Aller à des spectacles en direct peut être incroyable, mais il est rare qu’une version live d’une chanson soit meilleure que ce qu’un artiste particulier a déjà enregistré sur bande. (La production prend des semaines, coûte des fortunes, et nécessite des producteurs pour une raison). Mais cela arrive, et quand c’est le cas – quand une chanson en direct surpasse sa version originale – cela peut être une chose magique. Vous trouverez ci-dessous quelques-unes de nos préférées, des classiques largement reconnus à des titres plus confidentiels.
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1. Johnny Cash, « Folsom Prison Blues », extrait de l’album At Folsom Prison de 1968
1. Johnny Cash, « Folsom Prison Blues, » extrait de l’album At Folsom Prison de 1968
Bien que Johnny Cash ait enregistré pour la première fois « Folsom Prison Blues » (à propos du pénitencier californien du titre) en 1955, il n’est pas réellement entré dans la prison avant janvier 1968. C’est alors que, dans le cadre de son programme de sensibilisation à la vie carcérale, il y enregistre non pas un, mais deux concerts, l’un à 9 h 40 et l’autre à 12 h 40, au cas où le premier ne serait pas à la hauteur. L’album live qui en résulte, At Folsom Prison, est le 27e album officiel de Cash et, même aujourd’hui, l’un de ses meilleurs. Des titres tels que « Jackson » et « 25 Minutes To Go » sont des monstres, mais le morceau d’ouverture « Folsom Prison Blues » est le véritable point fort de l’album. Accompagné d’un tas de braillements de prison et de l’introduction stoïque de Cash « Hello, I’m Johnny Cash », le morceau live est une pure catharsis. Cash donne à cette chanson décousue tout ce qu’il a, un hommage approprié à son public, et les prisonniers lui rendent bien cette énergie, ayant inspiré à la fois le morceau et les précédentes performances de Cash en prison. Il est un peu déstabilisant d’entendre des acclamations après la ligne sur la façon dont Cash » a tiré sur un homme à Reno juste pour le regarder mourir « , mais si quelqu’un pourrait comprendre la désaffection froide du sentiment, c’est ce public.
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2. Elvis Presley, « Trouble », extrait de l’album Elvis de 1968
2. Elvis Presley, « Trouble, » extrait de l’album Elvis de 1968
Le catalogue de chansons d’Elvis est vaste, et pour chaque single emblématique comme « Blue Suede Shoes », il y a une douzaine d’efforts de studio pour la plupart oubliés comme « Trouble », un air de Lieber et Stoller extrait de l’album King Creole de 1958, qui, tant sur le plan musical que sur celui des paroles, rend hommage à Bo Diddley et Muddy Waters. Mais la chanson a été immortalisée dix ans plus tard, lorsqu’Elvis l’a utilisée pour ouvrir Elvis, plus connu sous le nom de ’68 Comeback Special’. Il commence le spécial en grognant les paroles d’ouverture, « If you’re looking for trouble / You came to the right place » (Si vous cherchez des ennuis / Vous êtes venu au bon endroit), en présentant une version brute de la chanson qui rappelle ses premiers enregistrements électrisants. C’était une déclaration d’intention audacieuse et un message à ses fans – les Beatles l’ont peut-être écarté du centre de la scène, mais le King avait encore de la vie en lui.
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3. Kiss, « Rock And Roll All Nite », extrait de l’album Alive!
3. Kiss, « Rock And Roll All Nite », extrait de l’album Alive!
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Bien que Kiss ne soit pas, musicalement parlant, un très bon groupe, ses membres sont des performeurs par excellence. Kiss exploite le spectacle au maximum, soulevant une foule comme peu d’autres groupes peuvent le faire. Vous pouvez ressentir cette énergie sur la version live de « Rock And Roll All Nite ». Le morceau s’ouvre sur une explosion frénétique d’acclamations qui se poursuit sans relâche tout au long de la chanson, et le groupe se nourrit de cette énergie. Il est presque impossible de ne pas chanter avec celui-ci dans la voiture, car vous entendez des milliers de fans chanter à tue-tête chaque fois que le groupe frappe le refrain.
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4. Ween, « Poop Ship Destroyer », extrait de l’album Paintin’ The Town Brown de 1999
4. Ween, « Poop Ship Destroyer, » from 1999’s Paintin’ The Town Brown
Paintin’ The Town Brown était le premier album live officiel de Ween, bien que les fans avaient déjà une occupation bien remplie en bootlegging des spectacles de Ween sur cassettes pendant des années. La collection a capturé le bon, le mauvais, et le laid, couvrant huit années de la décennie formatrice et la plus productive du groupe. « Poop Ship Destroyer » est le dernier morceau de Pure Guava, le troisième album du groupe et son premier grand label, Elektra, en 1992. Le morceau « Poop Ship » de Guava est un titre quelque peu oubliable, d’une durée d’à peine plus de deux minutes, qui conclut l’album de rupture du groupe. Sur Paintin’ The Town Brown, enregistré en 1995 lors d’un concert à Columbia, dans le Missouri, le morceau est porté à 26 minutes de trippitude lourde, boueuse et chargée de larsen. D’autres versions live épiques de « Poop Ship » ont contribué à établir la chanson comme l’hymne non officiel du groupe.
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5. Talking Heads, « Life During Wartime », extrait de l’album Stop Making Sense de 1984
5. Talking Heads, « Life During Wartime », extrait de 1984’s Stop Making Sense
En décembre 1983, les Talking Heads étaient toujours portés par le succès de leur cinquième LP studio, Speaking In Tongues, qui contenait le hit Top 10 « Burning Down The House ». Pour commémorer la tournée derrière le disque, le quatuor s’est adressé au réalisateur Jonathan Demme, qui a fini par filmer le groupe pendant trois nuits au Pantages Theater à Hollywood. Les images – qui sont finalement sorties sous la forme du film et de l’album Stop Making Sense – ont donné lieu à plusieurs versions emblématiques des chansons des Talking Heads, notamment une version plus funky et criarde de « Girlfriend Is Better » et une version dépouillée de « Psycho Killer ». Cependant, la chanson la plus durable de Stop Making Sense est sans doute une version amplifiée de « Life During Wartime ». Grâce aux musiciens auxiliaires qui ont joué avec le groupe, en particulier Bernie Worrell, le claviériste de Parliament-Funkadelic, et Lynn Mabry, ancien membre de P-Funk, au chant, la chanson a un tempo plus vif et un groove plus serré, ce qui renforce l’hystérie de la chanson. La performance vocale du frontman David Byrne est également suffisamment déséquilibrée ; lorsqu’il chante la dernière partie du refrain, il a l’air d’un homme désespéré qui s’accroche à la raison face au désastre. Il est presque impossible d’écouter « Life During Wartime » aujourd’hui et de ne pas imaginer les mouvements de jogging sur place déclenchés dans le film pendant la chanson – un témoignage non seulement de la forme physique de Byrne, mais aussi du rythme vivace et implacable de la mélodie.
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6. Paul McCartney, « Maybe I’m Amazed », extrait de Wings Over America de 1976
6. Paul McCartney, « Maybe I’m Amazed, » from 1976’s Wings Over America
La chanson que McCartney lui-même cite comme étant peut-être sa meilleure a été écrite et enregistrée pendant les jours de déclin des Beatles, et a été incluse dans son premier album solo éponyme – une collection de modestes enregistrements maison que les critiques de 1970 ont largement rejetés. Lorsque McCartney a sorti une version live de « Maybe I’m Amazed » comme seul single du triple album live Wings Over America de 1976, il avait déjà une série de succès post-Beatles, et la chanson semblait déjà être un classique intemporel. Le « Maybe I’m Amazed » de Wings Over America a le même arrangement de base que la version de McCartney – le même piano délié, le même solo de guitare enflammé, la même batterie intermittente – mais la performance vocale est encore plus passionnée. Ce qui commence comme une ballade devient presque un hymne à partir de la moitié de la chanson. Cette construction régulière du soupir au cri est restée le modèle de la façon dont la chanson est censée sonner.
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7. U2, « Sunday Bloody Sunday », extrait de Under A Blood Red Sky de 1983
7. U2, « Sunday Bloody Sunday », extrait de 1983’s Under A Blood Red Sky
L’un des reproches faits à MTV au début des années 80 était que la chaîne faisait des stars du jour au lendemain de jeunes musiciens qui se contentaient d’être beaux devant la caméra, qu’ils aient ou non des talents d’interprètes. U2 a pourtant percé aux États-Unis avec une vidéo qui les montrait sur la scène de l’étonnant amphithéâtre Red Rocks, dans le Colorado, en train d’enthousiasmer un public trempé par la pluie avec une puissante interprétation en direct de « Sunday Bloody Sunday », une chanson sur la violence en Irlande du Nord. C’est un clip fascinant, et à peu près au même moment où il a été diffusé en boucle sur MTV en 1983, U2 a sorti l’EP live Under A Blood Red Sky, avec un autre « Sunday Bloody Sunday », tout aussi énergique, issu de la même tournée. Les stations de radio rock ont commencé à diffuser la version EP, avec l’intro séduisante de Bono : « On a beaucoup parlé de la prochaine chanson. Peut-être… peut-être trop de discussions. Cette chanson n’est pas une chanson de rebelle. Cette chanson, c’est Sunday… Bloody Sunday. » Lorsque Bono a fini de parler et que le batteur Larry Mullen Jr a commencé son rat-a-tat d’ouverture, beaucoup d’auditeurs de radio étaient aussi prêts à rejoindre l’armée de U2 que ceux qui avaient vu Bono parader avec un drapeau dans la vidéo.
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8. Lynyrd Skynyrd, « Free Bird, » de l’album One More From The Road de 1976
8. Lynyrd Skynyrd, « Free Bird, » extrait de One More From The Road de 1976
De temps en temps, de jeunes spectateurs de concerts demanderont à un vieux briscard pourquoi les gens crient « Freeeeee Biiiiird ! » entre les chansons. Ils entendront alors la légende du double album live de Lynyrd Skynyrd de 1976, One More From The Road, et sa version de 13 minutes et demie de « Free Bird ». Le morceau live commence avec Ronnie Van Zant qui demande à la foule du Fox Theatre d’Atlanta : « Quelle est la chanson que vous voulez entendre ? ». Les fans crient le titre en masse, puis le groupe – un an avant que trois de ses membres ne soient tués dans un accident d’avion – fait rugir un « Free Bird » qui développe à la fois la nostalgie bluesy et l’élan triomphant de la version studio. Lynyrd Skynyrd a trop de chansons populaires pour qu’on puisse appeler l’une d’entre elles leur « signature », mais grâce à la radio rock classique qui joue le « Free Bird » en direct à perpétuité, c’est devenu la chanson que le public demande par son nom à n’importe qui sur une scène.
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9. They Might Be Giants, « Why Does The Sun Shine ? » extrait de l’album Severe Tire Damage de 1998
9. They Might Be Giants, « Why Does The Sun Shine ? » from 1998’s Severe Tire Damage
They Might Be Giants ont longtemps été « juste » un acte de nouveauté pour ses critiques, et l’un des plus grands supports de cet argument était l’EP 1993 « Why Does The Sun Shine ? ». Constitué à 75 % de reprises, dont une version mignonne du titre éducatif, il est totalement inessentiel. Mais le meilleur argument contre TMBG en tant que pure nouveauté est ce que le groupe a fait de la chanson par la suite, transformant l’adorable « Why Does The Sun Shine ? » en une pièce maîtresse de son spectacle live. Officiellement recueillie sur l’album live Severe Tire Damage de 1998, la chanson est une preuve de la force, de la flexibilité et des spectacles live ridiculement amusants du groupe.
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10. The Beatles, « Twist And Shout », extrait de l’album Live ! At The Star-Club In Hamburg, Germany
10. The Beatles, « Twist And Shout », extrait du concert de 1962 ! At The Star-Club In Hamburg, Germany
La version de « Twist And Shout » sur le premier album studio des Beatles, Please Please Me, est bien. C’est bon, vraiment. Mais ce n’est pas le « Twist And Shout » qui a marqué l’époque et qui a aidé les Beatles à prendre l’Amérique d’assaut au début des années 60. En studio, c’est une bonne chanson de rock ‘n’ roll. Mais en concert, c’est un camion en fuite qui dévale la pente, détruisant tout sur son passage, alors que la voix de John Lennon commence fort et ne cesse de gagner en intensité. Peut-être que Lennon s’est abîmé la voix dans le processus, mais cela ne fait que renforcer la mythologie des Beatles en tant que groupe de rock qui déchire et pas seulement en tant que question d’un test d’histoire. La version live de la chanson est une catastrophe en attente, un mur de mots et de guitare et de batterie et d’harmonie et juste un bruit époustouflant.
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11. Fleetwood Mac, « Landslide », extrait de l’album The Dance de 1997
11. Fleetwood Mac, « Landslide, » extrait de The Dance de 1997
Stevie Nicks a écrit « Landslide » juste avant qu’elle et son ami d’alors, Lindsey Buckingham, ne rejoignent Fleetwood Mac, le groupe qui allait les rendre célèbres. La chanson est apparue sur l’album éponyme du groupe en 1975, avec la prestation douce et pleine d’espoir de Nicks sur des lignes comme « Time makes you bolder / Children get older / I’m getting older too ». Plus de 20 ans plus tard, « Landslide » a refait surface, le groupe ayant publié une version live sur l’album The Dance de 1997. Le passage de quelques décennies change complètement la signification de la chanson. Le point de vue de Nicks est maintenant celui d’une femme plus âgée qui regarde sa vie, ce qui est d’autant plus poignant qu’elle est accompagnée à la guitare acoustique par son amour perdu, Buckingham. Dans la vidéo, Buckingham retient à peine ses larmes alors que les deux se retrouvent sur scène. « Landslide » a été repris par les Smashing Pumpkins, les Dixie Chicks et même les acteurs de Glee. Mais rien ne peut égaler la version live de Fleetwood Mac : Elle dit que la chanson est pour son père, mais il est impossible d’ignorer la montagne d’émotion entre Nicks et Buckingham lorsqu’ils revisitent leur passé romantique sur scène.
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12. Cheap Trick, « I Want You To Want Me », extrait de l’album At Budokan de 1979
12. Cheap Trick, « I Want You To Want Me, » from 1979’s At Budokan
La génialité de Cheap Trick’s At Budokan, l’album live de 1979 qui a mis le groupe sur la carte officielle du rock, a pratiquement ruiné la version non live de chaque chanson qui s’y trouve. Cette inégalité est flagrante sur « I Want You To Want Me ». Il y a une raison pour laquelle l’original n’est pratiquement pas diffusé : Elle est trop discrète, et les paroles simplistes de Rick Nielsen sont traduites en chanson. Mais mettez la même chanson devant la foule du Budokan, et regardez-la prendre vie. Lorsque Bun E. Carlos démarre avec un riff de batterie, toute la douceur qui emprisonnait la chanson en studio est instantanément rejetée. Des groupes d’adolescents hurlants répondent au « Didn’t I didn’t I didn’t I see you crying » de Zander par « Crying ! Crying ! Pleurer ! » Nielsen, qui s’amuse manifestement, ne lance pas un mais deux solos amusants. Juste au moment où ces sommets sont atteints, le groupe laisse tout tomber sauf le chant et Carlos, laissant ces cris reprendre le dessus. Il y a beaucoup d’excellentes chansons sur In Color ( » Downed « , » Southern Girls « ), mais pas besoin d’écouter cette version de » I Want You To Want Me » quand celle en direct existe.
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13. Nick Cave And The Bad Seeds, « From Her To Eternity », extrait de l’album Live Seeds de 1993
13. Nick Cave And The Bad Seeds, « From Her To Eternity, » from 1993’s Live Seeds
Bien que le côté plus tendre de Nick Cave soit toujours mieux servi sur disque, il n’y a toujours pas de studio qui puisse contenir des bêtes comme « From Her To Eternity ». Le gémissement de frustration sexuelle de Cave à l’égard de la fille d’à côté sonne tout aussi sobrement sur l’album du même nom sorti en 1984 – à tel point que les rééditions CD ont rajouté une version live de 1987, ajoutant une interprétation qui semble juste un peu plus primale là où l’autre ne fait que rôder. Mais la version définitive du concert des Bad Seeds se trouve sur le Live Seeds de 1993, qui a capturé le groupe pendant sa période Henry’s Dream d’agression rock pure. Depuis le grondement sinistre de l’intro de Cave « I wanna tell ya about a girrrrrl » jusqu’à la façon dont il grogne comme un fou furieux à travers le monologue du harceleur qui occupe le milieu de la chanson, Cave n’a jamais semblé aussi désespéré – ou dangereux. Pendant ce temps, le groupe le soutient avec un vacarme syncopé d’accords qui, vu le ton des choses, pourraient bien avoir été joués avec une masse. La seule façon de surpasser cette version serait d’avoir Cave qui la crie depuis le dessous de votre plancher.
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14. Nirvana, « About A Girl », extrait de l’émission MTV Unplugged de 1993
14. Nirvana, « About A Girl », extrait de MTV Unplugged de 1993
À part quelques performances de Pearl Jam et Queensrÿche, l’étalon-or de MTV Unplugged était autrefois Eric Clapton, pleurant doucement sur « Tears In Heaven ». Il n’a pas été facile de convaincre Kurt Cobain d’ouvrir ces portes à Nirvana, un groupe dont les apparitions sur MTV étaient émaillées de guitares cassées. Mais tous les doutes quant à la capacité du groupe à s’imposer ont été effacés dès les premiers accords de « About A Girl », le premier des nombreux morceaux et reprises moins connus que Cobain a choisi de jouer ce soir-là, et celui qui a le plus bénéficié de son remaniement acoustique. Cobain a longtemps dit que « About A Girl » était un « risque » lorsqu’il est apparu pour la première fois sur l’album Bleach de 1989, son jangle R.E.M. s’écartant nettement du rock écrasant qui l’entourait. Mais une fois ralentie et laissée respirer, sa prestation lors d’Unplugged s’est avérée être une révélation, notamment pour les parents qui avaient considéré Nirvana comme un groupe bruyant, avant de découvrir les douces chansons des Beatles qui se cachaient sous le vacarme. Le succès ultérieur de « About A Girl », seul single commercialisé du spécial, lui a donné une vie éternelle à la radio, où il reste la seule version que vous êtes assuré d’entendre.
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15. Peter Frampton, « Show Me The Way », extrait de l’album Frampton Comes Alive de 1976
15. Peter Frampton, » Show Me The Way « , extrait de l’album Frampton Comes Alive de 1976
Peter Frampton n’avait que 26 ans lorsqu’il a bondi du statut de guitariste utilitaire pour sortir le double album Frampton Comes Alive, qui reste le disque live le plus vendu de tous les temps. Des trois singles de l’album, « Show Me The Way » a été le plus populaire, atteignant la sixième place du Billboard (devant « Feel Like I Do » et « Baby, I Love Your Way »). Frampton a déclaré à l’A.V. Club en 2001 qu’il avait réalisé que son succès était venu à rebours, l’album live ayant donné le coup d’envoi de son apogée : » Presque personne n’achetait mes disques studio, mais quand je les ai réunis en live, ça a crevé le plafond. Alors, allez comprendre. C’est parce que j’aime tellement jouer en direct. C’est un sentiment merveilleux. » La joie évidente de Frampton sur scène a certainement contribué à mettre en valeur Frampton Comes Alive, tout comme ses efforts plus spectaculaires, comme la façon dont il saute sur la boîte à paroles de sa guitare (un gadget relié à un tuyau buccal) chaque fois qu’il en a l’occasion. Mais le secret de l’attrait de Frampton pour le grand public était qu’il était le rockeur le plus romantique des grandes salles. Dans » Show Me The Way « , il est en plein mode béatitude romantique – » I wonder if I’m dreaming / I feel so unashamed / I can’t believe this is happening to me » – devant une foule hurlante de milliers de personnes tout aussi amoureuses que lui.
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16. The National, » About Today « , extrait du EP Virginia de 2008
16. The National, « About Today, » from 2008’s Virginia EP
Le Virginia EP de The National comprend plusieurs versions live de chansons que le groupe a interprétées lors de sa tournée Boxer, mais aucune de ces performances n’est aussi palpitante que « About Today ». Deux fois plus longue que la version enregistrée (originellement issue du Cherry Tree EP de 2004), la piste live énergique et énigmatique rend obsolète l’original plus guindé. La construction lente mais régulière va crescendo jusqu’au point où le public tape dans les mains en même temps que les instruments qui s’entrechoquent, comme un battement de cœur. Non seulement cette version de « About Today » fait exploser son prédécesseur enregistré, mais c’est aussi un parfait exemple de la façon dont The National est stellaire en live – à des lieues de l’introspection mièvre qui définit sa musique enregistrée.
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17. Robyn Hitchcock, « 1974 », extrait de l’album Storefront Hitchcock de 1998
17. Robyn Hitchcock, « 1974 », extrait du film Storefront Hitchcock de 1998
En 1998, le réalisateur Jonathan Demme décide de revisiter le genre du film-concert, utilisant son habileté dans le genre – qu’il avait démontré avec Stop Making Sense des Talking Heads – pour mettre en lumière une autre artiste culte qui avait vacillé au bord du précipice du succès grand public : Robyn Hitchcock. Malheureusement, il n’y a jamais eu beaucoup de chances qu’un auteur-compositeur-interprète ayant la même tendance à l’excentricité lyrique que Robyn Hitchcock se mette soudainement à vendre des disques de platine, mais Storefront Hitchcock a au moins donné à son protagoniste l’occasion de faire découvrir au public quelques chansons inédites, notamment une ode au « pays des jeans funky » qu’est l’année 1974. Une version studio du morceau se retrouve plus tard sur A Star For Bram, une collection d’extraits de l’album de Hitchcock de 1999, Jewels For Sophia, mais elle n’est pas à la hauteur de la surprenante poignance que le rendu acoustique austère fait ressortir dans les réflexions de Hitchcock sur » la dernière série de Python » et » la dernière session de Syd Barrett « .
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18. Morrissey, « Jack The Ripper », extrait d’un live parisien de 1992
18. Morrissey, « Jack The Ripper, » extrait d’un concert à Paris en 1992
Peu d’artistes musicaux ont des bases de fans aussi dévouées que celles de Morrissey. Mais lorsqu’il s’agit de « Jack The Ripper », une ode au célèbre tueur en série du XIXe siècle, même les plus fidèles supporters de l’ancien leader des Smiths ont tendance à reconnaître que la chanson n’a jamais vraiment décollé en studio. Ce n’est pas qu’il n’a pas essayé : La version qui figure sur la face B du single « Certain People I Know » a été enregistrée en octobre 1992 avec le producteur Mick Ronson, mais Morrissey a fait un deuxième essai infructueux le mois suivant à la Nouvelle-Orléans, avec Allen Toussaint comme producteur. Morrissey a donc choisi d’utiliser une version live de « Jack The Ripper », tirée d’un concert à Paris en décembre 1992, chaque fois que la chanson est apparue sur des compilations de raretés. Bien qu’il ait l’habitude de préférer réécrire l’histoire chaque fois que l’occasion se présente, c’est une fois où même les fans purs et durs ne se plaignent pas.
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19. Bob Seger And The Silver Bullet Band, » Turn The Page « , extrait de l’album ‘Live’ Bullet de 1976
19. Bob Seger And The Silver Bullet Band, « Turn The Page, » from 1976’s ‘Live’ Bullet
Au moment où on l’entend sur le Back In ’72 de Bob Seger, « Turn The Page » semble trop maniéré, trop rangé pour devenir le standard classic-rock de la lassitude du tour-bus. Mais grâce au double LP ‘Live’ Bullet, la chanson a finalement acquis la perspective décolorée appropriée. Jouant dans la salle qui a vu naître une partie de Kiss’ Alive (Cobo Arena à Detroit), Seger et le Silver Bullet Band ont mis suffisamment d’étalement dans « Turn The Page » pour suggérer un trajet sans fin sur l’autoroute, ses couplets étant ponctués de remplissages instrumentaux fumants. Les contributions du saxophoniste Alto Reed font toute la différence. En studio, l’intro expressive de Reed est étouffée, semblant se terminer avant d’avoir pu commencer. Sur ‘Live’ Bullet, cependant, il a de la place pour gémir, chaque prise du riff distinctif de la chanson étant un film amateur de diners miteux, de paysages flous et d’un autre lampadaire qui zappe hors de vue.
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20. Bob Marley, « No Woman, No Cry », extrait de l’album Live!
20. Bob Marley, « No Woman, No Cry », extrait de l’album Live ! de 1975.
Alors que la version de « No Woman, No Cry » du Natty Dread de 1974 est presque comiquement mince et synthétique, la prise live de Bob Marley en 1975 est luxuriante et personnelle. C’est probablement pour cette raison qu’elle est devenue la version dominante de la chanson, apparaissant à la fois sur l’album Live ! de 1975 et sur la collection Legend, incroyablement populaire. Agrémentée de bavardages du public, d’un orgue bien placé et de quelques dames de soutien, la version live de « No Woman » est peut-être devenue un cliché stoner surjoué depuis, mais pour une bonne raison : elle est vraiment, vraiment bonne. L’écoute avec un ensemble d’oreilles fraîches peut faire des merveilles pour cette vieille chanson.
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