Educazione e inizio carrieraModifica
O’Keeffe studiò e si classificò al primo posto della sua classe alla School of the Art Institute di Chicago dal 1905 al 1906, studiando con John Vanderpoel. A causa di una febbre tifoidea, dovette prendersi un anno di pausa dai suoi studi. Nel 1907, frequentò la Art Students League a New York City, dove studiò sotto William Merritt Chase, Kenyon Cox e F. Luis Mora. Nel 1908, vinse il premio William Merritt Chase della Lega per la sua pittura a olio Dead Rabbit with Copper Pot. Il suo premio era una borsa di studio per frequentare la scuola estiva all’aperto della Lega a Lake George, New York. Mentre era in città, la O’Keeffe visitò gallerie come la 291, co-proprietaria del suo futuro marito, il fotografo Alfred Stieglitz. La galleria promuoveva il lavoro di artisti d’avanguardia degli Stati Uniti e dell’Europa e di fotografi.
Nel 1908, O’Keeffe scoprì che non sarebbe stata in grado di finanziare i suoi studi. Suo padre era fallito e sua madre era gravemente malata di tubercolosi. Inoltre non era interessata a creare una carriera di pittrice basata sulla tradizione mimetica che aveva costituito la base della sua formazione artistica. Accettò un lavoro a Chicago come artista commerciale e vi lavorò fino al 1910, quando tornò in Virginia per riprendersi da un caso di morbillo e successivamente si trasferì con la sua famiglia a Charlottesville. Non dipinse per quattro anni e disse che l’odore della trementina la faceva star male. Iniziò ad insegnare arte nel 1911. Uno dei suoi incarichi fu la sua ex scuola, il Chatham Episcopal Institute in Virginia.
Fece un corso estivo d’arte nel 1912 all’Università della Virginia da Alon Bement, che era un membro della facoltà del Columbia University Teachers College. Sotto Bement, apprese le idee innovative di Arthur Wesley Dow, un collega del suo istruttore. L’approccio di Dow era influenzato dai principi dell’arte giapponese per quanto riguarda il design e la composizione. Cominciò a sperimentare composizioni astratte e a sviluppare uno stile personale che si allontanava dal realismo. Dal 1912 al 1914, insegnò arte nelle scuole pubbliche di Amarillo, nel Texas Panhandle, e fu assistente di Bement durante le estati. Prese lezioni all’Università della Virginia per altre due estati. Nella primavera del 1914 seguì anche un corso al Teachers College della Columbia University con Dow, che influenzò ulteriormente il suo pensiero sul processo di fare arte. I suoi studi all’Università della Virginia, basati sui principi di Dow, furono fondamentali nello sviluppo della O’Keeffe come artista. Attraverso la sua esplorazione e la sua crescita come artista, aiutò a stabilire il movimento del modernismo americano.
Ha insegnato al Columbia College, Columbia, South Carolina alla fine del 1915, dove completò una serie di astrazioni a carboncino altamente innovative, basate sulle sue sensazioni personali. All’inizio del 1916, O’Keeffe era a New York al Teachers College, Columbia University. O’Keeffe inviò i disegni a carboncino a un’amica ed ex compagna di classe al Teachers College, Anita Pollitzer, che li portò ad Alfred Stieglitz nella sua galleria 291 all’inizio del 1916. Stieglitz li trovò “le cose più pure, più belle e più sincere che erano entrate nella 291 da molto tempo”, e disse che gli sarebbe piaciuto mostrarli. Nell’aprile dello stesso anno, Stieglitz espose dieci dei suoi disegni al 291.
Dopo ulteriori corsi alla Columbia all’inizio del 1916 e l’insegnamento estivo per Bement, è stata presidente del dipartimento d’arte a partire dall’autunno del 1916 al West Texas State Normal College, a Canyon. Iniziò una serie di dipinti ad acquerello basati sul paesaggio e sulle ampie vedute durante le sue passeggiate, compresi i vivaci dipinti che fece del Palo Duro Canyon. La O’Keeffe, che amava le albe e i tramonti, sviluppò una passione per i colori intensi e notturni. Basandosi su una pratica iniziata nella Carolina del Sud, la O’Keeffe dipinse per esprimere le sue sensazioni e sentimenti più privati. Piuttosto che abbozzare un disegno prima di dipingere, creava liberamente i disegni. O’Keeffe continuò a sperimentare fino a quando credette di aver veramente catturato i suoi sentimenti nell’acquerello Light Coming on the Plains No. I (1917). Lei “ha catturato un paesaggio monumentale in questa semplice configurazione, fondendo pigmenti blu e verdi in gradazioni tonali quasi indistinte che simulano l’effetto pulsante della luce all’orizzonte del Texas Panhandle”, secondo l’autore Sharyn Rohlfsen Udall. Dopo l’inizio della sua relazione con Alfred Stieglitz, i suoi dipinti ad acquerello finirono rapidamente. Stieglitz la incoraggiò pesantemente a smettere perché l’uso dell’acquerello era associato a donne artiste dilettanti.
New YorkEdit
Stieglitz, ventiquattro anni più vecchio della O’Keeffe, le fornì supporto finanziario e le organizzò una residenza e un posto per dipingere a New York nel 1918. Svilupparono una stretta relazione personale mentre lui promuoveva il suo lavoro. Venne a conoscere i molti primi modernisti americani che facevano parte della cerchia di artisti di Stieglitz, compresi i pittori Charles Demuth, Arthur Dove, Marsden Hartley, John Marin, e i fotografi Paul Strand e Edward Steichen. La fotografia di Strand, così come quella di Stieglitz e dei suoi molti amici fotografi, ispirò il lavoro di O’Keeffe. Sempre in questo periodo, O’Keeffe si ammalò durante la pandemia di influenza del 1918.
O’Keeffe inizia a creare immagini semplificate di cose naturali, come foglie, fiori e rocce. Ispirato dal Precisionismo, The Green Apple, completato nel 1922, rappresenta la sua nozione di vita semplice e significativa. O’Keeffe disse quell’anno: “è solo con la selezione, l’eliminazione e l’enfasi che arriviamo al vero significato delle cose”. Blue and Green Music esprime i sentimenti di O’Keeffe sulla musica attraverso l’arte visiva, usando colori audaci e sottili.
O’Keeffe, più famosa per la sua rappresentazione di fiori, ha fatto circa 200 dipinti di fiori, che dalla metà degli anni ’20 erano rappresentazioni su larga scala di fiori, come se fossero visti attraverso una lente di ingrandimento, come i papaveri orientali e diversi dipinti di Red Canna. Nel 1924 dipinse il suo primo quadro floreale su larga scala, Petunia, No. 2, che fu esposto per la prima volta nel 1925. Fare raffigurazioni ingrandite di oggetti creava un senso di stupore e di intensità emotiva. Il 20 novembre 2014, Jimson Weed/White Flower No 1 (1932) di O’Keeffe è stato venduto all’asta per 44.405.000 dollari all’ereditiera di Walmart Alice Walton, più di tre volte il precedente record mondiale d’asta per qualsiasi artista donna.
La storica dell’arte Linda Nochlin ha interpretato Black Iris III (1926) come una metafora morfologica dei genitali femminili, ma O’Keeffe ha rifiutato questa interpretazione, affermando che erano solo immagini di fiori.
Dopo essersi trasferita nel 1925 in un appartamento al 30° piano dello Shelton Hotel, che nel 2019 è stato aggiunto alla lista del NYC LGBT Historic Sites Project, la O’Keeffe iniziò una serie di dipinti di grattacieli e skyline della città. Una delle sue opere più notevoli, che dimostra la sua abilità nel ritrarre gli edifici in stile precisionista, è il Radiator Building-Night, New York. Altri esempi New York Street with Moon (1925), The Shelton with Sunspots, N.Y. (1926), e City Night (1926). Fece un paesaggio urbano, East River from the Thirtieth Story of the Shelton Hotel nel 1928, un dipinto della sua vista dell’East River e delle fabbriche che emettono fumo nel Queens. L’anno successivo realizzò i suoi ultimi dipinti di skyline e grattacieli di New York City e viaggiò in New Mexico, che divenne una fonte di ispirazione per il suo lavoro.
Nel 1924, Stieglitz organizzò una mostra simultanea delle opere d’arte di O’Keeffe e delle sue fotografie alle Anderson Galleries e organizzò altre mostre importanti. Il Brooklyn Museum tenne una retrospettiva del suo lavoro nel 1927. Nel 1928, annunciò alla stampa che sei dei suoi dipinti di gigli di calla erano stati venduti ad un anonimo compratore in Francia per 25.000 dollari, ma non ci sono prove che questa transazione sia avvenuta nel modo in cui Stieglitz ha riferito. Tuttavia, grazie alla stampa, i dipinti della O’Keeffe furono venduti a un prezzo più alto da quel momento in poi. Verso la fine degli anni Venti era nota per il suo lavoro di artista americana, in particolare per i dipinti di grattacieli di New York e per i primi piani di fiori.
TaosEdit
O’Keeffe si recò nel New Mexico nel 1929 con la sua amica Rebecca Strand e soggiornò a Taos con Mabel Dodge Luhan, che fornì alle donne uno studio. Dalla sua stanza aveva una chiara vista delle montagne di Taos e della morada (casa di riunione) degli Hermanos de la Fraternidad Piadosa de Nuestro Padre Jesús Nazareno, alias i Penintentes. La O’Keeffe fece molti viaggi con lo zaino, esplorando le aspre montagne e i deserti della regione quell’estate e più tardi visitò il vicino D. H. Lawrence Ranch, dove completò il suo famoso dipinto a olio, The Lawrence Tree, attualmente di proprietà del Wadsworth Athenaeum di Hartford, Connecticut. O’Keeffe visitò e dipinse la vicina e storica chiesa della missione di San Francisco de Asis a Ranchos de Taos. Ha fatto diversi dipinti della chiesa, come molti artisti, e il suo dipinto di un frammento di essa che si staglia contro il cielo l’ha catturato da una prospettiva unica.
New Mexico e New YorkModifica
O’Keeffe ha poi trascorso parte di quasi ogni anno a lavorare in New Mexico. Raccoglieva rocce e ossa dal suolo del deserto e li rendeva soggetti delle sue opere insieme alle forme architettoniche e paesaggistiche distintive della zona. Conosciuta come una solitaria, O’Keeffe esplorò la terra che amava spesso nella sua Ford Model A, che acquistò e imparò a guidare nel 1929. Parlò spesso della sua passione per Ghost Ranch e per il New Mexico settentrionale, come nel 1943, quando spiegò: “Un posto così bello, incontaminato e solitario, una parte così bella di quello che io chiamo il ‘Faraway’. È un posto che ho già dipinto in passato… anche ora devo farlo di nuovo.”
O’Keeffe non lavorò dalla fine del 1932 fino a circa la metà degli anni ’30 perché ebbe vari esaurimenti nervosi e fu ricoverata in un ospedale psichiatrico. Questi esaurimenti nervosi erano il risultato della scoperta da parte della O’Keeffe della relazione del marito. Era un’artista popolare, ricevendo una serie di commissioni mentre le sue opere venivano esposte a New York e in altri luoghi. Nel 1936, completò quello che sarebbe diventato uno dei suoi dipinti più noti, Summer Days. Rappresenta una scena desertica con un teschio di cervo con vivaci fiori selvatici. Assomigliando a Testa d’ariete con Santolina, raffigura il teschio che galleggia sopra l’orizzonte.
Nel 1938, l’agenzia pubblicitaria N. W. Ayer & Son si rivolse a O’Keeffe per creare due dipinti per la Hawaiian Pineapple Company (ora Dole Food Company) da usare nella pubblicità. Altri artisti che produssero dipinti delle Hawaii per la pubblicità della Hawaiian Pineapple Company includono Lloyd Sexton, Jr, Millard Sheets, Yasuo Kuniyoshi, Isamu Noguchi e Miguel Covarrubias. L’offerta arrivò in un momento critico della vita della O’Keeffe: aveva 51 anni e la sua carriera sembrava in fase di stallo (i critici definivano limitata la sua attenzione al New Mexico e bollavano le sue immagini del deserto come “una sorta di produzione di massa”). Arrivò a Honolulu l’8 febbraio 1939, a bordo della SS Lurline e trascorse nove settimane a Oahu, Maui, Kauai e nell’isola di Hawaii. Il periodo di gran lunga più produttivo e vivace fu a Maui, dove le fu data completa libertà di esplorare e dipingere. Dipinse fiori, paesaggi e ami da pesca tradizionali hawaiani. Tornata a New York, la O’Keeffe completò una serie di 20 dipinti sensuali e verdeggianti. Tuttavia, non dipinse l’ananas richiesto finché la Hawaiian Pineapple Company non inviò una pianta al suo studio di New York.
Durante gli anni ’40, O’Keeffe ebbe due retrospettive personali, la prima all’Art Institute di Chicago (1943). La seconda nel 1946, quando fu la prima artista donna ad avere una retrospettiva al Museum of Modern Art (MoMA) di Manhattan. Il Whitney Museum of American Art iniziò uno sforzo per creare il primo catalogo del suo lavoro a metà degli anni ’40.
Negli anni ’40, la O’Keeffe fece una vasta serie di dipinti di quello che viene chiamato il “Black Place”, circa 150 miglia (240 km) a ovest della sua casa di Ghost Ranch. O’Keeffe disse che il Black Place assomigliava a “un miglio di elefanti con colline grigie e sabbia bianca ai loro piedi”. Ha fatto dipinti del “White Place”, una formazione rocciosa bianca situata vicino alla sua casa di Abiquiú.
AbiquiúEdit
Cielo sopra le nuvole IV, 1965, olio su tela, The Art Institute of Chicago.
Cascata – Fine della strada – ‘Iao Valley, 1939, olio su tela, Honolulu Museum of Art.
Nel 1946, cominciò a rendere le forme architettoniche della sua casa Abiquiú – muro del patio e porta – soggetti del suo lavoro. Un altro dipinto distintivo fu Ladder to the Moon, 1958. La O’Keeffe produsse una serie di paesaggi nuvolosi, come Sky above the Clouds, a metà degli anni Sessanta, ispirati alle sue vedute dai finestrini degli aerei.
Il Worcester Art Museum tenne una retrospettiva delle sue opere nel 1960 e dieci anni dopo il Whitney Museum of American Art organizzò la Georgia O’Keeffe Retrospective Exhibition.
Nel 1972 la O’Keeffe perse gran parte della vista a causa della degenerazione maculare, lasciandole solo la visione periferica. Nel 1972 smette di dipingere a olio senza assistenza. Negli anni Settanta realizzò una serie di opere ad acquerello. La sua autobiografia, Georgia O’Keeffe, pubblicata nel 1976 fu un best seller.
Judy Chicago diede alla O’Keeffe un posto di rilievo nel suo The Dinner Party (1979) in riconoscimento di ciò che molte importanti artiste femministe consideravano l’introduzione innovativa di immagini sensuali e femministe nelle sue opere d’arte. Anche se le femministe hanno celebrato O’Keeffe come l’originatore della “iconografia femminile”, O’Keeffe ha rifiutato di unirsi al movimento artistico femminista o di cooperare con qualsiasi progetto per sole donne. Non le piaceva essere chiamata “artista donna” e voleva essere considerata “artista”.
Continuò a lavorare a matita e carboncino fino al 1984.
Premi e riconoscimentiModifica
Nel 1938, la O’Keeffe ricevette la laurea honoris causa di “Doctor of Fine Arts” dal College of William & Mary. In seguito, O’Keeffe è stata eletta all’American Academy of Arts and Letters e nel 1966 è stata eletta Fellow dell’American Academy of Arts and Sciences. Tra i suoi premi e onorificenze, la O’Keeffe ricevette il M. Carey Thomas Award al Bryn Mawr College nel 1971 e due anni dopo ricevette una laurea honoris causa dalla Harvard University.
Nel 1977, il presidente Gerald Ford conferì alla O’Keeffe la Medaglia presidenziale della libertà, la più alta onorificenza assegnata ai civili americani. Nel 1985, il presidente Ronald Reagan le ha conferito la National Medal of Arts. Nel 1993, è stata inserita nella National Women’s Hall of Fame.
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