la seule chanson qui n’est pas écrite par Cohen, « The Partisan », est un récit sinistre sur les raisons et les conséquences de la résistance à la tyrannie, qui comprend des vers comme « She died without a whisper » et des images du vent soufflant sur les tombes. Joan Baez a enregistré la chanson par la suite, et dans ses mains, elle était un peu plus optimiste et inspirante pour l’auditeur ; l’interprétation de Cohen rendait beaucoup plus difficile de passer outre les coûts présentés par le personnage de la chanteuse. D’un autre côté, « Seems So Long Ago, Nancy », bien qu’aussi abattu que tout ce qui est ici, a présenté Cohen dans sa voix la plus expressive et commerciale, une performance nasale mais affectante et finement nuancée.

Dans l’ensemble, cependant, Songs from a Room a été moins bien accueilli commercialement et critiquement. La production sobre et presque minimaliste de Bob Johnston le rendait moins attrayant que les pièges subtilement commerciaux de ses débuts, bien que l’album comprenne deux titres, « Bird on the Wire » et « The Story of Isaac », qui sont devenus des standards rivalisant avec « Suzanne ». « The Story of Isaac », une parabole musicale tissée autour de l’imagerie biblique sur le Vietnam, était l’une des chansons les plus sauvages et les plus perçantes issues du mouvement anti-guerre, et montrait un niveau de sophistication dans sa musique et ses paroles qui la plaçait dans un tout autre domaine de composition ; elle a reçu une diffusion encore meilleure sur l’album Live Songs, dans une performance enregistrée à Berlin au cours de l’année 1972.

Cohen n’a peut-être pas été un interprète ou un artiste de disque très populaire, mais sa voix et sa sonorité uniques, ainsi que la puissance de son écriture et son influence, lui ont permis d’accéder au premier rang des interprètes de rock, un statut étrange pour l’auteur/compositeur alors âgé de 35 ans. Il se produit au festival de l’île de Wight en Angleterre en 1970, un rassemblement post-Woodstock de stars et de superstars, avec des apparitions tardives de légendes sur le point de mourir ou de se dissoudre comme Jimi Hendrix et les Doors. Avec l’air presque aussi maladroit que sa compatriote Joni Mitchell, Cohen a gratté sa guitare acoustique, accompagné de deux chanteuses, devant un public de 600 000 personnes (« C’est une grande nation, mais elle reste faible »), composé à parts égales de fans, de monstres et de gatecrashers belliqueux, et de fauteurs de troubles, mais le simple fait qu’il soit là – pris en sandwich quelque part entre Miles Davis et Emerson, Lake & Palmer – était une déclaration claire du statut (sinon du succès populaire) qu’il avait atteint. (L’interprétation de « Suzanne » par Cohen a été l’un des moments forts du documentaire Message to Love de Murray Lerner, longtemps retardé, en 1996 : The Isle of Wight Festival, et son set complet a été réédité en 2009, en format audio et vidéo).

Déjà, il s’était taillé une place unique dans la musique, autant auteur qu’interprète et artiste d’enregistrement, laissant ses chansons se développer et évoluer au fil des années — sa voix distinctement non commerciale est devenue une partie de son attrait pour le public qu’il a trouvé, lui donnant un coin unique du public de la musique comprenant des auditeurs descendants des mêmes personnes qui avaient embrassé les premiers travaux de Bob Dylan avant qu’il ne devienne un phénomène médiatique de masse en 1964. Dans un sens, Cohen incarne un phénomène vaguement similaire à celui que Dylan a connu avant sa tournée du début des années 70 avec le Band – les gens achètent ses albums par dizaines et, parfois, par centaines de milliers, mais semblent l’entendre en termes très personnels. Il a gagné son public apparemment un auditeur à la fois, par le bouche à oreille plus que par la radio, qui, de toute façon (surtout sur le cadran AM), était surtout favorable aux reprises des chansons de Cohen par d’autres artistes.

Le troisième album de Cohen, Songs of Love and Hate (1971), est l’une de ses œuvres les plus puissantes, débordant de paroles percutantes et d’une musique aussi poignante que minimaliste dans son approche – le travail de l’arrangeur Paul Buckmaster sur les cordes est particulièrement sourd, et le chœur d’enfants qui apparaît sur « Last Year’s Man » est peu présent. En revanche, le chant de Cohen est le plus efficace à ce jour, brillamment expressif sur des chansons aussi célèbres que  » Joan of Arc « ,  » Dress Rehearsal Rag  » (qui avait été enregistré par Judy Collins cinq ans auparavant) et  » Famous Blue Raincoat « . La noirceur du ton et du sujet garantissait qu’il ne deviendrait jamais un interprète « pop » ; même la chanson « Diamonds in the Mine », entraînante et rythmée, accompagnée d’un refrain d’enfants accrocheur et d’un accompagnement de guitare électrique tordant, était une chanson aussi sombre et venimeuse que ce que Columbia Records avait sorti en 1971. Et les moments les plus convaincants – parmi un embarras de richesses – se trouvent dans des paroles comme « Now the flames they followed Joan of Arc/As she came riding through the dark/No moon to keep her armor bright/No man to get her through this night…. ». Songs of Love and Hate, ainsi que les versions précédentes de « Suzanne », etc., ont valu à Cohen une grande popularité internationale. Il est également très demandé dans le monde du cinéma commercial, puisque le réalisateur Robert Altman utilise sa musique dans son long métrage de 1971 McCabe and Mrs. Miller, avec Warren Beatty et Julie Christie, un film d’époque révisionniste se déroulant au tournant du 19e siècle, qui a été critiqué par la critique (et, selon certains témoignages, saboté par son propre studio), mais qui est devenu l’un des films les plus appréciés du réalisateur. L’année suivante, il publie également un nouveau recueil de poésie, L’énergie des esclaves.

Comme à son habitude, Cohen passe des années entre deux albums, et en 1973, il semble faire le point sur lui-même en tant qu’interprète en publiant Leonard Cohen : Live Songs. Il ne s’agit pas d’un album live conventionnel, mais d’un recueil de performances réalisées dans divers lieux au cours de plusieurs années et axé sur les points forts de sa production à partir de 1969. Il mettait en valeur son écriture autant que son interprétation, mais rendait également bien compte de l’attrait qu’il exerçait sur ses fans les plus sérieux — ceux qui ne savaient pas encore très bien où ils en étaient par rapport à sa musique et qui pouvaient dépasser l’épique « Please Don’t Pass Me By » savaient avec certitude qu’ils étaient prêts à « rejoindre » le cercle intérieur de sa légion de dévots après cela, tandis que d’autres qui n’appréciaient que « Bird on the Wire » ou « The Story of Isaac » pouvaient rester confortablement dans un cercle extérieur.

Entre-temps, en 1973, sa musique est devenue la base d’une production théâtrale appelée Sisters of Mercy, conçue par Gene Lesser et vaguement basée sur la vie de Cohen, ou du moins une version fantaisiste de sa vie. Trois ans s’écoulent entre Songs of Love and Hate et l’album suivant de Cohen, et la plupart des critiques et des fans supposent qu’il a traversé une période de sécheresse, l’album live couvrant le vide. Cependant, il est occupé à se produire aux États-Unis et en Europe en 1971 et 1972, et étend ses apparitions en Israël pendant la guerre du Kippour en 1973. C’est à cette époque qu’il commence également à travailler avec le pianiste et arrangeur John Lissauer, qu’il engage comme producteur de son album suivant, New Skin for the Old Ceremony (1974). Cet album semble justifier la confiance de ses fans dans son travail, en présentant Cohen dans un environnement musical plus somptueux. Il s’est révélé capable de tenir son rang dans un environnement pop, même si les chansons restaient le plus souvent déprimantes et sombres.

L’année suivante, Columbia Records sort The Best of Leonard Cohen, qui reprend une douzaine de ses chansons les plus connues — principalement des tubes aux mains d’autres interprètes — issues de ses quatre LP précédents (il laisse toutefois de côté « Dress Rehearsal Rag »). C’est également au milieu des années 70 que Cohen croise pour la première fois la route de Jennifer Warnes, apparaissant sur la même affiche que la chanteuse lors de nombreux spectacles, ce qui mènera à une série de collaborations clés au cours de la décennie suivante. À cette époque, il était un personnage un peu moins mystérieux, ayant fait de nombreuses tournées et obtenu une exposition considérable — parmi de nombreux autres attributs, Cohen est devenu connu pour son attrait étrange pour les femmes, qui semblait aller de pair avec les sujets romantiques de la plupart de ses chansons.

En 1977, Cohen réapparaît avec le titre ironique Death of a Ladies’ Man, l’album le plus controversé de sa carrière, produit par Phil Spector. L’idée de jumeler Spector – connu pour être une présence semblable à celle de Svengali pour ses chanteuses et artistes féminines et pour être le surproducteur le plus impénitent (et souvent justifié) dans le domaine de la musique pop – avec Cohen a dû sembler être une bonne idée à quelqu’un à un moment donné, mais apparemment Cohen lui-même avait des doutes sur de nombreux morceaux que Spector n’a jamais abordés, ayant mixé le disque complètement seul. Le LP qui en résulte souffre des pires attributs du travail de Cohen et de Spector, excessivement dense et imposant dans son son, et baignant virtuellement l’auditeur dans le personnage dépressif de Cohen, mais montrant ses capacités vocales limitées au désavantage, en raison de l’utilisation de Spector de « scratch » (c’est-à-dire guide) vocaux et son refus de permettre à l’artiste de refaire certains de ses moments plus faibles sur ces prises. Pour la première (et unique) fois dans la carrière de Cohen, sa prestation quasi monotone de cette période n’était pas un attribut positif. Le mécontentement de Cohen à l’égard de l’album était largement connu des fans, qui l’ont pour la plupart acheté en tenant compte de cet avertissement, ce qui n’a pas nui à sa réputation. Un an après sa sortie, Cohen a également publié un nouveau recueil littéraire en utilisant le titre légèrement différent de Death of a Lady’s Man.

L’album suivant de Cohen, Recent Songs (1979), le ramène aux décors dépouillés de son travail du début des années 70 et montre son chant sous son meilleur jour. Travaillant avec le producteur vétéran Henry Lewy (mieux connu pour son travail avec Joni Mitchell), l’album montre que le chant de Cohen est attirant et expressif à sa manière, et que des chansons comme « The Guests » sont carrément jolies. Il parle toujours de la vie et de l’amour, et surtout des relations, en termes crus, mais il semble passer à un mode pop sur des titres comme « Humbled in Love ». Frank Sinatra n’a jamais eu besoin de regarder par-dessus son épaule chez Cohen (du moins, en tant que chanteur), mais il a semblé essayer un son pop plus lisse à certains moments sur son disque.

Puis vient 1984, et deux nouvelles œuvres clés dans la production de Cohen — le volume poétique/religieux The Book of Mercy et l’album Various Positions (1984). Ce dernier, enregistré avec Jennifer Warnes, est sans doute l’album le plus accessible de toute sa carrière jusqu’à ce moment-là – la voix de Cohen, qui est maintenant un baryton particulièrement expressif, a trouvé une belle paire avec Warnes, et les chansons sont aussi fines que jamais, imprégnées de spiritualité et de sexualité, avec « Dance Me to the End of Love » une ouverture de tueur : une ballade de style pop ironique, sombre et passionnée, impossible à oublier. Ces efforts se chevauchent avec certaines entreprises du compositeur/chanteur dans d’autres domaines créatifs, notamment un court-métrage primé qu’il a écrit, réalisé et dont il a signé la musique, intitulé I Am a Hotel, et la musique du film conceptuel Night Magic de 1985, qui a remporté un Juno Award au Canada pour la meilleure musique de film.

Triste à dire, Various Positions est passé relativement inaperçu, et a été suivi d’une autre longue période sabbatique d’enregistrement, qui s’est terminée avec I’m Your Man (1988). Mais pendant son hiatus, Warnes avait sorti son album de matériel écrit par Cohen, intitulé Famous Blue Raincoat, qui s’était extrêmement bien vendu et avait fait découvrir Cohen à une nouvelle génération d’auditeurs. Ainsi, lorsque I’m Your Man est apparu, avec sa production électronique (quoique toujours assez dépouillée) et ses chansons qui ajoutaient de l’humour (quoique noir) à son mélange de conceptions pessimistes et poétiques, le résultat a été son disque le plus vendu depuis plus d’une décennie. Le résultat, en 1991, est la sortie de I’m Your Fan : The Songs of Leonard Cohen, un CD d’enregistrements de ses chansons par des artistes comme R.E.M., les Pixies, Nick Cave & the Bad Seeds, et John Cale, qui remet Cohen en tant qu’auteur-compositeur poussant la soixantaine sur le devant de la scène pour les années 90. Il s’est montré à la hauteur de la situation en publiant, un an plus tard, The Future, un album qui s’attarde sur les nombreuses menaces qui pèsent sur l’humanité dans les années et les décennies à venir. Cet album, qui n’est pas destiné à figurer dans les charts ou à être diffusé sur MTV, attire néanmoins la coterie habituelle de Cohen et suscite suffisamment d’intérêt de la part de la presse et de ventes pour justifier la sortie en 1994 de son deuxième album de concerts, Cohen Live, tiré de ses deux dernières tournées. Un an plus tard sort un autre album hommage, Tower of Song, comprenant des chansons de Cohen interprétées par Billy Joel, Willie Nelson, et autres.

Au milieu de toute cette nouvelle activité autour de son écriture et de ses compositions, Cohen s’engage dans une nouvelle phase de sa vie. Les préoccupations religieuses n’ont jamais été très éloignées de sa pensée et de son travail, même lorsqu’il se faisait un nom en écrivant des chansons sur l’amour, et il s’est encore plus concentré sur ce côté de la vie depuis Various Positions. Il a passé du temps au Mt. Baldy Zen Center, une retraite bouddhiste en Californie, et est finalement devenu un résident à plein temps et un moine bouddhiste à la fin des années 90. Lorsqu’il réapparaît en 1999, Cohen a plusieurs dizaines de nouvelles compositions en main, des chansons comme des poèmes. Il collabore avec la chanteuse, compositrice et musicienne Sharon Robinson, qui produit également l’album Ten New Songs (2001), ainsi qu’un album intitulé Field Commander Cohen : Tour of 1979, composé d’enregistrements live de sa tournée 22 ans plus tôt.

En 2004, l’année de ses 70 ans, Cohen sort l’un des albums les plus controversés de sa carrière, Dear Heather. Il révèle une nouvelle fois sa voix, dans cette phase de sa carrière, comme un baryton profond dont la tessiture est plus limitée que sur n’importe quel enregistrement précédent, mais il surmonte ce changement de timbre vocal en l’affrontant de front, tout comme Cohen l’a fait avec son chant tout au long de sa carrière. Il contient également un certain nombre de chansons pour lesquelles Cohen a écrit la musique mais pas les paroles, un changement de rythme décidé pour un homme qui a commencé comme un poète. Et c’est le disque le plus personnel que Cohen ait jamais sorti. Son retour à l’enregistrement est l’un des aspects les plus positifs de la reprise des activités musicales de Cohen. Dans un autre ordre d’idées, en 2005, il a intenté un procès contre son gestionnaire d’affaires de longue date et son conseiller financier pour le vol présumé de plus de cinq millions de dollars, dont une partie au moins a eu lieu pendant ses années de retraite bouddhiste.

Cinq décennies après avoir émergé en tant que figure littéraire publique, puis en tant qu’interprète, Cohen est resté l’une des figures musicales les plus fascinantes et les plus énigmatiques de son époque, et l’une des très rares de cette époque à susciter autant de respect et d’attention, et probablement un aussi large public, au XXIe siècle que dans les années 60. Comme tout autre survivant de cette décennie, Cohen a su conserver son public d’origine et le voir grandir à travers les générations, en accord avec un corps de musique véritablement intemporel et sans âge. En 2006, son influence durable a semblé être reconnue par Lions Gate Films avec la sortie de Leonard Cohen : I’m Your Man, le concert/portrait du réalisateur Lian Lunson sur l’œuvre et la carrière de Cohen. Une série de spectacles, Live in London, est sortie en 2009. En 2010, l’ensemble vidéo et audio Songs from the Road a été publié, documentant sa tournée mondiale 2008 (qui a en fait duré jusqu’à la fin 2010), revisitant des chansons de chaque partie de sa carrière. La tournée a couvert 84 dates et a vendu plus de 700 000 billets dans le monde entier.

Cohen ne s’est pas reposé longtemps, cependant : au début de 2011, il a commencé à façonner ce qui allait devenir Old Ideas, son premier album de nouveau matériel en sept ans. Les sessions ont eu lieu avec les producteurs Ed Sanders (poète renommé et leader des Fugs), Patrick Leonard, le saxophoniste de Cohen, Dino Soldo, et sa partenaire, la chanteuse et compositrice Anjani Thomas. Old Ideas contient dix nouvelles chansons traitant de la spiritualité, de la mortalité, de la sexualité, de la perte et de l’acceptation, similaires en son et en texture à Dear Heather. Les titres « Lullaby » et « Darkness » ont été des incontournables de la tournée mondiale, tandis que le morceau « Show Me the Place » a été prépublié fin 2011. Old Ideas est sorti à la fin du mois de janvier 2012. Ce fut un énorme succès, débutant dans le Top 5 aux États-Unis et au Royaume-Uni, et atteignant la première place au Canada. Le succès de Cohen en Europe a été plus impressionnant ; Old Ideas a atteint la première place dans près de dix pays.

Après une énième tournée mondiale qui lui a valu des accolades universelles, Cohen, de manière peu caractéristique, est rapidement retourné en studio avec le producteur (et coauteur) Patrick Leonard, émergeant avec neuf nouvelles chansons, dont au moins une — « Born in Chains » — avait des origines remontant à 40 ans. Popular Problems est sorti en septembre 2014 avec des critiques positives et un succès dans les charts. (Tout comme son prédécesseur, il a atteint la première place en Europe ainsi qu’au Canada). Cohen a continué à faire des tournées internationales avec une vigueur impressionnante, et en décembre 2014, il a publié Live in Dublin, son troisième album live depuis son retour sur la route. L’album avait été enregistré en septembre 2013, lors d’un concert à l’O2 Arena de Dublin, et une sortie vidéo haute définition est apparue en tandem avec l’édition audio. Un autre document de concert, Can’t Forget : A Souvenir of the Grand Tour, est paru en mai 2015, l’album étant tiré de prises live ainsi que de répétitions avant le spectacle lors des balances. Cohen s’est remis à travailler sur de nouveaux morceaux bien que sa santé soit en déclin. Le 21 septembre 2016, jour de son 82e anniversaire, « You Want It Darker », la chanson titre d’un nouvel album studio sur le thème de la mortalité, est apparue sur Internet. L’album complet, produit par son fils Adam, est sorti le 21 octobre. Ce disque est son adieu ; Cohen décède moins de trois semaines plus tard, le 7 novembre 2016. Un autre album tiré des dernières sessions d’enregistrement de Cohen, Thanks for the Dance, est paru en novembre 2019.