La Pala del Merode, di Robert Campin, è un trittico dell’Annunciazione pieno di significati simbolici, che doveva condurre i fedeli alla contemplazione profonda dei misteri di Cristo, che ha lasciato il cielo per diventare uomo. In questo post, esploreremo la storia e il contesto dell’opera. Se vuoi saperne di più sull’iconografia e sui significati nascosti dell’opera, puoi leggere questo post qui.
I tre nomi dell’artista della Pala Merode
Robert Campin (1375-1444 circa), era anche conosciuto come il Maestro di Flemalle. Uno dei primi grandi maestri della scuola fiamminga e del primo Netherland, le sue opere esemplificano le caratteristiche del Rinascimento settentrionale.
Robert Campin fu un pittore molto conosciuto e ben documentato durante la sua vita. Nonostante questo, è stato solo di recente che ha ricevuto il riconoscimento degli storici dell’arte. In parte questo è dovuto al fatto che Campin era abitualmente indicato come il Maestro di Flemalle. Prima che l’identità di Robert Campin fosse confermata, quest’opera era indicata come dipinta dal “Maestro della Pala Merode”. C’era confusione sul fatto che il Maestro di Flemalle, il Maestro della Pala Merode e Robert Campin fossero la stessa persona.
È facile dare per scontato che l’etichetta su un’opera sia una certezza. La realtà è che spesso le attribuzioni sono ipotesi, e man mano che si scoprono più informazioni si devono fare dei cambiamenti. In questo caso, sono stati trovati tre dipinti simili che erano di Campin. Queste scoperte hanno permesso di aggiungere la Pala Merode al corpo di opere attribuite a Robert Campin.
A causa di questa confusione, in passato, molte delle sue opere sono state attribuite ad altri artisti. Alcune sono ancora contestate. Campin non firmava abitualmente i suoi quadri, e quando lo faceva, era spesso sulla cornice. Le cornici non sempre sopravvivono, quindi senza una firma gli esperti devono ricorrere al lavoro investigativo e fare un’ipotesi. Man mano che vengono alla luce nuove informazioni, vengono fatte nuove valutazioni.
La Pala di Mérode, chiamata anche Trittico dell’Annunciazione, olio su tavola, di Robert Campin, 1425 circa; al Cloisters, New York City.
La Pala di Merode
La Pala di Merode, dipinta nel 1425, è una piccola opera portatile destinata alle devozioni personali. L’opera è un trittico, cioè ha tre pannelli che sono incernierati in modo che i dipinti laterali possono essere ripiegati. Quando la pala d’altare Merode viene visualizzata dispiegata, l’opera è alta 2 piedi e larga quattro piedi. Questa dimensione significava che l’opera poteva essere facilmente trasportata ed esposta in una casa.
Il pannello centrale fu dipinto per primo, probabilmente senza una commissione. L’artista sceglieva un tema popolare, lo dipingeva e poi, una volta acquistato, venivano aggiunti i pannelli laterali. I pannelli laterali contenevano tutti i dettagli che il nuovo proprietario voleva aggiungere. In questo caso, il donatore voleva essere dipinto sull’ala sinistra. Era comune per la persona che acquistava un’opera farsi dipingere. I pannelli laterali sono incernierati in modo che l’opera possa essere ripiegata.
L’opera è attualmente detenuta da The Cloisters, parte del Metropolitan Museum di New York City.
Ritratti votivi
In questa pala d’altare, il donatore e sua moglie sono dipinti sul pannello sinistro. Questo segue una lunga tradizione di dipingere la persona che paga un’opera nel dipinto in un atteggiamento di adorazione. Durante il Medioevo e il Rinascimento questi ritratti, a volte chiamati ritratti votivi, erano spesso su pannelli laterali come se le figure fossero presenti, guardando le storie sacre svolgersi.
La parola votiva significa consacrata o eseguita per devozione. Se una persona acquistava una pala d’altare per un edificio pubblico, il suo generoso dono assicurava che avrebbe avuto preghiere per le sue anime in perpetuo. A volte i donatori erano gruppi di persone, forse una gilda o una confraternita.
I donatori erano spesso dipinti molto più piccoli delle figure bibliche, ed erano inginocchiati. Il più delle volte le figure bibliche appaiono inconsapevoli della presenza del donatore inginocchiato, ma un santo patrono potrebbe essere con il donatore, forse con una mano sulla sua spalla.
Nelle opere rinascimentali successive gli artisti iniziarono a lavorare i donatori nei dipinti stessi, rendendoli un volto nella folla, un soldato ecc.
Pittura a olio
La pittura a tempera, usata durante il Rinascimento italiano, è opaca e veloce da asciugare. La tempera era fatta mescolando pigmenti con acqua, poi tuorli d’uovo e generalmente un altro ingrediente legante. Senza un ulteriore elemento “collante” la tempera si crepava e si sfaldava. Gli artisti spesso coprivano un’opera con una vernice per darle un po’ della lucentezza e del colore profondo che i colori ad olio raggiungevano, ma le vernici si scurivano con il tempo e non potevano creare le proprietà di riflessione della luce dell’olio. La tempera era il mezzo usato nei dipinti ad affresco, o dipinti su pareti di gesso che erano tipici nelle chiese e nei palazzi italiani.
Al contrario, la Pala Merode è un dipinto a olio su un pannello di legno. Le tavole di legno, pur non essendo sconosciute in Italia, erano molto più comuni nelle aree settentrionali dell’Europa. Le tavole erano più adatte al mezzo dell’olio e Campin e i suoi contemporanei spinsero i limiti di ciò che si poteva ottenere con l’olio.
La pittura a olio si stava perfezionando nel Nord dove le sue qualità luminose e la capacità di dipingere con più chiarezza e dettaglio erano apprezzate. Il pigmento è sospeso in un olio, tipicamente di lino. Questo permette un carico di pigmenti più alto e colori più profondi. L’olio permette anche una grande variazione di colori, il che significava che gli artisti potevano dipingere con maggiore precisione. L’olio è traslucido, la luce poteva passare attraverso di esso. Quando applicato a strati, gli artisti potevano creare una grande quantità di profondità e ombra, creando effetti simili a gioielli profondamente colorati. Potevano costruire lentamente gli strati, risolvendo un po’ del mistero che si cela dietro quei sottili strati di pellicola che a volte si vedono. L’olio si asciugava lentamente e questo permetteva agli artisti più libertà di correggere e cambiare mentre lavoravano.
Questi strati di pittura a olio davano agli oggetti una profondità e una bellezza che era sorprendente per un mondo abituato all’aspetto piatto della pittura a tempera.
Luce e colore del Nord
La pittura del Nord è particolarmente nota per il suo uso della luce e del colore, che fu largamente possibile grazie all’adozione degli oli. Sono attratto dal lavoro di questi artisti del Nord perché preferisco i colori chiari e intensi e la luce nitida. Una volta che si diventa familiari con diversi pittori del Nord, sono facili da identificare. C’è una sensazione distintiva che è difficile da definire con le parole.
Esaminando il lavoro di Campin più da vicino, notate i colori e i giochi di luce. È stupendo. Naturalmente, nelle riproduzioni, si perde il gioco di luce attraverso gli oli. I dettagli squisiti sono difficili da apprezzare. Tuttavia, anche una riproduzione ci dà un’idea della profondità di colore raggiunta. Se viste di persona, opere come questa tolgono il fiato. Spero che avrete l’opportunità di vederne alcune di persona.
Caratteristiche della pittura nordica esposte nella Pala Merode
A parte la pittura vera e propria, ci sono alcune altre caratteristiche della pittura nordica da tenere a mente. Il Rinascimento settentrionale si sviluppò indipendentemente, in modi che differivano dal Rinascimento in Italia. In Italia la combinazione di religione, umanesimo e classicismo era la chiave. Questo significava dettagli architettonici antichi e un’enfasi sulla prospettiva lineare (discussa qui) e sulla prospettiva aerea (discussa qui), erano enfatizzati. Nell’arte classica gli artisti cercavano di “ingannare l’occhio” per far credere allo spettatore di stare guardando la realtà. Inoltre valorizzavano le figure mitiche e bibliche, non gli eventi o le persone di tutti i giorni.
Nell’arte nordica mancano gli elementi classici. La religione e l’umanesimo sono evidenti, ma senza gli elementi classici. Gli artisti del Nord si avvicinavano ai soggetti dei loro dipinti in modo diverso. C’era un interesse e un’elevazione della vita quotidiana, non solo i momenti eroici della storia o del mito. Mentre si dipingeva la nobiltà, c’erano anche dipinti di gente comune che viveva le sue giornate. Questo creò una categoria di lavoro completamente nuova, la pittura di genere.
Molto dell’ispirazione per il Rinascimento settentrionale venne dai Manoscritti Illuminati. Come abbiamo visto prima, queste sorprendenti opere avevano raggiunto una grande quantità di realismo e un’attenzione ossessiva ai dettagli. Gli artisti del Nord non si limitavano a dipingere dettagli, ma li rendevano intricati, nitidi e chiari. Spesso i dettagli erano intrisi di significati. Più avanti nella nostra discussione su quest’opera vedremo che anche le piccole incisioni sulla panca avevano un significato e si aggiungevano alla storia raccontata.
In effetti, il nord apprezzava un certo elemento di segretezza nel significato dei dettagli. Alcuni simboli come il pane e il vino per l’Eucaristia erano universalmente compresi, ma altri richiedevano riflessione e lavoro investigativo per metterli insieme. Questo esercizio intellettuale aveva lo scopo di estendere il valore contemplativo di un’opera. C’era sempre più di quello che si vede, più da scoprire più a lungo si considera un dipinto.
I significati nascosti in quest’opera sono così estesi che ho dedicato un altro post alla loro discussione, lo potete trovare qui. Se volete vedere i video di storia dell’arte che ho fatto potete controllare il mio canale youtube qui.
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Fonti
E.H. Gombrich, The Story of Art. (New York, Phaidon Press, 2016)
Hugh Honour e John Fleming, The Visual Arts: A History (Laurence King Pulishing Ltd., London, England 2018)
Professor Sharon Latchaw Hirsh, How to Look at and Understand Great Art, Lecture series, Great Courses
Professor William Koss, History of European Art Lecture series, Great Courses
Sister Wendy Beckett, The Story of Painting (London, Dorsey Kindersley, 2000)
Marilyn Stokstad, Art History. (New Jersey, Pearson Education, 2005)
National Gallery of Art website www.nga.gov
Metropolitan Museum of Art website www.metmuseum.org
The Getty Center www.getty.edu
https://www.metmuseum.org/toah/works-of-art/56.70/
E grazie al Met e a Wiki commons le immagini di qualità dell’arte di dominio pubblico sono ora molto più facilmente accessibili.
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