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Le retable de Mérode,de Robert Campin, est un triptyque de l’Annonciation plein de sens symbolique, qui devait conduire les fidèles à une profonde contemplation des mystères du Christ, qui a quitté le ciel pour se faire homme. Dans ce billet, nous allons explorer l’histoire et le contexte de l’œuvre. Si vous souhaitez en savoir plus sur l’iconographie et les sens cachés de l’œuvre, vous pouvez consulter ce billet ici.

Les trois noms de l’artiste du retable de Mérode

Robert Campin (vers 1375-1444), était également connu comme le maître de Flemalle. L’un des premiers grands maîtres de l’école flamande et du début des Pays-Bas, ses œuvres illustrent les caractéristiques de la Renaissance du Nord.

Robert Campin était un peintre bien connu, et bien documenté, durant sa vie. Malgré cela, ce n’est que récemment, qu’il a été reconnu par les historiens de l’art. Cela est dû en partie au fait que Campin était couramment appelé le Maître de Flemalle. Avant que l’identité de Robert Campin ne soit confirmée, cette œuvre était répertoriée comme étant peinte par « le Maître du Retable de Mérode ». Il y avait une confusion sur le fait que le Maître de Flemalle, le Maître du Retable de Mérode et Robert Campin étaient la même personne.

Il est facile de prendre pour acquis que l’étiquette sur une œuvre est une certitude. En réalité, les attributions sont souvent les meilleures suppositions, et à mesure que l’on découvre plus d’informations, des modifications doivent être apportées. Dans le cas présent, on a trouvé trois peintures similaires qui étaient celles de Campin. Ces découvertes ont permis d’ajouter le Retable de Mérode au corpus d’œuvres attribuées à Robert Campin.

En raison de cette confusion, dans le passé, plusieurs de ses œuvres ont été attribuées à d’autres artistes. Certaines sont encore contestées. Campin ne signait pas systématiquement ses tableaux, et quand il le faisait, c’était souvent sur le cadre. Les cadres ne sont pas toujours conservés et, en l’absence de signature, les experts doivent se livrer à un travail de détective et émettre des hypothèses. Au fur et à mesure que de nouvelles informations sont mises en lumière, de nouvelles évaluations sont faites.

Le retable de la Mérode, également appelé Triptyque de l’Annonciation, huile sur panneau de bois, par Robert Campin, vers 1425 ; au Cloisters, New York.

Le retable de la Mérode

Le retable de la Mérode, peint en 1425, est une petite œuvre portable destinée aux dévotions personnelles. L’œuvre est un triptyque, c’est-à-dire qu’elle comporte trois panneaux qui sont articulés de manière à ce que les peintures latérales puissent être repliées. Lorsque le Retable de Mérode est exposé déplié, l’œuvre mesure 2 pieds de haut et 4 pieds de large. Cette taille signifiait que l’œuvre pouvait être facilement transportée et exposée dans une maison.

Le panneau central a été peint en premier, probablement sans commande. L’artiste choisissait un thème populaire, le peignait, puis une fois qu’il était acheté, les panneaux latéraux étaient ajoutés. Les panneaux latéraux contenaient tous les détails que le nouveau propriétaire souhaitait ajouter. Dans ce cas, le donateur voulait se faire peindre sur l’aile gauche. Il était courant que la personne qui achetait une œuvre se fasse peindre elle-même. Les panneaux latéraux sont articulés pour que la pièce puisse être repliée.

L’œuvre est actuellement détenue par The Cloisters, qui fait partie du Metropolitan Museum de New York.

Portraits de la Vierge

Dans ce retable, le donateur et sa femme sont peints sur le panneau de gauche. Cela suit une longue tradition consistant à peindre la personne qui paie une œuvre dans le tableau dans une attitude d’adoration. Au Moyen Âge et à la Renaissance, ces portraits, parfois appelés portraits votifs, étaient souvent sur des panneaux latéraux, comme si les personnages étaient présents, regardant les histoires sacrées se dérouler.

Le mot votif signifie consacré ou exécuté par dévotion. Si une personne achetait un retable pour un bâtiment public, son don généreux lui assurait des prières pour son âme à perpétuité. Parfois, les donateurs étaient des groupes de personnes, peut-être une guilde ou une confrérie.

Les donateurs étaient souvent peints beaucoup plus petits que les personnages bibliques, et étaient agenouillés. Le plus souvent, les personnages bibliques semblent ignorer la présence du donateur agenouillé, mais un saint patron pourrait être avec le donateur, peut-être avec une main sur son épaule.

Dans les œuvres ultérieures de la Renaissance, les artistes ont commencé à travailler les donateurs dans les peintures elles-mêmes, en en faisant un visage dans la foule, un soldat, etc.

Peinture à l’huile

La peinture à la détrempe, utilisée pendant la Renaissance italienne, est opaque et rapide à sécher. La tempera était fabriquée en mélangeant des pigments avec de l’eau, puis des jaunes d’œufs, et généralement un autre ingrédient liant. Sans cet élément supplémentaire, la tempera se fissurait, voire s’écaillait. Les artistes recouvraient souvent une œuvre d’un vernis pour lui donner un peu de la brillance et de la profondeur des couleurs obtenues avec les peintures à l’huile, mais les vernis fonçaient avec le temps et ne pouvaient pas créer les propriétés de réflexion de la lumière de l’huile. La tempera était le médium utilisé dans les fresques, ou les peintures sur les murs en plâtre qui étaient typiques des églises et des palais italiens.

En revanche, le Retable de Mérode est une peinture à l’huile sur un panneau de bois. Les panneaux de bois, bien qu’ils ne soient pas inconnus en Italie, étaient beaucoup plus courants dans les régions du nord de l’Europe. Les panneaux étaient mieux adaptés au médium de l’huile et Campin et ses contemporains ont repoussé les limites de ce qui pouvait être réalisé avec des huiles.

La peinture à l’huile se perfectionnait dans le Nord où ses qualités lumineuses et la possibilité de peindre avec plus de clarté et de détails étaient prisées. Le pigment est mis en suspension dans une huile, généralement de lin. Cela permet d’obtenir une charge pigmentaire plus élevée et des couleurs plus profondes. L’huile permet également une plus grande variation des couleurs, ce qui signifie que les artistes pouvaient peindre avec une plus grande précision. L’huile est translucide, la lumière peut la traverser. Lorsqu’elle est appliquée en couches, les artistes peuvent créer beaucoup de profondeur et d’ombre, créant des effets semblables à ceux des bijoux aux couleurs profondes. Ils pouvaient construire lentement des couches, résolvant ainsi une partie du mystère derrière ces fines couches filmées que l’on voit parfois. L’huile séchait lentement, ce qui permettait aux artistes d’avoir plus de liberté pour corriger et changer au fur et à mesure qu’ils travaillaient.

Ces couches de peinture à l’huile donnaient aux objets une profondeur et une beauté qui surprenaient un monde habitué à l’aspect plat de la peinture à la détrempe.

La lumière et la couleur nordiques

La peinture nordique est particulièrement remarquable pour son utilisation de la lumière et de la couleur, qui a été largement rendue possible par l’adoption de l’huile. Je suis attiré par le travail de ces artistes nordiques parce que je préfère les couleurs claires et intenses et la lumière croustillante. Une fois que vous vous êtes familiarisé avec plusieurs peintres du Nord, il est facile de les identifier. Il y a une sensation distinctive qu’il est difficile de définir avec des mots.

En examinant l’œuvre de Campin de plus près, notez les couleurs et les jeux de lumière. C’est magnifique. Bien sûr, dans les reproductions, on perd le jeu de lumière à travers les huiles. Les détails exquis sont difficiles à apprécier. Cependant, même une reproduction nous donne un aperçu de la profondeur des couleurs obtenues. Lorsqu’elles sont vues en personne, les œuvres comme celle-ci sont à couper le souffle. J’espère que vous aurez l’occasion d’en voir en personne.

Les caractéristiques de la peinture nordique exposées dans le retable de Mérode

Au delà de la peinture proprement dite, il y a quelques autres caractéristiques de la peinture nordique à garder à l’esprit. La Renaissance nordique s’est développée indépendamment, de manière différente de la Renaissance en Italie. En Italie, la combinaison de la religion, de l’humanisme et du classicisme était essentielle. Cela signifiait que les détails architecturaux anciens et l’accent mis sur la perspective linéaire (discutée ici) et la perspective aérienne (discutée ici), étaient mis en avant. Dans l’art classique, les artistes essayaient de « tromper l’œil » pour faire croire au spectateur qu’il regardait la réalité. Ils valorisaient également les figures mythiques et bibliques, et non les événements ou les personnes du quotidien.

Dans l’art nordique, les éléments classiques sont absents. La religion et l’humanisme sont évidents, mais sans les éléments classiques. Les artistes du Nord abordaient les sujets de leurs peintures différemment. Il y avait un intérêt et une élévation de la vie quotidienne, et pas seulement des moments héroïques de l’histoire ou du mythe. Si l’on peignait bien sûr la noblesse, on peignait également des gens ordinaires qui vaquaient à leurs occupations. Cela a créé une toute nouvelle catégorie d’œuvres, la peinture de genre.

Une grande partie de l’inspiration de la Renaissance du Nord est venue des manuscrits enluminés. Comme nous l’avons vu précédemment, ces œuvres étonnantes avaient atteint un grand réalisme et une attention obsessionnelle aux détails. Les artistes du Nord ne se sont pas contentés de peindre les détails, ils les ont rendus complexes, nets et clairs. Souvent, les détails étaient imprégnés de significations. Plus tard dans notre discussion sur cette pièce, nous verrons que même les petites sculptures sur le banc étaient porteuses de sens et ajoutaient à l’histoire racontée.

En fait, le Nord valorisait un certain élément secret dans la signification des détails. Certains symboles, comme le pain et le vin pour l’Eucharistie, étaient universellement compris, mais d’autres nécessitaient réflexion et travail de détective pour les reconstituer. Cet exercice intellectuel était destiné à prolonger la valeur contemplative d’une œuvre. Il y avait toujours plus que ce que l’on voit, plus à découvrir au fur et à mesure que l’on considère une peinture.

Les significations cachées dans cette œuvre sont si étendues que j’ai consacré un autre post à leur discussion, vous pouvez le trouver ici. Si vous souhaitez voir des vidéos d’histoire de l’art que j’ai réalisées, vous pouvez consulter ma chaîne youtube ici.

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Sources

E.H. Gombrich, The Story of Art. (New York, Phaidon Press, 2016)

Hugh Honour et John Fleming, Les arts visuels : Une histoire (Laurence King Pulishing Ltd, Londres, Angleterre 2018)

Professeur Sharon Latchaw Hirsh, Comment regarder et comprendre le grand art, série de conférences, Great Courses

Professeur William Koss, Histoire de l’art européen série de conférences, Great Courses

Sœur Wendy Beckett, L’histoire de la peinture (Londres, Dorsey Kindersley, 2000)

Marilyn Stokstad, Histoire de l’art. (New Jersey, Pearson Education, 2005)

Site web de la National Gallery of Art www.nga.gov

Site web du Metropolitan Museum of Art www.metmuseum.org

Le Getty Center www.getty.edu

https://www.metmuseum.org/toah/works-of-art/56.70/

Et grâce au Met et à Wiki commons, des images de qualité pour l’art du domaine public sont maintenant beaucoup plus facilement accessibles.

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