Igor Stravinsky è stato uno degli innovatori veramente epocali della musica; nessun altro compositore del XX secolo ha esercitato un’influenza così pervasiva o ha dominato la sua arte nel modo in cui Stravinsky ha fatto durante i suoi sette decenni di carriera musicale. A parte le considerazioni puramente tecniche come il ritmo e l’armonia, il segno distintivo più importante dello stile di Stravinsky è, infatti, il suo volto mutevole. Emergendo dallo spirito del tardo nazionalismo russo e terminando la sua carriera con un linguaggio spinoso e individuale intriso di principi dodecafonici, Stravinsky assunse una serie di sembianze estetiche nel corso del suo sviluppo, pur mantenendo sempre un’identità distintiva ed essenziale.
Sebbene fosse il figlio di uno dei principali bassi del Teatro Mariinsky e un pianista dilettante di talento, Stravinsky non ebbe una formazione musicale superiore a quella di qualsiasi altro bambino dell’alta borghesia russa. Entrò alla scuola di legge, ma iniziò anche studi privati di composizione e orchestrazione con Nicolai Rimsky-Korsakov. Entro il 1909, le opere orchestrali Scherzo fantastique e Fireworks avevano impressionato Sergei Diaghilev abbastanza perché chiedesse a Stravinsky di orchestrare, e successivamente comporre, balletti per la sua compagnia. La triade dei primi balletti di Stravinsky – L’uccello di fuoco (1909-1910), Petrushka (1910-1911) e, soprattutto, La sagra della primavera (1911-1913) – fece di più per stabilire la sua reputazione di qualsiasi altro suo lavoro; infatti, la rivolta che seguì la prima de La sagra è uno degli eventi più noti nella storia della musica.
Stravinsky e la sua famiglia passarono gli anni della guerra in Svizzera, tornando in Francia nel 1920. I suoi saggi del 1910 e del 1920, influenzati dal jazz, in particolare Ragtime (1918) e The Soldier’s Tale (1918), diedero il via a una delle svolte estetiche più influenti del compositore. La tensione neoclassica di opere diverse come il balletto Pulcinella (1919-1920), la Sinfonia dei Salmi (1930) e, decenni dopo, l’opera The Rake’s Progress (1948-1951) ebbe un impatto diffuso e un’influenza particolare sulla nascente scuola di compositori americani che guardavano a Stravinsky come modello primario. Aveva iniziato a fare tournée come direttore d’orchestra e pianista, generalmente eseguendo le sue opere. Negli anni ’30 fece una tournée nelle Americhe e scrisse diversi pezzi su commissione americana, tra cui il Concerto in mi bemolle, “Dumbarton Oaks”.
Dopo la morte di sua figlia, di sua moglie e di sua madre nel giro di meno di un anno, Stravinsky emigrò in America, stabilendosi in California con la sua seconda moglie nel 1940. Le sue opere tra il 1940 e il 1950 mostrano una miscela di stili, ma sembrano ancora centrate sulle tradizioni russe o francesi. La prospettiva culturale di Stravinsky fu cambiata dopo che Robert Craft divenne il suo assistente musicale, gestendo le prove per Stravinsky, viaggiando con lui, e più tardi, co-autore delle sue memorie. Craft ha il merito di aver aiutato Stravinsky ad accettare la composizione a 12 toni come uno degli strumenti del suo mestiere. Caratteristicamente, però, ha fatto un uso innovativo di tali principi nella sua musica, producendo opere in una vena altamente originale: Movements (1958-1959) per pianoforte e orchestra, Variations: Aldous Huxley in Memoriam (1963), e il Requiem Canticles (1965-1966) sono tra i più sorprendenti. Craft preparò i musicisti per l’esemplare serie di LP della Columbia Records che Stravinsky diresse durante l’era stereo, coprendo virtualmente tutte le sue opere significative. Nonostante il declino della salute nei suoi ultimi anni, Stravinsky continuò a comporre fino a poco prima della sua morte nell’aprile 1971.
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