PréproductionEdit
Après le succès de Pour quelques dollars de plus, les cadres de United Artists ont approché le scénariste du film, Luciano Vincenzoni, pour signer un contrat pour les droits du film et pour le suivant. Le producteur Alberto Grimaldi, Sergio Leone et lui-même n’avaient rien de prévu, mais avec leur bénédiction, Vincenzoni a lancé l’idée d' »un film sur trois voleurs à la recherche d’un trésor au moment de la guerre civile américaine ». Le studio accepte, mais veut connaître le coût de ce prochain film. Au même moment, Grimaldi essaie de négocier son propre accord, mais l’idée de Vincenzoni est plus lucrative. Les deux hommes concluent un accord avec UA pour un budget d’un million de dollars, le studio avançant 500 000 dollars d’avance et 50 % des recettes du box-office en dehors de l’Italie. Le budget total a finalement été de 1,2 million de dollars.
Leone s’est appuyé sur le concept initial du scénariste pour » montrer l’absurdité de la guerre… la guerre civile, que les personnages rencontrent. Dans mon cadre de référence, elle est inutile, stupide : elle n’implique pas une ‘bonne cause’. » Féru d’histoire, Leone a déclaré : « J’avais lu quelque part que 120 000 personnes étaient mortes dans des camps sudistes tels qu’Andersonville. Je n’ignorais pas qu’il y avait des camps dans le Nord. On entend toujours parler du comportement honteux des perdants, jamais des gagnants. » Le camp de Batterville, où Blondie et Tuco sont emprisonnés, est basé sur des gravures en acier d’Andersonville. De nombreux plans du film ont été influencés par des photographies d’archives prises par Mathew Brady et Alexander Gardner. Comme le film se déroule pendant la guerre civile, il a servi de préquelle aux deux autres films de la trilogie, qui se déroulent après la guerre.
Alors que Leone développait l’idée de Vincenzoni pour en faire un scénario, le scénariste a recommandé l’équipe de scénaristes de comédie Agenore Incrucci et Furio Scarpelli pour y travailler avec Leone et Sergio Donati. Selon Leone, « je n’ai pas pu utiliser une seule des choses qu’ils avaient écrites. C’était la plus grosse déception de ma vie. » Donati était d’accord, disant : « Il n’y avait presque rien d’eux dans le scénario final. Ils n’ont écrit que la première partie. Juste une ligne. » Vincenzoni affirme avoir écrit le scénario en 11 jours, mais il a rapidement quitté le projet après que sa relation avec Leone se soit dégradée. Les trois personnages principaux contiennent tous des éléments autobiographiques de Leone. Dans une interview, il a déclaré : » Il n’a pas d’esprit, c’est un professionnel dans le sens le plus banal du terme. Comme un robot. Ce n’est pas le cas des deux autres. Pour ce qui est du côté méthodique et prudent de mon personnage, je serais plus proche de Biondo (Blondie), mais ma sympathie la plus profonde va toujours vers le côté Tuco… Il peut être touchant avec toute cette tendresse et toute cette humanité blessée ». Le réalisateur Alex Cox suggère que l’or enterré dans les cimetières chassé par les protagonistes pourrait avoir été inspiré par les rumeurs entourant les terroristes anticommunistes Gladio, qui cachaient nombre de leurs 138 caches d’armes dans les cimetières.
Eastwood a reçu un salaire au pourcentage, contrairement aux deux premiers films, dont il percevait un cachet direct. Lorsque Lee Van Cleef a été à nouveau retenu pour un autre film Dollars, il a plaisanté : » la seule raison pour laquelle ils m’ont fait revenir est qu’ils ont oublié de me tuer dans Pour quelques dollars de plus « .
Le titre provisoire du film était I due magnifici straccioni (Les deux magnifiques clochards). Il fut changé juste avant le début du tournage lorsque Vincenzoni eut l’idée de Il buono, il brutto, il cattivo (Le bon, le laid, le méchant), que Leone adorait. Aux États-Unis, United Artists a envisagé d’utiliser la traduction italienne originale, River of Dollars, ou The Man With No Name, mais a opté pour The Good, the Bad and the Ugly.
ProductionEdit
Le tournage a recommencé au studio Cinecittà de Rome à la mi-mai 1966.mai 1966, notamment la scène d’ouverture entre Eastwood et Wallach lorsque Blondie capture Tuco pour la première fois et l’envoie en prison. La production se rend ensuite dans la région du plateau espagnol près de Burgos, au nord, qui correspond au sud-ouest des États-Unis, et tourne à nouveau les scènes de western à Almería, dans le sud de l’Espagne. Cette fois-ci, la production a nécessité des décors plus élaborés, notamment une ville sous le feu des canons, un vaste camp de prisonniers et un champ de bataille de la guerre de Sécession. Pour le point culminant, plusieurs centaines de soldats espagnols ont été employés pour construire un cimetière comportant plusieurs milliers de pierres tombales afin de ressembler à un ancien cirque romain. Pour la scène où le pont explose, il a fallu la filmer deux fois, car lors de la première prise, les trois caméras ont été détruites par l’explosion. Eastwood se souvient : « Ils se souciaient de savoir si vous faisiez un reportage sur les Espagnols et sur l’Espagne. Dans ce cas, ils vous examineraient de très près, mais si vous faites un western censé se dérouler dans le sud-ouest de l’Amérique ou au Mexique, ils se moquent complètement de votre histoire ou de votre sujet. » Le directeur de la photographie italien Tonino Delli Colli a été engagé pour tourner le film et Leone l’a incité à accorder plus d’attention à la lumière que dans les deux films précédents ; Ennio Morricone a de nouveau composé la musique. Leone a joué un rôle déterminant en demandant à Morricone de composer un morceau pour la scène finale d’affrontement entre Mexicains dans le cimetière, lui demandant de composer ce qui donnait l’impression que « les cadavres riaient de l’intérieur de leurs tombes », et a demandé à Delli Colli de créer un effet de tourbillon hypnotique entrecoupé de gros plans extrêmes et dramatiques, pour donner au public l’impression d’un ballet visuel. Le tournage s’est achevé en juillet 1966.
Eastwood n’était pas initialement satisfait du scénario, et craignait d’être devancé par Wallach. » Dans le premier film, j’étais seul « , a-t-il déclaré à Leone. « Dans le second, nous étions deux. Ici, nous sommes trois. Si ça continue comme ça, dans le prochain, je jouerai avec la cavalerie américaine. » Alors qu’Eastwood joue les difficiles en acceptant le rôle (gonflant ses gains jusqu’à 250 000 dollars, une autre Ferrari et 10 % des bénéfices aux États-Unis lors de la sortie éventuelle dans ce pays), il se heurte à nouveau à des querelles de publicistes entre Ruth Marsh, qui le presse d’accepter le troisième film de la trilogie, et l’agence William Morris et Irving Leonard, mécontents de l’influence de Marsh sur l’acteur. Eastwood interdit à Marsh d’avoir une quelconque influence sur sa carrière, et il est contraint de la renvoyer de son poste de directrice commerciale par une lettre envoyée par Frank Wells. Pendant un certain temps, la publicité d’Eastwood est gérée par Jerry Pam de Gutman and Pam. Tout au long du tournage, Eastwood fréquentait régulièrement l’acteur Franco Nero, qui tournait à l’époque Texas, Adios.
Wallach et Eastwood prenaient l’avion pour Madrid ensemble, et entre les scènes de tournage, Eastwood se détendait et pratiquait son swing au golf. Wallach a failli être empoisonné pendant le tournage lorsqu’il a accidentellement bu dans une bouteille d’acide qu’un technicien de cinéma avait placée à côté de sa bouteille de soda. Wallach a mentionné ce fait dans son autobiographie et s’est plaint que si Leone était un réalisateur brillant, il était très laxiste quant à la sécurité de ses acteurs lors de scènes dangereuses. Par exemple, dans une scène où il devait être pendu après un coup de pistolet, le cheval qui se trouvait sous lui était censé s’emballer. Alors que la corde autour du cou de Wallach a été coupée, le cheval a été effrayé un peu trop bien. Il a galopé pendant environ un kilomètre avec Wallach toujours monté et les mains liées derrière le dos. La troisième fois que la vie de Wallach a été menacée, c’était pendant la scène où Mario Brega et lui – qui sont enchaînés ensemble – sautent d’un train en marche. La partie saut se déroule comme prévu, mais la vie de Wallach est mise en danger lorsque son personnage tente de couper la chaîne qui le lie à l’homme de main (désormais mort). Tuco place le corps sur la voie ferrée, attendant que le train roule sur la chaîne et la coupe. Wallach, et probablement toute l’équipe du film, n’étaient pas au courant des lourdes marches en fer qui dépassaient d’un pied de chaque wagon. Si Wallach s’était levé de sa position couchée au mauvais moment, l’une des marches saillantes aurait pu le décapiter.
Le pont du film a été reconstruit deux fois par des sapeurs de l’armée espagnole après avoir été piégé pour une démolition à l’explosif devant la caméra. La première fois, un caméraman italien a fait signe qu’il était prêt à tourner, ce qui a été mal interprété par un capitaine de l’armée comme le mot espagnol à consonance similaire signifiant « commencer ». Personne n’a été blessé lors de cette erreur de timing. L’armée a reconstruit le pont pendant que d’autres plans étaient tournés. Comme le pont n’était pas un accessoire, mais une structure plutôt lourde et robuste, de puissants explosifs ont été nécessaires pour le détruire. Leone a déclaré que cette scène était, en partie, inspirée du film muet de Buster Keaton, Le Général.
Comme une distribution internationale a été employée, les acteurs ont joué dans leur langue maternelle. Eastwood, Van Cleef et Wallach parlaient anglais, et ont été doublés en italien pour la première sortie à Rome. Pour la version américaine, les voix des acteurs principaux ont été utilisées, mais les acteurs secondaires ont été doublés en anglais. Le résultat est perceptible dans la mauvaise synchronisation des voix avec les mouvements des lèvres à l’écran ; aucun dialogue n’est complètement synchrone car Leone a rarement tourné ses scènes avec un son synchronisé. Diverses raisons ont été invoquées pour expliquer ce phénomène : Leone aimait souvent faire jouer la musique de Morricone sur une scène et éventuellement crier des choses aux acteurs pour les mettre dans l’ambiance. Leone accordait plus d’importance aux images qu’aux dialogues (son anglais était, au mieux, limité). Compte tenu des limitations techniques de l’époque, il aurait été difficile d’enregistrer le son proprement dans la plupart des plans extrêmement larges que Leone utilisait fréquemment. De plus, une pratique courante dans les films italiens de l’époque était de tourner en silence et de faire un post-doublage. Quelle que soit la raison réelle, tous les dialogues du film ont été enregistrés en postproduction.
À la fin du tournage, Eastwood en avait finalement assez des traits de mise en scène perfectionnistes de Leone. Leone, souvent avec force, insistait pour tourner les scènes sous de nombreux angles différents, en prêtant attention aux plus infimes détails, ce qui épuisait souvent les acteurs. Leone, qui était obèse, était également une source d’amusement pour ses excès, et Eastwood a trouvé un moyen de gérer le stress d’être dirigé par lui en faisant des blagues sur lui et en le surnommant « Yosemite Sam » pour son mauvais tempérament. Une fois le film terminé, Eastwood ne travailla plus jamais avec Leone, refusant plus tard le rôle d’Harmonica dans Il était une fois dans l’Ouest (1968), pour lequel Leone s’était personnellement rendu à Los Angeles pour lui remettre le scénario. Le rôle est finalement revenu à Charles Bronson. Des années plus tard, Leone se vengea d’Eastwood pendant le tournage d’Il était une fois en Amérique en décrivant les capacités d’acteur d’Eastwood comme étant un bloc de marbre ou de cire et inférieures aux capacités d’acteur de Robert De Niro, en disant : « Eastwood se déplace comme un somnambule entre les explosions et les salves de balles, et il est toujours le même – un bloc de marbre. Bobby est avant tout un acteur, Clint est avant tout une star. Bobby souffre, Clint bâille ». Eastwood a par la suite offert à un ami le poncho qu’il portait dans les trois films, où il a été accroché dans un restaurant mexicain de Carmel, en Californie.
CinématographieEdit
Dans sa représentation de la violence, Leone a utilisé son style de filmage long et rapproché caractéristique, qu’il a réalisé en mélangeant des plans extrêmes de visage et des plans longs et balayés. En procédant ainsi, Leone a réussi à mettre en scène des séquences épiques ponctuées par des plans extrêmes des yeux et du visage, ou des mains qui tendent lentement vers un pistolet rangé dans son étui. Cela fait monter la tension et le suspense en permettant aux spectateurs de savourer les performances et les réactions des personnages, créant ainsi un sentiment d’excitation, tout en donnant à Leone la liberté de filmer de magnifiques paysages. Leone a également incorporé de la musique pour faire monter la tension et la pression avant et pendant les nombreux gunfights du film.
En filmant les gunfights pivots, Leone supprime largement les dialogues pour se concentrer davantage sur les actions des personnages, ce qui était important lors de l’emblématique impasse mexicaine du film. Ce style se retrouve également chez l’un des protagonistes du film, Blondie (The Man with No Name), décrit par les critiques comme étant plus défini par ses actions que par ses paroles. Ces trois personnages peuvent être considérés comme des anti-héros, qui tuent pour leur intérêt personnel. Leone a également utilisé des trucages stylistiques, tels que Blondie tirant le chapeau de la tête d’une personne et tranchant le nœud coulant d’un pendu avec un tir bien placé, dans plusieurs de ses fusillades emblématiques.
MusicEdit
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La partition est composée par Ennio Morricone, collaborateur fréquent de Leone. Le Bon, la Brute et le Truand a brisé les conventions précédentes sur la façon dont les deux avaient précédemment collaboré. Au lieu de composer la musique du film au stade de la post-production, ils ont décidé de travailler ensemble sur les thèmes avant le début du tournage, afin que la musique aide à inspirer le film au lieu que ce soit le film qui inspire la musique. Leone a même joué la musique sur le plateau et coordonné les mouvements de caméra en fonction de la musique. La voix distincte d’Edda Dell’Orso est perceptible tout au long de la composition « The Ecstasy of Gold ». Le son distinct du guitariste Bruno Battisti D’Amorio peut être entendu sur les compositions « The Sundown » et « Padre Ramirez ». Les trompettistes Michele Lacerenza et Francesco Catania sont présents sur « The Trio ». La seule chanson comportant des paroles est « The Story of a Soldier » ; les paroles ont été écrites par Tommie Connor. Les compositions originales distinctives de Morricone, contenant des coups de feu, des sifflements (par John O’Neill) et du yodel, imprègnent le film. Le thème principal, ressemblant au hurlement d’un coyote (qui se confond avec un hurlement réel de coyote dans le premier plan après le générique de début), est une mélodie à deux tons qui est un motif fréquent, et qui est utilisée pour les trois personnages principaux. Un instrument différent a été utilisé pour chacun d’eux : flûte pour Blondie, ocarina pour Angel Eyes, et voix humaines pour Tuco. La partition s’inscrit dans le contexte de la guerre de Sécession et contient la ballade triste « The Story of a Soldier », chantée par les prisonniers lorsque Tuco est torturé par Angel Eyes. Le point culminant du film, une impasse mexicaine à trois, commence avec la mélodie de « The Ecstasy of Gold » et est suivi par « The Trio » (qui contient une allusion musicale au travail précédent de Morricone sur For a Few Dollars More).
« The Ecstasy of Gold » est le titre d’une chanson utilisée au sein de The Good, The Bad and the Ugly. Composée par Morricone, elle est l’une de ses œuvres les plus établies au sein de la musique du film. La chanson a longtemps été utilisée dans la culture populaire. Elle est interprétée par Edda Dell’Orso, une chanteuse italienne. Outre la voix, la chanson fait appel à des instruments de musique tels que le piano, la batterie et les clarinettes. La chanson est jouée dans le film lorsque le personnage de Tuco est en extase à la recherche d’or, d’où le nom de la chanson, « L’extase de l’or ». Dans la culture populaire, la chanson a été utilisée par des artistes tels que Metallica, qui l’ont utilisée pour ouvrir leurs concerts et l’ont même reprise. D’autres groupes, tels que les Ramones, ont repris la chanson dans leurs albums et leurs spectacles. La chanson a également été samplée dans le genre hip-hop, notamment par des rappeurs tels qu’Immortal Technique et Jay-Z. L’extase de l’or a également été utilisée de manière cérémoniale par le Los Angeles Football Club pour ouvrir les matchs à domicile.
Le thème principal, également intitulé « The Good, the Bad and the Ugly », a été un succès en 1968, l’album de la bande originale restant dans les charts pendant plus d’un an, atteignant la quatrième place du Billboard pop album chart et la dixième place du black album chart. Le thème principal a également été un succès pour Hugo Montenegro, dont l’interprétation a été un single pop n°2 du Billboard en 1968.
Dans la culture populaire, le groupe new wave américain Wall of Voodoo a interprété un medley des thèmes de films d’Ennio Morricone, dont celui de ce film. Le seul enregistrement connu de ce dernier est une performance live sur The Index Masters. Le groupe de punk rock The Ramones a joué cette chanson en ouverture de leur album live Loco Live ainsi que lors de concerts jusqu’à leur dissolution en 1996. Le groupe de heavy metal britannique Motörhead a joué le thème principal comme musique d’ouverture lors de la tournée « No sleep ’til Hammersmith » de 1981. Le groupe américain de heavy metal Metallica a joué « The Ecstasy of Gold » comme musique d’ouverture lors de ses concerts depuis 1985 (sauf de 1996 à 1998), et a enregistré en 2007 une version de l’instrumental pour une compilation hommage à Morricone. L’émission The Opie & Anthony Show de la radio satellite XM ouvre également chaque émission avec « The Ecstasy of Gold ». La chanson « Urban Struggle » du groupe de punk rock américain The Vandals commence par le thème principal. Le groupe britannique d’électronique Bomb the Bass a utilisé le thème principal comme l’un des nombreux échantillons de son single « Beat Dis » de 1988, et a utilisé des sections du dialogue de Tuco’s hanging sur « Throughout The Entire World », le morceau d’ouverture de leur album Unknown Territory de 1991. Ce dialogue ainsi qu’une partie du dialogue de la mule de Fistful of Dollars ont également été samplés par Big Audio Dynamite sur leur single Medicine Show de 1986. Le thème principal a également été échantillonné/recréé par le groupe britannique New Order pour la version album de leur single de 1993 « Ruined in a Day ». Une chanson du groupe Gorillaz est nommée « Clint Eastwood », et comporte des références à l’acteur, ainsi qu’un échantillon répété de la chanson thème ; le cri iconique figurant dans la partition de The Good, the Bad and the Ugly est entendu au début du clip vidéo.
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